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吉他乐队组合的构成形式各有不同，下面简单的说一下。
一是民谣形式
民谣弹唱形式有两种。一种是一个人自弹自唱，这大家都很熟悉了，就是标准的民谣弹唱形式。一种是两个人两把吉他,在演唱方面，两个人经常形成二声部。在演奏方面，往往是一个弹旋律，一个人打节奏。还有就是电声形式了如果以电声乐队的形式出现，就稍复杂了一些。在演唱方面，可以是一个人唱，也可以两个人唱，还可能是三、四个人一起唱。当然，总有一个人是为主的。在演奏方面，最小的电声乐队需要五个人组成：两把电吉他、-个电贝司、一架电子琴、一个架子鼓，两把电吉他，一把弹旋律或华采句、一把打节奏。电贝司主要奏重拍上的低音，一小节弹一或两下。一般总是和弦的根音和五音交替着弹。有时穿插着弹一点上行的或下行的音阶，（般是两拍），有时还带出一些滑音。电子琴主要是奏一些和弦长音，来烘托整个乐队，使音乐显得丰满。有时也奏旋律和一些华彩效果。要注意，电子琴的和弦与电吉他的和弦是一致的。架子鼓的节奏与电吉他的节奏应该是相互配合的，整个乐队的气氛有一半是架子鼓制定的。对于乐队或者做音乐的人来讲，最有效率、最出成绩的就是大家在一起排练了。通过排练，每个人都能获得与其他人在音乐上交流的机会，尽情地表达自己在音乐上的想法和体会，而且通过排练还可以不断地提高自身的技术水平。可以说，排练是每个音乐人必做的功课。随着音乐爱好者和乐队如雨后春笋般的不断涌现，很多城市都相应地出现了专门用于乐队排练的地方——排练室。
设备一般也都比较齐全，拥有公用的鼓、镲、吉他和BASS音箱以及扩声音箱等等。条件好的甚至有空调、调音台、数字多轨录音机等等。但是一般这样的排练室的收费不会很便宜，虽然乐队每个人可以均摊排练费用，一个月下来对于预算不是很宽裕的乐队来说仍是一笔不小的支出。所以如何有效地利用排练时间，能够在最短的时间里达到最好的排练效果是每个乐手都要考虑的问题。因为高质量的排练不仅仅是节约了宝贵的时间和金钱，对每个乐手或者乐队来讲也是一件非常享受的事情。
那么如何才能有效地利用排练时间呢？依笔者的经验来看，到排练室来进行排练的大多数都是以乐队的形式，而且大部分都是用真正的吉他、鼓和BASS，里面的人少则三四个，多则七八个。所以本文就以乐队形式排练为重点来说说有效地利用排练时间的问题。一般的乐队排练分为几种最常见的性质：演出性排练、录音性排练和创作性排练。我们现在就逐一来分析。
演出性排练
演出性排练，也就是乐队将面临着演出，为了获得满意的演出质量，才来进行的排练。像这种排练，是最容易节省时间的办法，因为首先对歌曲来讲，每位乐手都基本上已经了然于胸了，只是在某个环节或者什么地方不是很熟悉，不过这不要紧，主要是对乐谱或者歌曲的段落不熟练，排练正是要解决这些问题。那么怎么能有效地进行排练呢？其实很简单，每位乐手在家里的时候不要光顾着练琴练鼓什么的，每天练习的时候最好把自己乐队的作品或者要演出的作品自己在家里反复地练习几遍，尤其是对于自己不是很熟练的地方或者技术难度比较大的地方，只有这样，每个人才能在排练的时候尽量少出错误，才能更好地注重音乐性和整体性。
笔者有时候在看演出时经常发现台上的乐手会很紧张，演奏起来面无表情，显然是在完成他所演奏的东西，而音乐的感情、段落、呼吸等等就顾不上了，严重的时候还会破坏音乐的整体感觉。发生这种情况就是因为乐手对自己所演奏的东西还不是百分之百的熟悉，演奏起来没有达到得心应手的地步，而这正是自己在家里练习不够所造成的。所以，在排练之前每个人最重要的事情就是在家里先把要排练的或者要演出的东西反复地演奏，这样排练起来的效率会成倍的提高。
那是不是大家都熟练了，排练的时候简单地过几遍就可以了呢？不是的。因为演出的时候，台上所有的乐手是一个整体，是同时在完成一件作品。为了更加完美地完成这个作品，所以在排练的时候每个人在自己不出错误的同时还要仔细地聆听其他乐器的声音。对于旋律乐器来说最应该注意的是鼓和BASS，因为这两个是节奏的基础，而鼓手和BASS手就应该互相聆听对方的声音，从而找到一个共同的律动感觉。这样才能把音乐的节奏和律动做好，而且同时还要注意音乐的段落和色彩，通过不断地调整自己的感觉来达到和音乐最匹配的地步。这样的话无论是在排练还是演出，音乐的整体感都会非常好。
