2022吉他教学——电箱吉他的相关知识介绍

2020-03-18
乐理知识

吉他是一种属于青春的乐器,学习吉他的朋友也越来越多,很多爱好者通过吉他教学视频自学吉他,而咱们吉他世界网也为广大吉他爱好者制作了很多高质量的吉他教学视频。很多琴友在通过这些吉他教学视频学习的同时,对于如何录制这些视频以及视频中所用的吉他也是充满兴趣。
今天我们就来聊一聊,录制视频以及参加演出最常用到的“带电”的木吉他——电箱吉他。琴友们注意哦,这可不是电吉他。电箱吉他是吉他的一种,即也是属于木吉他,只是在共鸣箱体内加了 拾音器,将连接音箱后,就能把琴体本身发出的声音扩大。普通木吉他的共鸣箱是全空心的,电吉他是实心的,电箱吉他可以视作“半空心”,琴弦的振动有共鸣的空间,因此不连接音箱,吉他本身也是能发出声音的。
电吉他可以视为电子乐器,虽然是木吉他演化来的,但是由于没有共鸣箱,本身不会发出声音,必须依靠连接音箱。 还有一点,电吉他可以通过效果器制造多种音效;电箱吉他虽然也有效果器,但是还是基于木吉他的原声的基础上,制造出不同风格,以配合音乐的氛围。
电箱吉他 - 选购技巧
1、颜色:选一把喜欢的颜色,一般每种琴都有几款不同的颜色,如果琴行没有,可以要求他帮你订,除非你不大注重颜色。
2、指板:指板是琴最重要的部分,挑选时主要花时间在他上面。一般来说,指板越薄越好,不过如果你的手够大,粗些也没关系,这样选择的余地更大点。
3、外观:指板的正反面的有无刮伤,泛音点是否平整。打品:即弹任一弦任一品时,不可以有弦碰到其他品位而发出杂音。挑选时最好弹遍所有的品位。
4、品位:看各品是否光滑,平整,侧光看时,每品的反光是否排成一条直线,品位的镶嵌是否整齐,另外最好选宽品的吉他,比较耐磨。手感:用手摸指板,并上下滑动,看各处是否有突出或凹入的地方,品位两端有无突出的地方,滑动时有无割手的感觉。
5、琴弦钮:扭动各钮看有无难拧的,电镀有无脱落。摇杆:摇动摇杆确认弹簧的力度,最少不能太松。摇完后看各音准有无变化。琴桥:琴桥的电镀和螺丝有无生锈。另外注意上弦和锁弦装置是否觉得方便。肩带扣是否结实,各旋旋转转的手感,及附的配件是否齐全等等。
看完后选一首自己熟练的曲子弹几遍,感觉弹奏是否舒服,滑音时是否涩手。
其他要注意的:拾音器这是吉他的另一个关键部件,也是较难挑的部分。一方面挑选时受音箱,效果器的影响很大,另一方面音色也因人的耳朵而异。好坏也是相对的,除了少数名琴有特别的音色,其他的琴音色差别不会很大(同一档次的琴),另外也可通过拾音器的品牌来了解。
最后,选购拾音器时将选择开关打到各档弹奏,音色的区别应明显,一般在最下面档时音色最亮,充满电吉他的味道,最上时则最暗。再结合自己的爱好,只要自己听着好听就可以了。(拾音器与琴弦的距离也可以调整)琴体一些进口琴的琴体表面处理很光滑,像镜子一样,可以看看各处有无刮花或漆皮掉落,护板有没有磨痕。

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2022吉他教学——有关指弹吉他的相关知识介绍及练习方法


曾几何时,苍老师还没下海、陈老师还只是个小青年、羊驼还只是一种普通的动物,校园里痴情的青春期男生们只为心爱的她,却苦不得吉他入门之法。吉他是什么?什么又是指弹吉他?按照字面上来理解,貌似用手指弹奏的就是指弹吉他,但是指弹吉他不光是一种弹奏方式,更多指的是其独特的音乐风格,下面我们通过几个问题来从不同的侧面了解这种风格。
1、指弹吉他是不是都用民谣琴演奏?
