吉他入门必看的有关吉他各部位使用的材料名称和种类：
1、面板----云杉(在中国很多的人都叫白松，实际这是非常的俗称。)、雪杉(或称红杉、雪松)；
2、背侧板----印度玫瑰木、巴西玫瑰木；
3、琴颈----洪都拉斯桃花心木、非洲桃花心木、美洲的那桃木；
4、指板----非洲黑檀(也有类似黑檀但比它逊色的带用木---乌木)目前不少吉他都是使用的是带用木，却说成是非洲黑檀。印度玫瑰木；
5、琴码----巴西玫瑰木、印度玫瑰木；
6、琴头饰片----巴西玫瑰木、印度玫瑰木；
7、音孔饰圈----高密度木片花饰；
8、琴边细饰线----木线；
9、琴边宽边饰线----玫瑰木；
10、品丝----标准尺寸规格的白铜材料；
11、弦轴----旋转轻松的不会卡轴的。有开口式，和包轴式。
12、弦枕桥----兽骨
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由于C、#C(bD)、D、#D(bE)、E、F、#F(bG)、G、#G(bA)、A、#A(bB)、B这十二音可构成十二个大调和这些对应的关系小调。将这些调在吉他上都练会是很困难的，而且即使在马上学习这些调子中常用的几个调子，也需要练习很长一段时间，对于学习到现在只掌握C大调与Am小调弹法的初学者来说，想要唱非C调的歌曲或把非C调的歌曲改成适合自己歌喉的其它调子时就有了困难。变调夹给初学者带来了福音，使初学者也能够很容易地演唱其它调子的歌曲，另外变调夹也是专业演奏者的好助手，它起到按弦第五指的作用，使一些难弹的调也能作技巧手法的修饰。
1. 变调夹的作用：
①歌曲的调性不适合自己的歌喉，用变调夹就可解决这一问题。
②和弦太难，技巧难以表现的歌曲，用变调夹可化难为易。
③使用变调夹可获得美妙动听的特殊效果。
2. 变调夹的变调原理：
①吉他指上每相差一格是半音，相差两格便是全音。
②在自然音阶中3、4是半音，7、是半音，其余各音之间是全音。
③当把变调夹夹在吉他的第二格时，吉他的空弦音升高了一个全音，这时空弦音D大调的3 6 2 5 7 ，因此如果这时仍用C调弹法或Am小调弹法，则曲调实际上已是D大调或Bm小调了。
3.变调夹的应用：
①如果歌曲是C调，你觉得唱起来有些低，可将变调夹在第一格，这时琴整个比原先升高了半个音，你仍用C调指法来弹，就达到了提高调子的目的，这时实际的调性是#C调，如果还觉得低，可将变调夹移至第二格上，按C调指法弹，这时调子升高了半个音变成D大调了。
②如果歌曲是Bm小调，且已标好了和弦，而你还不会Bm小调的指法，想用Am小调指法来弹，Bm调与Am调相差全音，将所有的Am调和弦往下推移两格(升一个全音)即为Bm小调，所以将变调夹夹在第二格，这样一来，实际的音高是Bm小调的音高，而使用的是Am小调的和弦，但必需将标好的Bm小调的和弦转化为Am调的和弦。
③转化和弦的方法：按字母顺序写出Bm调和Am小调的构成音阶，并一一对应起来。
6 7 Bm小调由B音开始 B #C D E #F G A
↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓
Am小调由A音开始 A B C D E F G
然后将乐谱上Bm调的和弦跟随符号如：m、7、m7、6、9等写在相应位置的Am调和弦之后即可，例如该谱上出现
Bm Em A7 G D
↓ ↓ ↓ ↓ ↓
转成Am小调和弦为→ Am Dm G7 F C
4变调记号：
Key:Bm Capo 2 弹 Am
说明：原理为Bm调，将变调夹夹在第二格，按Am小调指法弹奏。
6.变调夹使用表：对于初学者来说，使用变调夹后用C调弹法即可达到变调的目的，但并非只能用C调弹法，而是C调、D调、E调、G调、A调等等都可以适用，如下表：
变调夹在第几格 C调弹法 D调弹法 E调弹法 G调弹法 A调弹法
不夹 C D E G A
第一格 #C/bD #D/bE F #G/bA #A/bB
第二格 D E #F/bG A B
第三格 #D/bE F G #A/bB C
第四格 E #F/bG #G/bA B #C/bD
第五格 F G A C D
第六格 #F/bG #G/bA #A/bB #C/bD #D/bD
第七格 G A B D E