另外，虽然是在排练室里排练，并没有真正面对观众，但是每个人都要想象一下真正演出时的情景，把自己的心情最好能调整到和演出时一样，这样就会变得有激情，而音乐也会变得非常有感染力。很难想象一支好的乐队在排练室是死气沉沉的，而一到了台上就会激情四射，所以在排练时一样也要培养演出时的情绪。这样做还有一个好处，就是在你激动起来的时候减少犯错误的概率，让演出效果更好。还有就是演出性排练时最好能把上场后的情况都考虑到并且模拟一遍，比如歌手应该说什么话，在第几首歌的什么位置会加入某个乐手的即兴solo等等，模拟得越细致，演出的质量也就越高，演出的效果也越好。我们看到国外乐队的现场演出非常好，那就是因为在台下他们把每一个环节都想好怎么去做了，甚至连走路的路线和步伐都设计好了。还有一点，就是每个乐队在演出之前最好能去彩排一下，也就是俗称走台，因为这是实际了解演出场地点状况和音响设备状况的好机会，跟音响师做必要的沟通也是必不可少的，这些都是演出性排练的一部分。
录音性排练
顾名思义，当然是乐队马上要进录音棚来录制专辑或者单曲一类的作品。在进录音棚之前，乐队必须要进行很多很细致的排练工作，从而确保录音的质量和节省时间（因为录音棚的费用更高，实在是不敢在棚里浪费时间）。那么录音之前的排练就显得至关重要了，因为这直接影响到作品的品质。以笔者的乐队为例，由于我们经常会到录音棚录音，所以每个乐手都非常有经验了。首先，在排练之前每个人依然要在家里先把要录音的东西反复地演奏，然后在例行的排练时，我们每个人都会把要录音的作品中的自己的那部分乐谱写出来，然后按照乐谱反复地进行共同排练，可以说要把每一处细节都要考虑得清清楚楚，并且演奏得没有丝毫问题了才可以。还有一个很重要的问题就是乐器的solo，尤其是电吉他、键盘等乐器，可以说经常会有大量的solo在音乐里面，所以在录音性排练里要格外地的重视solo，应该说要把每一首作品的solo都要事先编写完整，每一处转折、每一处过门都要编写得很详细，而且排练的时候还要把solo单独提出来进行练习，看看和弦是否正确，整体的结构对于音乐作品来讲有没有什么影响。
对于难度比较大的一些solo段落更是要反复练习，不断地熟练它，这样做不仅会为录音节省大量的时间，而且对于自己来讲也是一个快速提高技术的方法。不过录音时的solo最好能够跟现场演出时一样，这样对于乐队来讲作品的完整度更好。对于那些即兴成分比较大的，自由度比较高的段落，在排练的时候可以按照不同的想法来排练出几种不同感觉的东西来，然后都进行熟练的练习，这么做的好处是在棚里录音的时候可以迅速地把几种不同感觉的东西全都录下来，然后进行比较和筛选，为缩混留下非常好的素材。
其实录音性排练在整体上和演出性排练差不多，但是要更注重细节，而且每个人都要认真仔细地把自己的乐谱写下来，然后大家可以把整首作品的感觉记住，这样在进录音棚的时候就不会产生感觉或者情绪上的问题，能够顺利地完成录音工作。
创作性排练
创作性排练是每个乐队最重要的一种排练方式，因为几乎每个乐队都会在这种排练的方式下产生无数新的动机、新的想法，往往一首精彩的作品就是在这种排练环境下产生的。而且创作性排练是排练方法里面自由度最高的一种，有时候大家会随心所欲地演奏一些东西，然后逐步地跟进。也正是由于自由度很高，这种排练方法很容易变成聊天会，时间花了不少但是成果并不多。有的人觉得既然是来创作，在家里就不用做什么准备，其实这也是不可取的。为什么呢？因为我们每个人在家里练习的时候也依然会有灵感的火花迸发出来，而且这些火花也许是非常精彩的，然而了排练时由于没有做准备很可能会想不起来了，而勉强想起来也往往失去了当时的那种感觉，这岂不是很可惜？
所以，在家里的时候，每个人都要进行单独的创作工作，如果有好的想法或者动机，哪怕是一句听起来很特别的旋律，都要马上写下谱子来，然后还是要反复地演奏这个东西。也许在演奏的时候就会有更多更好的想法不断涌现呢。当然，在演奏的时候也不能单单想着这个东西，拿吉他手举例来说，当他在弹奏的时候，还要考虑BASS怎么去弹，鼓怎么去敲才能和这段东西达到一致，也就是说不仅仅要考虑旋律或者和声进行，还要进行一定的编曲工作。如果家里有条件可以用电脑来进行最简单的编曲，因为这样能够初步地听出整体的感觉，便于日后排练。