高君老师曾经说过,民谣琴是个很不科学的叫法,一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外,美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴),还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他,甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴,这些是非主流的,但即便如此,其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大,这也属于指弹吉他风格,所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。
2、指弹吉它和传统的古典吉它的音乐风格有什么不同?
从音乐角度讲,节奏,旋律,和声是音乐的三大要素。在节奏上,大多数指弹吉它音乐的节奏形和变化比古典吉它的要丰富一些,这也意味着对演奏者右手的技巧要求在一定程度上比古典吉它要高;在旋律上,指弹吉它的民族化和个性化比较明显,很多都脱离传统的大小调音阶的限制而使用一些民族调式,如布鲁斯音阶和凯尔特民间调式等,由此拓宽了音乐表现力;和声上讲,古典音乐在和声上自成一体,要求也比较严格,对和弦的进行和连接等都有其特定的要求,和声以三和弦和七和弦为主,而指弹吉它淡化了和声限制,在很多方面并不符合古典音乐的要求,比如大量使用九和弦和各种挂留和弦,并且和弦可以相对随意地进行等等。
总的来说,指弹吉它和古典吉它相比强调了节奏,淡化了和声,丰富了旋律。
3、以前演奏古典吉它或者民谣吉它的爱好者,转学指弹风格都要注意什么?
民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同,对指弹吉它都很有好处。古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义,如果受过比较正规的古典吉它训练的话,演奏指弹吉它时,左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器,而且很多时候节奏比较自由,尤其是当演奏浪漫派作品时,演奏者对节奏的把握可能相对不够精确,所以之前弹古典吉它的人,转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦,琴弦张力比古典吉它大,右手的力度需要相应提高,拨弦的感觉也需要一个适应过程。
认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些,但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差,所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的,如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友,最好要留一定长度的指甲,以便获得更加丰富的音色,而只习惯使用拨片的朋友,就只能从头练起了。
那么初学演奏指弹吉它我们都需要具备哪些条件呢?首先最好我们要有一把说得过去的美式吉它,起码应该是一把面板单板或更好的吉它。因为指弹吉它的表现力很大程度上依赖于乐器本身的敏感度,如果只有一把怎么弹都是一种声音的吉它,很难胜任这种表现力的要求。指板最好是加宽的,指弹吉它对左手的要求虽不见得比古典更复杂,但是会比通常的所谓民谣弹唱复杂得多,所以琴弦间距最好略宽,琴桥处宽度也有相应加宽,为的是增加右手的弦距使右手拨弦准确度提高。如我使用的Lowden吉它,琴枕和弦桥处的宽度分别为45mm和55mm。你可能需要一个节拍器,用以增强对节奏的训练。