吉他教学里，有很多种练习的方法，而音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法，而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。任何联系方法的关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己，要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
1、如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
2、每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
3、弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
4、交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
5、使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
6、试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看!)。
7、试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
8、倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
9、运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
吉他教学中，对于拨片的介绍并不是很多，有的也只是粗略讲解，点到为止。对于一个使用拨片的吉他手来说，怎样拿拨片，使用什么样的拨片并且使用好它是很关键的。我也练习过一些教材，但总认为对拨片的使用方法介绍的不够详细，下面我就讲讲我的一些体会。
如果你喜欢玩速度，那么我认为对拨片的的拿法更应该讲究。因为在快速的演奏当中既要弹的清楚而且还不能出现杂音。我一般使用1.5mm的拨片，拨片的形状因人而异，主要看自己的习惯了。因为1.5mm的拨片过弦时不会打弯，也不太厚。拇指和食指的指肚紧夹住拨片，夹角为90度。拨片的尖端最好留三分之一到四分之一的距离防止在快速振臂时拇指或是食指碰到琴弦出现杂音。
拨片同弦之间要有一定角度，其余的三指可自然的打开，小指也可做个支点支在琴上。右手拿好拨片后用振臂方法弹奏，注意振臂要求手腕不动，小臂上下振动动作越小越好。开始时大臂肯定会很酸，手不听使唤，最好练习一些半音阶，节拍器调到60左右。往后找一些yngwie malmsteen的东西，由慢到快练习最好。
今天就让我来向大家介绍下拨弦的技巧和我对拨弦的一些观点，一些常识性的东西我想大家都差不多清楚我在这就不多说了，我经常在论坛上看到有这样的现象，就是在论坛上争论了半天我对你错的拨弦，见了面一出手，呵呵，基本差不多，顿时惺惺相惜起来，大多还会总会揣起自己孱弱的语言控制力，一脸无辜埋怨在网上交流的诸多不便。
在音色的练习上我是走了很大的弯路的，以前，我总以为音色是吉他音乐的生命（现在还是这样），再加练琴有一些左，总是不得音色死不休，反复的变化着拨弦的角度，方法，指甲的形状，长度，每日的练习也几乎是以无聊的蹦蹦蹦的空弦为主，花费了大把的时间。最痛苦的是，和别人一交流，人家曲子弹得特别完整，心生敬慕之余，不免悻悻要挑些毛病，可是仔细一听人家音色也不差，不免掩耳盗铃的想您那时贪功冒进我这是磨刀不误砍柴工。后来忘了在哪里了，看到这样一句话：过早的探讨音色问题是最大的弯路。一开始不理解，我老师又加了一句脚注：你单音音色再好，可是没有曲目的应用，怎么也都是无用武之地。顿时汗然。所以我觉得对待音色也好，拨弦也好，其他技巧也好，高老师的态度可能是好的：技术早晚要掌握，没有必要一次要求到位，这也是不可能的，只要方法正确，第一次也许只有50%，再好的在法的巩固下，达到90%知识早晚的事，所以不必过早的强调结果。