前面说的只是每个人在家里应该进行的工作，那么排练的时候呢？每个人就可以把家里已经成形的东西拿出来，让大家来听听，交流一下，看看有什么更好的想法。而且最好的方法是大家按照这段动机来排练一下。在排练的时候如果大家都觉得非常有兴趣或又有了更加精彩的动机的时候，就可以一直进行下去直到某一个段落结束为止。这样的排练任何人都会觉得非常有意思而不会觉得枯燥。很多人在创作性排练的时候总是觉得每个人的想法都南辕北辙，总是难以统一，其实这也是因为交流不够，在排练的时候应该先把自己要表达的意思完整地表达出来，然后说一说自己的想法是什么，这样大家就会能够更快地理解并且融入到音乐当中去。当然了，每个人都会有自己的想法，能够聆听别人的想法也是提高排练效率的好方法。
说了这么多关于如何有效地利用排练时间的问题，我想再强调一点并不是说每次排练都会非常精确，因为对于乐队或者乐手来讲所面对的事情也许不止一件，所以排练时间其实是非常灵活机动的。更加合理的方法是把排练时间分成几个部分，开始时是演出性排练，后一半的时间就是创作性排练了，这样更能够节约时间。如果这样每个人在家里面的工作就会更多，脑子里面要记住的东西也就会更多。
高质量高效率的排练对每个乐手来说都是一件开心的事情。从每一次排练中大家都能够找到自身的不足，都能够把自己的音乐做得更加完美，这才是排练的成果。最后还有一个非常重要的事情，那就是：遵守时间，别迟到。这直接关系到排练的效率问题。
我们今天的民谣吉他第十三课，来给大家说一下新的调式与和弦。
民谣吉他第十三课 新的调式与和弦
音乐作品中共有12个调号。在民谣吉他常用到的有6个：1=C、1=G、1=D、1=A、1=E、1=F。在学G调的时候我们通过C调推出G调的和弦和音阶。同理我们也可以推出其他调的和弦。
这是C调的音阶
这是这六个调的音阶。
1234567
C调CDEFGAB
D调DE#FGAB#C
E调E#F#GAB#C#D
F调FGAbBCDE
G调GABCDE#F
A调AB#CDE#F#G
这些音阶记起来很麻烦， 在高级教程中有更有效的方法来弹奏音阶。大家先了解一下。
下面是各调常用的和弦。
ⅠⅡmⅢmⅣⅤⅥm
C调CDmEmFGAm
D调DEm#FmGABm
E调E#Fm#GmAB#Cm
F调FGmAmbBCDm
G调GAmBmCDEm
A调ABm#CmDE#Fm
演奏摇滚吉他，在练琴时不要先急着弹奏旋律，应养成一个良好的习惯，先从音阶练习弹起。音阶弹奏的快慢，直接影响到Solo演奏的速度。音阶弹奏分各种音型、正声音阶、蓝调音阶等。除了按顺序弹奏外，还要穿插结合，进行各种变化弹奏。要想在速度上突破，除了要做到全神贯注外，还要做到手指按把的正确运指姿势。先从左手四个手指按把开始，要把左手四个手指均匀地按在音品上相连的四个把位上。通常四个手指中，无名指与小指最不灵活的，弹奏时要用右手帮助掰开它，把无名指、小指移到准确的位置中间，直至四个手指都会垂直按弦并灵活地听从控制。把手撑开，四指学螃蟹爬步一样，慢慢地向相邻手指移动，越慢越好，要一直保持正确位置及直立状态。这样，刻苦练一段时间后，感到左手的各个指尖变得灵活了，才可在速度上慢慢突破。若有必要还可在左手腕上吊上或绑上一小袋沙包进行练习，这样对今后的快速弹奏大有帮助。
音阶练习掌握后，开始最重要是吉他推弦及额音练习。一个吉他手，推弦技巧掌握程度将决定弹奏水平。首先用拇指与食指把琴颈握住，靠着琴颈用力套着，通常用无名指推弦时，中指、食指一起按在相邻的把位上，注意不要让手指的根部之间分开，推弦时不要用手指的力气去推，要用手腕带动手指转动的力气，就好像左手张开虎口，然后套上右手小臂一样，靠着手腕的力气慢慢转动。要避免单纯靠手指头的力气去推。低音推弦恰恰相反，它的推弦是在食指和拇指上用劲，用一种挖指板似的感觉来向下扭腕。推弦时，也可用食指、中指、小指换着练习。开始学习推弦，最好找个专业的吉他手，让他（她）示范给你看。