右手最好留指甲,以便奏出更为丰富的音色。右手指甲的长度和形状都可以借鉴古典吉它,但是不必像古典吉它那样过于苛刻的要求指甲的形状和光滑程度,只要能达到自己满意并能有一定的音色变化即可。由于使用金属琴弦右手指甲的磨损很厉害,指甲比较软的朋友可使用假指甲,可以在美甲用品店买到。假指甲有好多种,一般来讲买全贴片比较好,挑选硬度和韧性俱佳的。假指甲有专门的胶来粘,这种胶在同样的地方一般也可以买到。具体粘贴方法还有很多要注意的地方,建议第一次粘贴求助于专业人士。
每天拿出一定时间练习,尽量不要间断。每天弹一个小时的效果肯定比每周末弹7个小时要好,当然如果每天能有再多些的时间就更好了。不过练琴最重要的是效率,有效率的练习一个小时,远胜于不过脑子弹一下午。
如果你能具备以上的条件,就可以开始练习指弹吉它了。在正式学习乐曲之前,可以先做一些基本功练习。
一、左手独立性练习A
这是一个很常见的练习方式,在此作一些说明:
1、尽量将手指抬高,锻炼指头的耐力和力度。
2、开始可以比较慢的速度跟节拍器,保持匀速。
3、保持规范的手型,即从食指到小指尽量保持平行
4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)
基本功练习是一项长期作业,最好每天坚持练习放在弹曲子之前,当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿,当手指感觉到发酸或发胀时再停。
二、右手独立练习A
这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景,高音弦上走节奏不同的简单旋律,是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯,像节拍器一样,这样才能专注高音声部的变化。
这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中,拇指的交替低音也将有所变化,有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量,以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂,关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习,比如卡尔卡西教材的分解和弦练习,这个也是非常有效的。

2022吉他教学——音响知识的详细介绍


要想学好吉他,不光是练吉他就可以的,很多还未吉他入门的学习者们,每天就盲目的练吉他,但是却忽略了一个很重要的因素,那就是音响了。音响的重要性和吉他本身都相差不了多少,下面就为大家普及下音响的知识吧,这不是吉他教学课,这只是我与大家的交流沟通,希望可以帮到大家。
信噪比
是指音箱回放的正常声音信号与无信号时噪声信号(功率)的比值。也用 Db表示。例如,某磁带录音座的信噪比为50dB,即输出信号功率比噪音功率大50dB。信噪比数值越高,噪音越小。国际电工委员会对信噪比的最低要求是前置放大器大于等于63dB,后级放大器大于等于86dB,合并式放大器大于等于63dB。合并式放大器信噪比的最佳值应大于90dB;收音头:调频立体声之50dB,实际上以达到70dB以上为佳;磁带录音座之56dB(普通带),但经杜比降噪后信噪比有很大提高。如经杜比 B降噪后的信噪比可达65dB,经杜比 C降噪后其信噪比可达72dB(以上均指普通带);CD机的信噪比可达90dB以上,高档的更可达l10dB以上。信噪比低时,小信号输入时噪音严重,整个音域的声音明显感觉是混浊不清,所以信噪比低于80dB的音箱不建议购买!而低音炮70 Db的低音炮同样原因不建议购买。
扬声器材质