我拨弦的技巧是以不靠弦为主，不靠弦的动作和靠弦的方法是一样的，这一点可能已经得到了大家的承认，在我的认识里，靠弦是一种不完全控制下的拨弦，因为靠弦在离弦阶段只用考虑离弦的角度，其余的靠惯性靠在相邻的琴弦上就可以了，在意识上是比较容易的。而不靠弦则需要完全的控制手的动作，需要对手有很强的控制能力（所以我一般习惯称不靠弦为控制了的靠弦），是一种较为高级的技术动作。诚然，一个完美的拨弦动作是复杂的，很难用一个详细的时间序列来描述清楚，但总有些要点是需要注意，下面是我认为比较重要，但难免挂一漏万，希望大家补充。
(1)放松，全身都要放松，当然这是弹琴的前提，对于拨弦而言，肩，肘，手腕必须放松。
(2)手腕的角度。
(3)触弦的角度。
(4)大关节发力
(5)发力后马上放松，恢复弹奏前的状态。
其中1-3是一次拨弦前的准备，2，3很多教材都有提及，而且都给了一个推荐角度，见过一些人弹琴，总是刻意保持，我觉得很不可取，我比较倡导拨弦的动作集中于大关节以下，也就是手腕到肘到肩应该是放松的，自然的，所以如果要调整手腕和触弦角度的话，我一定会从琴鼓和右胸的接触点开始，然后是右手前臂于琴桥的延长线的接触点（触弦角度的关键），让手在放松的状态下自然符合我所要找的角度。这样会使演奏更为轻松，自然，而一味的追求角度就会造成不必要的紧张。
4。应该是拨弦的具体方法了，这个还是各师各法，我说一下我的练习步骤（以下缺省为在身体放松的前提下）
第一阶段：掌握大关节发力和用力后放松，这个时期用最小的力量，但是最大的动作，来做靠弦，完成后马上放松。小力度有利于放松，大动作容易观察错误，以及可以把动作做开，在逐步收小，以后可以用很小很小的动作完成拨弦了。其间难点在于要完全放松后在做第二次拨弦，以及零速度出弦，当然方法就是向大家所描绘的那种，绷弦呀什么的。
第二阶段：加强对于指端关节的控制，虽然指端关节一般应该是弹性放松的，但是它对于离弦动作而言影响很大，还是要控制一下的，这个阶段虽然还是靠弦，但是使自主的把手靠到弦上，而不是靠惯性。力量还是最小，动作逐步减小。
第三阶段：就是不靠弦了，比较常见的就是手腕跳，这样声音会不稳定，手腕不该再是完全放松的了，要弹性保持放松。
作为练习曲，不靠弦之前老师为我选的是塔雷加的练习曲。
可能拨弦已经被大家讨论烂了，我觉得大家可以谈谈认识上的，比如有人就喜欢每个音都有质量，而有人则喜欢变化丰富的音色。大家可以谈谈自己怎么找到自己的音色的。
很多吉他高手即会弹奏木吉他、也会弹奏电吉他，虽然会弹木吉他在电吉他入门会轻松一些，但电吉他与木吉他之间的区别还是挺大的。电吉他入门首先需要了解和与木吉他相比的不同之处，比如在电吉他里十分重要的混响。
混响是指一个封闭空间里的大量回声，即使声源已停止发声，它仍可以使声音持续一段时间。在任何封闭的空间里，混响都可以自然产生。
人工混响单元通常用以给音乐增加“现场”感，最便宜的混响器是弹簧混响器，它让部分信号通过长的弹簧，这些信号要花较长的时间才能通过这些弹簧，这样一来，这些信号就被延时了，而其它的信号仍直接输出。
混响器基本上都有一个depth(深度)旋钮，用以调节被延时信号与原信号在音量上的关系。在发声急促、表面易反射声音的地方自然混响是很大的;在声音被柔软稠密的物质(例如毛毯、布帘、棉胎等)。
好一点的混响器也有一个控制延时时间的旋钮。例如，如果要模仿离反射面较远的地方的自然混响，可以把延时时间开大一些。声学回声通常在回声室里制造出来。在回声室里，独特的声学设计可以使声音来回反射。为增加回声，声音由音箱送进回声室，再由麦克风拾出。
磁带环绕回声是先在磁带的某一点录下信号，然后在另一点放出来以延时信号，被延时的信号再与原信号混合以达到所需的回声强度。回声的持续时间由一个能调节录音磁头和放音磁头之间的距离的旋钮来调节。
磁带环绕回声现在已很少有人使用了，取而代之的是模拟延时器和数码延时器。模拟延时器也可以制做回声，它们通常比数码延时器噪声大，但能做出较高的频率，且价钱便宜。数码延时器是人工混响的一个“艺术杰作”，它能做出从1毫秒(1毫秒=1/1000秒)到1秒甚至更长的延时时间。大部分的数码延时器除了含有回声之外，还含有双音、和唱、飘忽和移相等。双音能产生两个乐器同时演奏的效果。和唱、飘忽、移相在下面介绍。一个好的吉他手对于延时和混响的控制的好与坏，直接影响到吉他的音色。