推弦的音程有1／4音，半音，1度音，1度半音，2度音，2度半音。推弦掌握以后，便可以学习颤音，吸音可给演奏的音乐注入感情。电吉他的颤音，一般都是重复半音推弦。练习时，像练螃蟹爬步音阶一样，越慢越好，直到在短短的时间内能把半音的推弦重复连续地弹出来后才算掌握。记住！开始练习时千万不能加快速度，更不能把额音当作是手在用力，像痉挛似地动。只有把你的颤音练到从慢到快的重复又回到原来的样子，才算是真正掌握这种技巧。颤音一般用食指或无名指额音，它的道理和推弦一样，不是单用手指的力气来颤音，或用身体移动、琴颈移动，都是不正确的。靠的是食指的支点，手腕转动的力气。要把自己的感情融洽进去而发出声音才会产生共鸣。
摇滚吉他在弹奏热烈的华彩时，经常可听到一种嘶裂人心的尖叫声，其实这是一种投片弹奏泛音的特殊奏法，有以下几种奏法：一般的用拨片触弦后，迅速用持投片的拇指的外侧接触琴弦，并随即离开，就产生一种尖锐的泛音，就像刺耳的哨音一样。
另外卖法就是用匹克改变弹奏的位置。右手有点倾斜地拿着匹克往下砸着琴弦，就会产生一种尖叫声，于是带着摇滚味的旋律就出来了。在弹奏中做到万无一失的推弦泛音弹奏，必须要在不同把位的弦上多加练习与比较，才能达到随心所欲的效果。
注意！特殊弹奏是将弦推上去，然后弹奏（泛音）琴弦，后即接着额音，才能达到理想的效果。再则，摇滚电吉他有一种推弦，称之双推弦，它是先弹一个音，然后另一个同样的音在不同的弦上通过推弦弹奏出来，自然而然就产生摇滚味道，比如在崔健的（一无所有）中间Solo段就运用了这种效果。
也就是连续出现的音，要用不同的方法使之发出像书法一般，用不同的字体体现同一字的那种效果。开头两小节就是用双推弦的效果，食指按在2弦12品位，中指按3弦13品，无名指按3弦14品，通过无名指推弦，将3（高音）推出，然后再弹2弦12品的刍，或食指按l弦7品，中指按2弦9品，无名指按2弦10品进行同样的弹奏，一股感人的摇滚味就呈现出来了。
第一步 分析
首先将乐曲分成几个主要段落，再进一步细分成乐句，乐句是乐曲最基本的表现单位，也是学习和掌握的最基本单位。
第二步 指法标注
标注左右手所有指法，如果吃不准，需要请教老师，看视频，或者自己摸索出最稳定最容易最敏捷并且发声效果最好的指法（相信我 ，这个指法是存在而且对特定的人来说是唯一的），并一直用这个指法练习（中间如果发现不对的地方也不要怕调整）。
第三步 练习
首先，有请节拍器，不一定非要买专业的，现在手机和Pad上的软件节拍器都还不错，但是绝对不能没有节拍器。
把节拍器速度定在乐曲需要速度的一半，开始弹奏第一个乐句，千万注意，尽可能地准确。所谓练习，就是让正确的东西根深蒂固，如果你图快图完整，很可能只是一遍一遍地重复错误。所以，速度先放慢，保证准确度。
当在50%速度下能够达到乐曲所需的音色、音量时，提高节拍器速度，以此类推，当达到乐曲标定节拍的 3/4的时候，练习下一个乐句。
当一个段落顺下来之后，分别用 慢速 中速 快速（即乐曲标定的演奏速度）练习。
第四步 背谱
经过第三步 不相信你背不下来，请相信自己，越难弹的曲子越好背 因为你练得次数会更多。
第五步 随意摘取乐句
整个曲子顺下来之后，就可以随意摘一部分练习，特别是作品不大方便简单划分乐句时。 这样能保证你弹的时候不至于弄混。
第六步 附加的练习
练习时不看指板
放下琴，脑子里再现弹奏整个曲子时手的动作
亲测这个方法非常累人，但是极其有效
或许对演出效果影响最大的就是你怎么对待练习和排练了。音乐人们都认为自己知道两者间的差别，但却往往在排练时做一些练习应该完成的事。
练习应该是单人进行的，并且是为排练而进行的单人训练。它可以用来提升演奏技术，音乐技巧以及确定歌曲的演出能力。通常来说练习适合单独进行，因为只有这样才能隔绝周围环境的影响，从而全面显示出演奏者各方面的水平。
而排练则应该是群体的活动——乐队通过排练提升整体音色的平衡感，与他人的演奏的同步感，表演的配合等等能力 。因为其更广泛的影响，总之，练习与排练侧重点非常不一样，请不要在排练时再去练习一个段落怎么弹利落，怎样保持速度稳定这样的技能。
为了使排练更有成效，每个乐队成员都应为了排练而练习。而排练的时候乐手应该更多地关注于提升整体的舞台经验，而非只学自己的部分。