低档塑料音箱因其箱体单薄、无法克服谐振,无音质可言(笨笨熊注:也不尽然,设计好的塑料音箱要远远好于劣质的木质音箱);木制音箱降低了箱体谐振所造成的音染,音质普遍好于塑料音箱。通常多媒体音箱都是双单元二分频设计,一个较小的扬声器负责中高音的输出,而另一个较大的扬声器负责中低音的输出。挑选音箱应考虑这两个喇叭的材质:多媒体有源音箱的高音单元现以软球顶为主(此外还有用于模拟音源的钛膜球顶等),它与数字音源相配合能减少高频信号的生硬感,给人以温柔、光滑、细腻的感觉。多媒体音箱现以质量较好的丝膜和成本较低的PV膜等软球顶的居多。低音单元它决定了音箱的声音的特点,选择起来相对重要一些,最常见的有以下几种:纸盆,又有敷胶纸盆、纸基羊毛盆、紧压制盆等几种,纸盆音色自然、廉价、较好的刚性、材质较轻灵敏度高,缺点是防潮性差、制造时一致性难以控制,但顶级HiFi系统中用纸盆制造的比比皆是,因为声音输出非常平均,还原性好;防弹布,有较宽的频响与较低的失真,是酷爱强劲低音者之首选,缺点是成本高、制作工艺复杂、灵敏度不高轻音乐效果不甚佳;羊毛编织盆,质地较软,它对柔和音乐与轻音乐的表现十分优异,但是低音效果不佳,缺乏力度与震撼力,它广泛流行于高档音箱中,一致性好失真低,各方面表现都可圈可点。此外还有像纤维类振膜和复合材料振膜等由于价格高昂极少应用于普及型音箱中,就不谈了。扬声器尺寸自然是越大越好,大口径的低音扬声器能在低频部分有更好的表现,这是在选购之中可以挑选的。用高性能的扬声器制造的音箱意味着有更低的瞬态失真和更好的音质。普通多媒体音箱低音扬声器的喇叭多为3~5英寸之间。用高性能的扬声器制造的音箱也意味着有更低的瞬态失真和更好的音质。
音箱从结构形式上分,可以分为书架式和落地式,前者体积小巧、层次清晰、定位准确,但功率有限,低频段的延伸与量感不足,适于欣赏以高保真音乐为主的音乐爱好者,也是我们多媒体发烧友的首选;后者体积较大、承受功率也较大,低频的量感与弹性较强,善于表现滂沱的气势与强大的震撼力,但做得不好层次感与定位方面会略有欠缺。对于不同音乐的爱好者来讲,这也是在选购以前应该了解的重要内容。由于PC用家很少有具备放置大型落地箱的条件,所以小巧的桌面书架式音箱应该是多媒体有源音箱的首选。总的来说:只要功放模块设计合理,箱体越大,喇叭越大,声音越中听。
可扩展性
这是指音箱是否支持多声道同时输入,是否有接无源环绕音箱的输出接口,是否有USB输入功能等。低音炮能外接环绕音箱的个数也是衡量扩展性能的标准之一。普通多媒体音箱的接口主要有模拟接口和USB接口两种,其它如光纤接口还有创新专用的数字接口等不是非常多见,因此不多作介绍。
音效技术
硬件3D音效技术现在较为常见的有SRS、APX、 Spatializer 3D、 Q-SOUND、 Virtaul Dolby和 Ymersion等几种,它们虽各自实现的方法不同,但都能使人感觉到明显的三维声场效果,其中又以前三种更为常见。它们所应用的都是扩展立体声(Extended Stereo)理论,这是通过电路对声音信号进行附加处理,使听者感到声像方位扩展到了两音箱的外侧,以此进行声像扩展,使人有空间感和立体感,产生更为宽阔的立体声效果。此外还有两种音效增强技术:有源机电伺服技术(本质上利用了赫姆霍兹共振原理)、BBE高清晰高原音重放系统技术和“相位传真”技术,对改善音质也有一定效果。对于多媒体音箱来说,SRS和BBE两种技术比较容易实现效果很好,能有效提高音箱的表现能力。
音调
指具有一特定且通常是稳定音高的信号,通俗的讲是声音听来调子高低的程度。它主要取决于频率,还与声音强度有关。频率高的声音人耳的反应是音调高而频率低的声音人耳的反应是音调低。音调随频率(Hz)的变化基本上呈对数关系。不同的乐器演奏同样频率的音符,音色虽然不同,但它们的音调是相同的,也就是演奏声音的基频是相同的。
音色
对声音音质的感觉,也是一种声音区别于另一种声音的特征品质。不同的乐器在发同一音调时,它们的色可以迎然不同。这是由于它们的基频频率虽相同,但谐波成分相差甚大。故音色不但取决于基频,而且与基频成整倍数的谐波密切有关,这就使每种乐器和每个人有不同的音色。