曾几何时，苍老师还没下海、陈老师还只是个小青年、羊驼还只是一种普通的动物，校园里痴情的青春期男生们只为心爱的她，却苦不得吉他入门之法。吉他是什么?什么又是指弹吉他?按照字面上来理解，貌似用手指弹奏的就是指弹吉他，但是指弹吉他不光是一种弹奏方式，更多指的是其独特的音乐风格，下面我们通过几个问题来从不同的侧面了解这种风格。
1、指弹吉他是不是都用民谣琴演奏?
高君老师曾经说过，民谣琴是个很不科学的叫法，一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外，美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴)，还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他，甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴，这些是非主流的，但即便如此，其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大，这也属于指弹吉他风格，所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。
2、指弹吉它和传统的古典吉它的音乐风格有什么不同?
从音乐角度讲，节奏，旋律，和声是音乐的三大要素。在节奏上，大多数指弹吉它音乐的节奏形和变化比古典吉它的要丰富一些，这也意味着对演奏者右手的技巧要求在一定程度上比古典吉它要高;在旋律上，指弹吉它的民族化和个性化比较明显，很多都脱离传统的大小调音阶的限制而使用一些民族调式，如布鲁斯音阶和凯尔特民间调式等，由此拓宽了音乐表现力;和声上讲，古典音乐在和声上自成一体，要求也比较严格，对和弦的进行和连接等都有其特定的要求，和声以三和弦和七和弦为主，而指弹吉它淡化了和声限制，在很多方面并不符合古典音乐的要求，比如大量使用九和弦和各种挂留和弦，并且和弦可以相对随意地进行等等。
总的来说，指弹吉它和古典吉它相比强调了节奏，淡化了和声，丰富了旋律。
3、以前演奏古典吉它或者民谣吉它的爱好者，转学指弹风格都要注意什么?
民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同，对指弹吉它都很有好处。古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义，如果受过比较正规的古典吉它训练的话，演奏指弹吉它时，左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器，而且很多时候节奏比较自由，尤其是当演奏浪漫派作品时，演奏者对节奏的把握可能相对不够精确，所以之前弹古典吉它的人，转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦，琴弦张力比古典吉它大，右手的力度需要相应提高，拨弦的感觉也需要一个适应过程。
认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些，但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差，所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的，如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友，最好要留一定长度的指甲，以便获得更加丰富的音色，而只习惯使用拨片的朋友，就只能从头练起了。
那么初学演奏指弹吉它我们都需要具备哪些条件呢?首先最好我们要有一把说得过去的美式吉它，起码应该是一把面板单板或更好的吉它。因为指弹吉它的表现力很大程度上依赖于乐器本身的敏感度，如果只有一把怎么弹都是一种声音的吉它，很难胜任这种表现力的要求。指板最好是加宽的，指弹吉它对左手的要求虽不见得比古典更复杂，但是会比通常的所谓民谣弹唱复杂得多，所以琴弦间距最好略宽，琴桥处宽度也有相应加宽，为的是增加右手的弦距使右手拨弦准确度提高。如我使用的Lowden吉它，琴枕和弦桥处的宽度分别为45mm和55mm。你可能需要一个节拍器，用以增强对节奏的训练。