乐队通常会疑问排练的频繁度。而这个问题是根据乐队成员间的协调而定的，尤其当每个人都有自己的计划安排和责任时。绝大部分乐队每周排练1到2次，每次3到4小时。但不管怎样，乐手自己应该在每周有五天的练习时间。
作者的乐队每年仅排练5到6次，每次也才3小时。当然了他们也希望增加排练次数，但是每年不少于100场次的演出和每个人的事业追求使得他们只能如此压缩排练次数。但是他们仍然是支有水准的乐队，所以这就看你如何对待练习和排练了。
下面是3条能令排练更有成效的方法：
1.做好排练计划
安排或计划下次的乐队排练时，确保下面事务的落实：
· 设定目标：制订一份专门的目标表单。如果在排练上有新动作，比如新歌或者新的翻唱，那么提前将这份表单发到每个人手中，让他们有时间提前练习自己的部分。记住了，排练的时间不应该被练习所占用。
· 休息时间：尽管排练不像运动那么累人，但是休息仍是必须的。每小时就来个短暂休息吧，排练到一半时甚至可以来个更长的中场休息时间。休息尤其对主唱和鼓手十分重要，毕竟他们是整支乐队中最累的了。
· 准备时间：那些需要花费额外时间来准备或拆开器材的乐手应该早点到达排练，你也可以认为他们必须得有着不同的开始/结束时间。只有这样他们才不会浪费其他成员的时间，而排练也能一如既往的高效进行了。
· 讨论时间：如果有乐队的商业活动需要集体讨论，比如巡演或专辑计划。它不应该影响到排练的时间安排，并且最好在第一时间将这个工作完成。
· 分发计划表：为乐队制作一个时间计划表。将乐队的活动都写在这一表单上，比如对新成员试音。并且让每位成员都能看到这张表单，这样他们才知道接下来乐队有哪些事务。
2.像现场演出一样排练
对许多乐队而言，为演出而准备的排练往往被视为是彩排。所以这样的排练应该能“复制”现场的舞台表演，它应该将演出的曲目全部过一遍，甚至包括设备的调试一切操作。它能确定潜在的问题，帮助降低演出前的焦虑，并且测试一些材料的可行性。
对于已经做好巡演或演出准备的乐队而言，彩排应该包括：
· 从头到尾地完整演奏曲目单：根据设计好的演出休息时间进行休息，交流并再调音，否则任何时间都不应该停下来。乐队成员应该记下曲目单，知道什么时候开始与结束，清楚演出的长度。
· 假想存在舞台：大多数乐队是面对面排练的，这样乐手可以听到并看到其他成员。但是舞台演出可不是这个样子，乐队是面对着台下的观众的。这与排练时可不一样，所以在彩排时就对着某个方向做出正式的“演出”吧。
· 假想的观众：当然了，受限于大多数排练房的大小，乐队可能无法模拟出舞台的效果。但是你们可以把演出的高潮部分研究一番（比如solo，大合唱等等），这样才不至于在本该高潮的时候出现因配合失误而导致的冷场。
· 把彩排录下来：如果可以的话，使用多轨录音机或摄像机（其实手机也行）将彩排录制下来。回过头来看看彩排完成的如何，找出做好的以及没有做好的部分。不管演出的进行时间是多久，倘若演出开始得晚了，你可以为此提前做出响应的调整。
· 设备的装载和卸除：反复练习如何更快的装载和拆卸吧。尤其当演出是多乐队参与的时候，这个时间就很为宝贵了。越是少的准备时间就能让你获得更久的调音时间和更长的演出世间安，台下的观众也就不需要等待得太久了。
记住了，演出的过程并不仅仅是舞台表演，它是从设置舞台到拆卸设备离开舞台的一整段过程。所以你肯定希望在这全程都表现出足够的专业性和娱乐效果，毕竟只有这样乐迷才能真正享受到一次好的演出经历，而这也正是演出所要的结果。
3.制定排练规则
下面是一些排练规则的推荐：
· 准时：这是对乐队成员的尊敬。如果你需要花更多的时间调试设备，那么还要更早到才行。
· 准备充分：前文说了，排练不应该是练习。所以在练习时把自己该准备都准备好。
· 交流：当有人在说些什么的时候，不要再继续演奏。除非这是在彩排。
· 集中注意力：把排练也当作是在工作，将你的散漫态度留在家里吧。
· 酒精，烟都不要：二手烟对主唱的嗓子是有损害的，在排练房外面抽吧。而酒精会降低注意力，影响排练的进行。更不要说它们本来就不是什么有益的东西了。
· 清扫：注意保持排练房的干净整洁，这该是每个使用排练房乐队的基本素质。