动态范围
声音中最强与最弱的比值,用 Db表示。例如一个乐队的动态范围为90dB,这意味着最弱部分的功率比最响部分的低90dB。动态范围是功率之比,与声音的绝对水平无关。如前所述,人耳的动态范围从0到130dB。自然界各种声音的动态范围的变化也是很大的。一般语言信号大约只有20~45dB,有些交响乐的动态范围可达30~130dB或更高。但由于一些因素的限制,音响系统的动态范围很少能达到乐队的动态范围。录音装置的内在噪音决定了可能录制的最弱音,而系统的最大信号容量(失真水平)限制了最强的音。一般把声音信号的动态范围定为100dB,故音响设备的动态范围能做到100dB,就很好了。
总谐波失真(THD)
指音频信号源通过功率放大器时,由于非线性元件所引起的输出信号比输入信号多出的额外谐波成分。谐波失真是由于系统不是完全线性造成的,我们用新增加总谐波成份的均方根与原来信号有效值的百分比来表示。例如,一个放大器在输出10V的1000Hz时又加上 Lv的2000Hz,这时就有10%的二次谐波失真。所有附加谐波电平之和称为总谐波失真。一般说来,1000Hz频率处的总谐波失真最小,因此不少产品均以该频率的失真作为它的指标。但总谐波失真与频率有关,因此美国联邦贸易委员会于1974年规定,总谐波失真必须在20~20000Hz的全音频范围内测出,而且放大器的最大功率必须在负载为8欧扬声器、总谐波失真小于1%条件下测定。国际电工委员会规定的总谐波失真的最低要求为:前级放大器为0.5%,合并放大器小于等于0.7%,但实际上都可做到0.1%以下:FM立体声调谐器小于等于1.5%,实际上可做到0.5%以下;激光唱机更可做到0.01%以下。
由于测量失真度的现行方法是单一的正弦波,不能反映出放大器的全貌。实际的音乐信号是各种速率不同的复合波,其中包括速率转换、瞬态响应等动态指标。故高质量的放大器有时还注明互调失真、瞬态失真、瞬态互调失真等参数。(l)互调失真(IMD):将互调失真仪输出的125Hz与lkHz的简谐信号合成波,按4:1的幅值输入到被测量的放大器中,从额定负载上测出互调失真系数。(2)瞬态失真(TIM):将方波信号输入到放大器后,其输出波形包络的保持能力来表达。如放大器的转换速率不够,则方波信号即会产生变形,而产生瞬态失真。主要反映在快速的音乐突变信号中,如打击乐器、钢琴、木琴等,如瞬态失真大,则清脆的乐音将变得含混不清。(3)瞬态互调失真:将3.15kHz的方波信号与15kHz的正弦波信号按峰值振幅比4:1混合,经放大器后,新增加全部互调失真的产物有效值与原来正弦振幅的百分比。如放大器采用深度大回环负反馈,瞬态互调失真一般较大,具体反映出声音呆滞、生硬、无临场感;反之,则声音圆滑、细腻、自然。
立体声分离度
指双声道之间互相不干扰信号的能力、程度,也即隔离程度,通常用一条通道内的信号电平与泄漏到另一通道中去的电平之差表示。如果立体声分离度差,则立体感将被削弱。国际电工委员会规定的立体声分离度的最低指标, lKHz时大于等于40dB,实际以达到大干60dB为好;欧洲广播联盟规定的调频立体声广播的立体声分离度为>25dB,实际上能做到40dB以上。立体声通道平衡指的是左、右通道增益的差别,一般以左、右通道输出电平之间最大差值来表示。如果不平衡过大,立体声声像位置将产生偏离,该指标应小于1dB。
阻尼系数
是指放大器的额定负载(扬声器)阻抗与功率放大器实际阻抗的比值。阻尼系数大表示功率放大器的输出电阻小,阻尼系数是放大器在信号消失后控制扬声器锥体运动的能力。具有高阻尼系数的放大器,对于扬声器更象一个短路,在信号终止时能减小其振动。功率放大器的输出阻抗会直接影响扬声器系统的低频 Q值,从而影响系统的低频特性。扬声器系统的Q值不宜过高,一般在0.5~l范围内较好,功率放大器的输出阻抗是使低频 Q值上升的因素,所以一般希望功率放大器的输出阻抗小、阻尼系数大为好。阻尼系数一般在几十到几百之间,优质专业功率放大器的阻尼系数可高达200以上。