右手最好留指甲，以便奏出更为丰富的音色。右手指甲的长度和形状都可以借鉴古典吉它，但是不必像古典吉它那样过于苛刻的要求指甲的形状和光滑程度，只要能达到自己满意并能有一定的音色变化即可。由于使用金属琴弦右手指甲的磨损很厉害，指甲比较软的朋友可使用假指甲，可以在美甲用品店买到。假指甲有好多种，一般来讲买全贴片比较好，挑选硬度和韧性俱佳的。假指甲有专门的胶来粘，这种胶在同样的地方一般也可以买到。具体粘贴方法还有很多要注意的地方，建议第一次粘贴求助于专业人士。
每天拿出一定时间练习，尽量不要间断。每天弹一个小时的效果肯定比每周末弹7个小时要好，当然如果每天能有再多些的时间就更好了。不过练琴最重要的是效率，有效率的练习一个小时，远胜于不过脑子弹一下午。
如果你能具备以上的条件，就可以开始练习指弹吉它了。在正式学习乐曲之前，可以先做一些基本功练习。
一、左手独立性练习A
这是一个很常见的练习方式，在此作一些说明：
1、尽量将手指抬高，锻炼指头的耐力和力度。
2、开始可以比较慢的速度跟节拍器，保持匀速。
3、保持规范的手型，即从食指到小指尽量保持平行
4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)
基本功练习是一项长期作业，最好每天坚持练习放在弹曲子之前，当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿，当手指感觉到发酸或发胀时再停。
二、右手独立练习A
这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景，高音弦上走节奏不同的简单旋律，是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯，像节拍器一样，这样才能专注高音声部的变化。
这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中，拇指的交替低音也将有所变化，有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量，以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂，关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习，比如卡尔卡西教材的分解和弦练习，这个也是非常有效的。
吉他手的弹奏技巧从吉他入门到达人无时不刻不影响着吉他手们的方方面面，下面就来和大家聊聊吉他消音有关的话题。一般情况下，以下几种情况需要消音：
1.有休止符时；
2.乐曲结束(终止》时；
3.乐段，乐句中止时；
4.旋律的分句、呼吸处；
5.变换和弦时的低音(特别是空弦低音)；
6.断奏(音符上加黑点表示，演奏时为该音符时值的一半)；
7.弹奏强音时其他空弦被激起的共鸣音(特别是低音弦)；
8.需要以顿音加强节奏跳跃感的乐段。
消音的方法：
1、直接消音法
用拨弦的右手指或按弦的左手直接消音：
(1)右手拨过弦的手指指尖肉垫许接轻轻按住琴弦；
(2)左手按弦的手指放松浮在琴弦上。
2、间接消音法
用其他没有参与拨弦和按弦的手指或其他部位来消音，常见的方式有：
1.用小指外侧或小指侧节边轻捂住琴弦：
2.用拇指外侧或拇指侧掌边轻捂住琴弦；
3.用右手拇指内侧或外侧指肉部份触靠；
4.用左手不用的手指伸直触碰琴弦；
5.用右手将要弹奏的手指止住前一个音(前后音符在同一根弦时)。
“轮指”是震音奏法通俗形象说法。震音即同一音（不一定是一个音）的急速反复。“轮指”的种类很多，我们主要介绍常见的四“轮指”，右手指法为：P a m i…
有人主张“轮指”不宜在学琴的初级阶段练。这要看你怎么理解“轮指”的本质。教科书和吉他爱好者把“轮指”划归于技巧部分，这样的话确实不宜过早练习；当你以平常心看待它的时候，你就可以提早进行练习，但方法非常重要。我们认为“轮指”不是技巧，而是所有弹拨乐器扬长避短的演奏手法，它再也平常不过了。当你的持琴姿势、左右手指法比较规范，已经比较流利地弹奏分解和弦的时候，你就可以练习“轮指”了。我们先来看看分解和弦中再也平常不过的一个右手指法：大拇指拨六弦或四或五弦，无名指拨一弦，中指拨二弦，食指拨三弦，即：P ⑥ ⑤ ④ a ① m ② i ③ ， 这个右手指法和四“轮指”的一模一样，只不过“轮指”要求a m i 要在同一条弦上弹奏，即同一音要在同一条弦上急速反复。理论上讲，你的右手a m i分别在①②③弦上能发出大的力、多大的音量，“轮指”中的a m i在同一条弦上同样也能发出多大的力、多大的音量；在实践中，这一点也并不难做到，只要方法得当。