· 食物：由于排练的时间较长，所以安排好时间，不要把它放在可能会吃饭的时间段里。
· 反馈：找到可以反馈排练效果的方法。比如请朋友来观看排练，或者使用摄像设备记录排练。
这些都是比较基本的排练规则，你可能还会有其他的想法，而这可能包括成员，器材等方面。不管你决定制定什么规则，都事先与成员交流好，让他们能理解并听从这些安排。
最后记住，练习和排练是不同的概念，不要把排练变成了练习。
封面新闻记者荀超实习生张谌
如果给你一台音乐时光机，回到上世纪80、90年代的夏天，很多人首选的娱乐方式，一定是去“蹦迪”。今年因为《乐队的夏天》火了的新裤子乐队，就以复古迪斯科的音乐风格，圈了不少粉。在成都，也有这样一支乐队：他们的歌，曲调明亮、节奏轻松；他们的现场，乐迷都在癫狂摇摆。他们，就是为乐迷称为“摇滚Disco”的马赛克乐队。
成立于2008年的马赛克乐队，凭借浪漫复古、极具情怀的曲风，俘虏了无数乐迷的心。8月31日，马赛克乐队在成都院子文创园的“不插电”现场演出，带领一众拥趸疯狂开嗨。即使不是乐迷，现场观众也会不由自主地随着鼓点的节拍摆动身体，来一场Disco狂欢。
这种独特的音乐风格自然离不开歌曲的创作和编排。作为乐队歌曲创作的中坚力量、吉他手，卓越把带给听众轻松快乐的感觉看作第一要义。在音乐的道路上，他执着又严谨，对每个字、每个用词，每段旋律，甚至乐器的音色都细细雕琢。
离开家乡读寄宿学校
音乐成了最好的陪伴方式
“爱是段旋律常住在我的心留下永恒的记忆，漫长岁月里若不曾遇见你谁与我品尝这甜蜜。Iwriteasongforyou……”——《恋曲2016》
有乐迷这样评价过马赛克：夏颖的帽子依旧没变，卓越依旧让女孩喜欢。在很多人眼中，卓越写的歌甜蜜、温柔，是马赛克乐队里最招女孩喜欢的人。事实上，这种“圈粉”早在卓越的中学时代就开始了。学架子鼓、自学吉他、作词作曲、组建乐队……音乐使卓越成为高中校园里的风云人物。
15岁那年，卓越独自到外地求学。高二的时候，原本喜欢打篮球的他，因为学校的音乐老师要组建乐器班，从此对音乐“一发不可收拾”。因为，对离开家乡上寄宿制学校的卓越而言，音乐是最好的陪伴方式。“学校在很荒的山上，除了工地什么也没有，业余生活真的太无聊了。”当时，除了篮球卓越没有其他爱好，直到接触到乐器后，他才明白自己真正的兴趣是什么。“当时学音乐就有点像别人打游戏那个劲儿，很入迷。”因为这股“入迷劲儿”，卓越在学习架子鼓的同时还自学吉他，掌握了这两门乐器。
“我们学校以前是一个私立学校，老师给了我们很多空间，学生比较自由，所以才很多的时间搞音乐上的事。”学校宽松的氛围给了卓越认真琢磨音乐的可能，也给了他不少鼓励和信心，“我的第一首歌就是高二写的，还成了校歌。”刚接触到乐器不久，卓越就开始自己创作，最初的作品中还加入了钢琴和小提琴等元素，气势磅礴。谈及他的第一首原创歌曲《成长》，卓越：“这首歌写了一个通宵，在学校表演了几次后，老师让整个学校的学生学唱，一时之间，它成了我们的校歌。这也算是人生的一个高光时刻了”。
因为常和朋友们一起排练与合奏歌曲，卓越在高二时“误打误撞”成立了乐队GT6，也就是马赛克乐队的前身。沉闷的校园生活中，这样一个独特的小团体备受关注。而且，在高中阶段，GT6就独立发行了两张录音室专辑《1095》、《THECOLORTHEYEAR》。他们代表学校参加了不少参加比赛，“当时还以这个为借口让老师允许我们留长头发戴耳钉，说表演节目需要这个造型。”说到这儿，卓越笑了，时光仿若回到了那个肆意张扬的高中时代。
音乐才华使他们成为学校耀眼的“大明星”，当时的GT6就像《花样男子》中的F4，简直是少女心杀手。“因为当时学校的乐队只有我们独此一家。”说这话时，卓越显得很自豪，对当时的他而言，组建乐队意味着得到很多关注，招女孩儿喜欢。但更重要的一点是，正因为有了当时的乐队才使他继续走音乐的道路。“我们这帮人能玩到一块儿，一起经历了很多事情，已经不愿意分开了，就继续考大学、继续在一起做音乐。”
电吉他乐队风格之死亡金属的演奏技巧
节奏部分1.切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分.