等响度控制
其作用是低音量时提升高频和低频声。由于人耳对高频声、特别是低频声的听觉灵敏度差,要求在低音量时对高频和低频进行听觉补偿,即要求对低频有较大提升,对高频也有一定量的提升。换句话说,当音量减小时,信号中低频部分的减小较高频部分为少。等响度控制即满足此要求,等响度控制一般为8dB或10dB。
三维音场处理和环绕声
普通两只音箱为什么会使我们听到并不存在的好像是背后发出的声音呢?大家知道,立体电影就是眼睛产生的错觉而三维音场的产生离不开耳朵的错觉。种种硬件3D音效技术如SRS、虚拟杜比和软件3D技术如EAX、A3D等就是充分研究了人耳接受声响的原理后为降低成本而推出的新技术。本质上讲通过多音箱完成三维音场的效果比两只音箱虚拟出的声场好很多。所以环绕声应该以多音箱配置为主,它们的定位感和空间感强。

2022吉他教学——吉他技巧之泛音的相关知识讲解


泛音是一种奇妙的音响,在吉他上奏出的泛音,其音色透明而清澈。象铃声,也象钟声,有时又象潺潺的流水声或岩洞里单调的滴水声。总之,在乐曲中偶尔出现的泛音,是很富有情趣的。泛音的奏法很多,基本可分为自然泛音(Natural harmonics)和人工泛音(Artificial harmonics)两类。
泛音的发音原理是:把手指轻轻地接触在琴弦的等分点上,使琴弦不仅全部振动,而且等分点部分也同时振动,这时所发出的基音高的那个音就是泛音。从理论上说,在琴弦的二等分,三等分,四等分等各点上都能发出泛音。但吉他上,各等分点上泛音的清晰度和响度都是不一样的,等分越少(如二等分到六等分),发音就越清晰越响亮;等分越多(如七等分以上),发音就越模糊,越不响亮,甚至使噪音盖过泛音。
泛音的常用符号有:harm.,har.,arm.,ar. 等,并以点线显示其范围,用比左手指法数字在一号的数字表示品位,用外围带圈的数字表示弦号。泛音中,八度泛音用得最多,所以,八度泛音又可用8va,8 (ottava的简写)和Oct.(Octave的简写)来表示。
吉他上自然泛音是以空弦音为基音,在六等分以内的各等分点上演奏,即以空弦音为基音,在吉他的第十二、七、五、四、三各音品上发出的泛音都是自然泛音。小于第三品以上的泛音很不清晰响亮,通常不用。自然泛音的奏法是:左指轻轻虚按在琴弦上,右手手指用适当的力量拨弦,同时按弦的左指立即离开琴弦。注意左指按弦的部位要准确。在第十二、七、五、四、三音品上发的泛音分别比基音高八度、十二度、十五度、十七度、十九度。
在一根弦上,除了能在以上五个地方发出自然泛音外,高把位上的几个地方也能奏出清晰响亮的自然泛音。不过,它们的音高都和上述五个泛音中的某一几个相同。例如第九、第十六音品上泛音都和第四品上泛音一样高;第十九品上的泛音和第七品上的泛音一样高。
所以,可以这样讲:在一根弦的不同部位,能发出五个音高不同的自然泛音。但不以为吉他有六根弦,就能奏出三十种不同的自然泛音。因为其中有几个泛音的音高也是相同的,例如第六弦第五音品和第五弦七音品上泛音一样高等等。一般说,吉他上六根弦能发出清晰响亮的自然泛音只有二十二个。
如果把音高相同的泛音都算进的话,那么吉他的六根弦上就有四十八个地方能发出自然泛音。注意:这四十八个地方仅指十九音品,超出十九个音品,在极高把位的无音品的地方也有几个自然泛音,虽然它们都是二十二个自然泛音中已有的。由于这些超高把位上自然泛音不容易按准,因此极少使用。
人工泛音是人为地改变弦的基音而发出的一种泛音。通常的奏法是:左指实按,右手食指在离左指实按的地方的后面第十二个音品上虚按,用无名指弹奏(也可用拇指代替)。同样,无名指弹后,食指立即离开琴弦。左指仍按弦,这时发出的泛音要比左指实按的音符高一个八度。吉他上所有音域内的音符都能用人工泛音奏出。自然泛音作为人工泛音的一个特例,也可用人工泛音的方法奏出。右手食指虚按在离左指实按的品位后面第七、五等音品处奏人工泛音也可以的,不过,既然相距十二品的人工泛音能奏出所有的音符,那相距第七、五音品的人工泛音也就显得意义不大了。