“轮指”练习方法
第一步：
⑴ 空弦练习 左手不按弦，右手大拇指可选择④⑤⑥弦中的任意一条开始；右手a m i在②弦上弹奏。当一“轮”结束后，右手大拇指可换低音弦，a m i不变。
⑵ 以十六分音符为一拍，速度中庸（每分钟80左右），一“轮”正好是一拍。
要求：
⑴ 节奏要稳，不能忽快忽慢。
⑵ P a m i的时间间隔要完全一致，也就是说要把一拍分成均匀的四等份，不能有任何带符点或顿音的感觉。
⑶ 音量要一致，四个音中不能突出任何一个音。一开始大拇指的音量会无意识地强调出来，这主要是大拇指的力量在四个手指中最大的缘故。这一点一定要通过练习加以改善。有些人主张收敛大拇指的发力，但我们主张加强a m i的力量来达到音量的平衡。方法是：你可以不让大拇指先参与进来，a m i分别在①②③弦先进行分解式三连音的练习，然后用这个节奏这个力度在②弦上进行练习。当a m i在②弦上发出清晰、明亮、匀称的“哒、哒、哒”时,再让大拇指参与进来进行练习。
⑷ 要有颗粒性，各音之间不能有“粘黏”。刚开始练习的时候，a m i之间容易出现“粘黏”现象，这主要是不习惯在同一条弦上用a m i轮流进行勾弦的缘故。出现这样的情况千万不能急，先在①②③弦上分别用a m i进行分解式的勾弦练习，然后带着这种感觉在②弦上进行练习。颗粒性是“轮指”的生命。一首乐曲或片段对“轮指”速度的要求有快有慢，纵使用最快的速度演奏“轮指”，每个音也是干净的、单独的。假设你在演奏一首全部用“轮指”写成的乐曲，我们在你脚底下盛了一个脸盆。曲子终了，脸盆里也盛满了音符。我们将脸盆掀翻，结果发现音符象孩子们玩的玻璃球一样四处散开，这就对了；如果发现音符变成了葡萄串或糖葫芦，那就糟了。记住：“轮指”不是“抹”出来的，而是一个一个“掏”出来的。
当你做到了第一步练习的四点要求后（此非一日之功），就开是进行第二步的练习。
第二步：
⑴ 空弦练习，左手不按弦。右手大拇指可选择④⑤⑥弦中的任意一条开始；右手a m i在②弦上弹奏。
⑵ 以三十二分音符为一拍，速度中庸（每分钟80左右）。完成两“轮”正好一拍。即右手大拇指在低音弦上换两次。
导读： 说起音阶练习，大多数人想到的可能是无数种音阶。什么自然大小调音阶，和声大小调音阶等等等等.‘
这些音阶的练习，无论在任何乐器中，都是伴随一个演奏者一生的练习，从初学到最后技术与音乐性日趋成熟之后，不同的阶段都有不同的练习目的。但单就从技术入手，音阶的练习价值到底在哪些地方，恐怕无几人能晓。我认为，在学琴初期，尚未能打下坚实的技术基础以前，音阶练习不在多，而在精。那现在就以小弟个人经验，谈谈音阶的几个基本的练习目的和如何把一条音阶弹好。
演奏音阶的要求主要在以下几点：
1、音与音之间完成的要连贯，给人感觉一气呵成。
吉他的乐器本身的特点造成，发出的音是以颗粒状出现。这一点与钢琴相似，比起其他弓弦乐器来，在发音的连贯流畅方面就有一些劣势。所以为了做到连贯统一，吉他演奏者必须掌握的基础的一项技术，就是保留指法。在音阶练习中，如要做到连贯统一，也就必须运用保留指法这个技巧。这就是说，要保持每个音之间不间断，必定在弹完某个音后某个指头必须保留在琴弦上，以使其延长。并且这个保留的手指，不能影响下一个音的出现与质量。在演奏音阶中，做到这一点，必定可以练习手指的独立性。这也是音阶的基本练习目的之一。
2、音色要统一，优美。
一条完美的音阶，音色应该是统一，优美的。一个完美音的发出，综合了左右手的很多细微的技巧，非一日之功。在音阶练习中，我们就要积累对音色美感的认识，和对音色的敏感。左手按弦的方式，按弦的力度，时机，等等条件，都能影响到音色。右手的过弦速度，力度，角度，也能影响到音色。其中涉及面较广，就不详细解说。提出音色要求，只是希望大家在演奏音阶的过程中，培养一个对音色的意识。
3、强弱的起伏。