2.复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围.
3.打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它.
4.织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。
旋律部分1.谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和AttheGate(大门处)。
2.不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。
3.无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。
结构部分1.循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。
2.叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。
演唱部分1.歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为，倒是别有一番滋味。
2.喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die(死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。
3.扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想Motorhead的主唱LemmyKilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。
不想要学古典吉他了怎么办?下面是小编给大家整理的不想要古典吉他了，供大家参阅!
不想要古典吉他了我买了一把古典
吉他
发现我不喜欢古典，而喜欢民谣吉他。我能把民谣吉他的弦在古典吉他上?并且能和民谣的音色差不多?
这个需要专业的来修了!如果这样的话，建议重新买一个!
想学古典吉他 国内有哪些好的品牌首先古典吉他是一门正规的乐器，在音乐学院是有这个专业的，古典吉他在世界上虽然比不上钢琴和小提琴，但是也是有一定地位的。学习古典吉他首先可以培养孩子的耐心，通过学习古典音乐也可以培养孩子的内在气质，而且吉他也比较方便，不会像钢琴那么占地方，所以给孩子选择古典吉他作为一门爱好，还是很不错的。
其次，对于器材来说，按材质可分为三大类合板，面单，全单。合板就是面板背板都是胶合板做成的，这种琴一般价格在200-1400左右，几百的琴声音就很一般般，琴的共振也很差，有的比较差的琴，甚至音准就是问题，这类琴是非常影响孩子学习的，因为它首先影响的是孩子的耳朵听力，1000左右的合板一般是大品牌的，比如桑托斯010古典吉他，马丁尼20，这种琴起码手感，音准是没有任何问题的，如果预算不够，是可以考虑的，起码不会耽误孩子学习。
然后是面单琴(也叫单板琴)，这类吉他的面板是实木的，背侧板是合板的，由于吉他是面板共振发声，所以面板是实木就显得比较重要，面单琴的声音会好很多，音量也大，共振好，大品牌的价格一般在2000-5000左右。最后是全单琴，也就是全实木的，这种琴会更好一些。但是并不是全单就一定比面单强，面单就一定比合板强，因为什么单只是材料的差别，最关键的还要看制作工艺，所以建议大品牌，生产线会更先进一些!
不想学民谣吉他了，想学古典吉他来抬高我的品味，请问古典难不难古典吉他严肃的讲地位和钢琴练习(考级的，不是练着玩的!)的相仿，如果没有这种思想准备，我看你干脆别碰古典吉他。或者就简单学点指弹曲子吧。民谣吉他其实非常好，资源非常多，也很容易出效果，有成就感，不知道你放弃学的原因是什么。
用民谣吉他必须会唱才能买吗，我不想唱不能买吗必须买古典吉他吗弹唱只是民谣吉他的一种形式，也并不是只有古典吉他才适合演奏的，你这种认识都是片面的。
优秀的吉他手，如果只是弹唱这么简单，就太可笑了，你要知道作为一个吉他手，最起码的，你要会给歌手伴奏，会独奏，会即兴演奏，而更多的时候是作为独奏的主角，或者乐队的伴奏一员。看来你看有吉他的演出还非常的少，只是局限于一些演唱节目的歌手弹唱。这其实只是在民谣吉他范畴里非常非常小的一小块，只不过简单，有一定的表现力。你可以多看看吉他演奏的视频，而不是一时兴趣。真的喜欢了再决定是否学。
古典吉他更不同，是古典音乐的一个演奏乐器，或者可以说，它基本是与流行音乐没有关系的，属于古典演奏的范畴。
想了解也很简单，你就随便搜索一些吉他手，吉他演奏家，吉他大师看看，很快就会让你有所认识。
有一种技术你不能没有它，它是所有其他技术的根基。那是一种能移动山脉，建造摩天大楼，甚至能让一个98磅重的弱者击败阿诺德-施瓦星格的力量！！！