音乐是有规律的，如果遵循这种规律，那音乐既可得到生命。成为活生生的东西，这样才具有感染力。其中很重要的一点，也是小弟看到过很多人忽视的一点，就是演奏中的强弱起伏。这也就是平时所说的音乐中的感情体现的一个方面。那强弱的规律，在音阶中很好体现，所以我们应该在音阶练习中形成科学正确的对音乐的理解方式。具体的做法很简单，就是上行的音阶渐强，下行的音阶渐弱。很多人在演奏中，虽然乐感能到位，但却没有做过这方面的训练，基本工夫不够，所以造成想强强不上去，想弱弱不下来。所以音阶也是练习这方面的一个很好的工具。
4、速度的均匀。
与前面几点相比，速度是最不容易被练习者疏忽的一个问题。但真正对速度的要求，不仅仅是在快，更重要的是在慢。关于这个，可以举个很简单的例子，当你在以 60的速度1对8的弹一个音阶的时候，也许你的每个音之间的时值是很均匀的。而当你以每分钟60拍的速度1对1或者1对2的时候弹同一个音阶，你的每个音的时值会变的很不平均。所以我提倡的还是慢练，越慢越好。在慢练的过程中，去努力做到上面所说的3点。当这三点都做的很完美了速度也均匀了，自然音阶也能弹到很快了。并且快而精。
以上是从音乐性的角度出发，所谈的音阶练习的几个要求与方法。大家可以从上面的要求看出，音阶的练习几乎包含了所有音乐最基本的内容。所以无论什么程度的演奏者，音乐的练习都是必不可少的。
给大家介绍了小弟一点不是经验的经验，希望能对大家有用。由于时间仓促，水平有限，文中有很多错误之处，还希望大家批评指正。
音乐学习是个漫长而“艰苦”的过程，在以往的吉他教学中，老师会在教学过程中传递出各种学习观点或心得。在这些观点与心得里有相当大一部分都是比较有害和不妥的，所以接下来我们就来简单地总结总结它们，希望能让大家明白这些传言是多么的没有根基。
1. “伟大的音乐家都是有天赋的”
这一个最常被说起的荒唐的说法，是绝对错误的说法。而且对那些付出辛勤劳动并克服了无数困 难才取得成功的吉他手来说，这样的说法简直是没有道德。事实上，有很多音乐家，甚至是那些 音乐界的传奇人物，在他们音乐生涯的某个阶段都会遇到非常低落的时期，他们走出困惑所付出 的努力恐怕他们自己都无法想象。
那么他们是怎么做的呢?很简单。伟大的音乐家都有着同样的东西：一个愿望，耐心，还有实现 愿望的坚定信念。你可以把这些称为“天赋”，但它们不是与生俱来的，况且这是我们每个人都 是有能力做到的。
2. “我开始弹琴太晚了”
错！对任何形式的艺术的追求都与年龄是无关的。当然，确实有一些神童们在很幼小的时候就拿 起了乐器，在很年轻的时候就已经成为了惊人的演奏家，但还有更多的音乐家是在人们认为 很“晚”的年龄才开始学习乐器的，我指的不是那些酒吧里的吉他票友们。
伟大的Wes Montgomery，我当作爵士吉他教父的人，是19岁开始学习吉他的，在他演奏生涯的前几年，他一直没有被认为是有天赋的，因为他是一个音都不差地模仿Charlie Christian的solo，另外他在 弹琴的同时还要去作两份艰苦的工作来养活一大家子人。Wes的经历为我们粉碎了前面两个传言。还有，Wes所模仿的人-- Charlie Christian是从17岁才开始弹吉他的，但只用了仅仅六年的时 间就影响了整个爵士音乐的历史。
3. “对乐理知识的匮乏使我无法进步”
嗯，你的意思是说和Wes、Joe Pass和Jimi Hendrix一样无法进步吗，还有George Benson和 B.B. King，他们也是无法提高的吗?象这样的吉他手我还能举出很多很多。
也许我们该重新定义“音乐理论”这一词汇，这些吉他手虽然严重的缺乏课堂上所能学到的试唱 读谱等技能，但他们的演奏经验和感觉弥补了缺陷，这些经验成为了他们自己的“理论”。我想 对于技巧来说也是同样的道理。我并不是说可以不去学乐理和演奏技巧，只是想让大家不要太过于强调音乐理论。
4. “我实在是没有足够的时间”
这句话和前面几种说法比起来更象是挂在许多学生嘴边的一个口头禅。这也是错误的，你不可能 没有时间。如果你真的喜爱音乐和吉他，真的想成为一个好的演奏者的话，你一定会安排好自己 的时间的，你会推掉一些无意义的约会，停止做一些无聊的事情。要相信，你在吉他上所付出的 时间一定会给你带来巨大的快乐的。
给大家介绍一种练手指独立性和韧性的方法：
一、此练习只用到1,2,3,4 这4根弦；
二、将小指按在1弦12品,无名指按在2弦11品,中指按的3弦10品,食指按在4弦9品；