哦，够神秘的了。到底是什么技术呢？？？
目的：寻找音乐成功的关键
设定目标我们先来做个选择：首先用“目标”来代替“目的”。那么他们究竟有什么不同？
目标是一种渴望或心愿。他可能会变得强大，但他也是不精确的。举一个“目标”的例子：“我要和JOEPASS弹的一样好。”
目的则是达到目标的渠道，你可以看到，听到或感觉到投入一个练习中的目的。最重要的是，目的是可预测的。这里有很多精确的目的来作为一个目标的侯选。
去弹JOEPASS专集里的每一段SOLO，在一年中只干这个！（译者注：好象我们中很少有这么模仿的，通常是来几个经典的大师段子就算完事）
这是一个真正意义上的目的吗？那么我们怎么知道什么时候才是个够呢？一些目的的标准需要回答以下这些问题。
目的的标准1。练习是必须的，包括你得知道要达到的水准
2。必须做练习笔记，而不是简单的说出来
3。必须定期的检验自己练习的效果
4。你做的练习必须是对你有巨大作用的（译者注：不要练热门但却是对自己毫无用处的东西，比如你打算成为一个BLUES风格的乐手那么“传说中”的扫拨就别去管它了）
5。必须超越自己现有的水平，当然你也要现实点
6。最后让我们仔细体会每一条然后运用到我们的“JOEPASS目标”中去
预见性是必须的你可以让自己弹完JOEPASS专集中的每段SOLO，并且在一年中只干这个吗？你能在一年内弹完他专集中的每段SOLO并且以他80%或者更快的速度完成吗？这些成果是可预测的吗？让我们来推翻这些：你可以数出JOEPASS所有专集SOLO的数量，你可以或不能在一年中在已经弹过的SOLO中达到他那个速度。
在你弹之前你能预测自己是否有能力拿下这些SOLO吗？这对你来说可能是个盲区，但是我们可以用很多方式来说明这个。如下：
1。找10个JOEPASS迷，并且为他们演奏这些SOLO。但在你演奏之前先别告诉他们是哪首歌里的。事实上，你该给你的听众们来点汇特尼-修丝顿或者披头士的东西。当你给他们演奏JOSPASS时，你可以数得出其中有几个人能听出你弹的和JOEPASS弹的究竟有什么不同：）
2。给你信任的吉他老师演奏这些，他的判断和建议对你的演奏是大有好处的。
3。演奏时只用节拍器并且把你弹的录下来，录音将会给你最好的答案（译者注：这点见Y.J.MARLMSTEEN的教学文章，他是很好的例子--速度+精准=YJM）
训练笔记是必要的这会让一些音乐家糊涂。为什么在练习时做记录呢？尤其是在你要做JOSPASS这么个单一目标时也得这么干？
因为笔记会给你一个清晰的概念，让自己的目的变得一目了然。还有我建议你去测试自己。
怎么来测试？把任何的细节问题写到纸上然后试着解决。例如：“我该用什么指法去弹消邦练习中的第三条？”在你问题下面写出至少五条解决方法，别介意这些答案看起来有点傻乎乎的。做一周这样的练习，到那时你就会有我该记录什么样的问题和不该记录什么的本事了。
让我们回到JOSPASS中来。如果这是我的目标，而且我已经把他们记录到了我的训练日记中了，或者我已经把他们记到纸上并贴到了门上，那么你已经通过了这个测试。
给自己的训练定个期限是必须的“难道我不想和JOEPASS弹的一样好吗？”人们通常是不会那样说的，不是吗？但是我们说的所谓--对不起，我不如他，这时你就要在你的练习中记下“我的目的不是在学习他的SOLO中出现任何错误”有一件事很重要那就是：在突如其来目的中吸取力量，那是工作中的一种微妙的力量，当你说“难道我不想和JOEPASS弹的一样好吗？”这句话时。心理学知识告诉我们不论我们集中于干什么事情都要把握自己的方向，不论好坏，肯定或否定。运用于此就是我们得找出在学习JOEPASS的SOLO中的哪怕是仅有的一处错误，当你忽略了那些甜美的声音时错误就出来了。
在你的笔记里这么写：在一年中弹JOEPASS专集里的每段SOLO
通过“定期的”自我测试必须对你有巨大的帮助这是显而易见的，但是让我们再讨论一下这个。弹完JOEPASS的SOLO对你或其他什么人有价值吗？或许你会想：弹的和JOEPASS一样好将会赢得其他音乐家的尊重。我的观点是如果你不是很倾心于JOEPASS的东西，那么这个目的就算失败了。你得建立新的目标了！
超出你的能力范围该怎么办？如果你根本不能把JOEPASS弹精了，就用不着再建立这个目标了。你也不必再弹他们了，因为这些SOLO超出了你的能力。如果你仅仅是个初学者，那就别给自己定这样的目标了。JOEPASS是一位顶尖的音乐家和超级SOLO艺术家。如果你刚刚开始的话那将会占用你大量的时间。为什么不在一年中选择你能够的着的东西呢？这些东西将会在以后帮你完成JOEPASS的目标的。
漫无目的的工作就象出游不带地图一样，你可以得到一辆最快的车，但你根本不知道开往何处，你只是空转轮子。你必须停下来！！！
与其这么干不如花几天或几周时间去想想自己到底要得到什么样音乐。思考也是你练习的一部分。
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