三、依次拨响4,3,2,1弦 这时你拨响的是4弦9品,3弦10品,2弦11品,1弦12品的音；
四、拨完4下后,这时将食指移动到4弦8品其他3指不动,再次拨响4,3,2,1弦这时拨响的4弦8品,3弦10品,2弦11品,1弦12品；
五、完成四后再将中指移动到3弦9品其他3指不动.拨响4,3,2,1弦这时拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦11品,1弦12品；
六、完成五后,再将无名指移动到2弦10品,其他3指不动,这时候再拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦12品；
七、完成六后再将小指移动到1弦11品再次拨响4,3,2,1弦这时候就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦11品；
完成三------七以后象这样一直爬到食指按4弦1品,中指3弦2品,无名指头2弦3品,小指1弦4品.然后再从第二步开始。
文字看不明白的 这样给你表示第一遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 10品(中指) 四弦 9品(食指) 第二遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 10品(中指) 四弦 8品(食指) 第三遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品(食指) 第4遍 一弦 12品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中 指) 四弦 8品(食指) 第五遍 一弦 11品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品 然后按照这样一直爬到1品…………
最后说下这个练习的要点,就1个字,慢! 一定要慢 用你最慢的速度练 因为这个练习主要是练手指韧性和独立的，一定要慢， 只要有一点破音，或者手指碰到别的弦那么重头来吧~~ 这个练习很难受的每天。
大部分吉他教学里，音阶练习对于才吉他入门的菜鸟们来说是一种最佳的练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起。此外，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法；而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己。要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
★下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
★如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
★每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
★弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
★交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
★使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
★试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看)
★试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
★倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
★运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
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