泛音可以两个或两个以上同时奏出,成为双泛音或各弦泛音。常见的是用自然泛音的方法奏出。同时发出泛音和实音比较困难,这个泛音既可以是自然泛音,也可以是人工泛音。如果要自然泛音和实音同时发出,就不必考虑它们的位置,右手可直接奏出。如果要人工泛音和实音同时发出,就要看泛音和实音之间的位置了,即看泛音所在的弦在实音所在的弦的哪个方向,是低音弦还是高音弦方向。
在低音弦方向的奏法是:右手食指虚按在离左指八度(即离开十二品)的地方,用拇指弹弦,然后同时离开,实音用无名指或中指弹奏。或者用右手拇指虚按在离左指八度的地方,用食指弹弦,然后同时离开,实音用无名指或中指弹奏,当泛音在高音弦方向的时候,其奏法是:右手食指虚按,无名指弹弦,然后同时离开,实音用拇指弹奏。
人工泛音的记谱比较简单:由于习惯上使用的都是离实音十二品的泛音,因此只要规定虚按的右手手指的位置(即品号)就可以了,通常在十二至十九品之间;而弦号则由实音决定,不必另外标出。
泛音中还有一类击弦泛音,一般不常用,演奏起来也较难,不易奏好。击弦泛音的奏法和大鼓奏法几乎完全相同,它把弹奏大鼓奏法的手型从靠近琴马处向上移动到指定位置。击弦泛音奏法不仅要求敲击部位十分准确,而且对吉他琴的灵敏度也要求非常高,质量差的吉他几乎不可能奏好这类泛音。击弦泛音没有类似大鼓伴奏声。泛音也能用左指演奏。(参见左手独奏)。
在泛音群里,或在泛音实音的和弦里,有时我们可以见到“Nat”的字样,它是“Natural”的缩写。它不是自然泛音的意思,而是表示这是一个自然音,即实音。标上这个记号是为了把少数几个实音从泛音群里区别开来。

2022吉他教学——吉他技巧之滑音的相关知识讲解


滑音按其滑动的方向分有:由低音滑向高音的上滑音;由高音滑向低音的下滑音。按右手的动作来区分,有前一个音要拨,后一个音不要拨的连滑音,和前后两个音都需要弹拨的断滑音。
除少数情况,一般滑音都在同一弦上进行,上滑音和下滑音的奏法相同,但上滑音比下滑音容易发出声。另外,在吉他上,较快的滑音比较慢的滑音的效果好,近距的滑音比远距的滑音效果好。
连滑音的奏法是:
左手手指按在弦上用右指弹出第一个音,然后用同一个左指紧贴在面板上,作平滑柔和地移动,到达指定位置。即靠弦的余振把经过音(半音阶式的滑音效果)和最终音发出来。在连滑音中有一个特殊的情况,就是滑音的两个音之间只相差半度,即小二度关系,在吉它上只相差一个音品。这时滑音的效果是无论如何也听不出来,而和连音效果倒差不多,不过,其奏法仍属于滑音性质。采用这种方法大都是为了运指的方便,因为它等于换了一个把位。
断滑音的奏法是:
右手先弹出左指按着的第一个音,然后用这个左指紧贴指板平滑柔和地移动到指定位置,用右指把最终音再弹一下。奏滑音时左指可不必拘泥于同一个指头,根据需要在滑的过程中可以换指。
换指的方法一般有两种:顺势换指和逆势换指。
顺势换指,即在上行时用下面的手指替换上面的手指,在下行时用下面的手指替换下面的手指。用这种方法不会使滑动的手指超出第二个音符的位置。具体方法是:按第一个音符的手指按连滑音的方式向第二个音符的位置滑动,在滑到另一个手指能够按到第二个音符的同时,马上把另一个手指按下,按在第二个音符的位置上。
逆势换指,即上行时用上面的手指替换下面的手指,下行时用下面的手指替换上面的手指。这各方法会使滑动的的手指超出第二个音符的位置,因此使用时很有可能一不小心使超出第二个音符的音响了起来。这时正确的方法是:按第一个音符的手指照连滑音的方式向第二个音符的位置滑去,在滑到第二个音符位置的一刹那,手指松开,同时马上把另一个手指按下,按在第二个音符的位置上。
在不同弦上的滑音也可用断滑音奏法奏出,但这种滑音其二者之间的经过音不能全部滑奏出来,而只能滑奏出其中的一部分。如何滑奏这一部分经过音呢?一般认为这一部分经过音放大滑音的前一个音符所在的弦上比较合适,同时经过音的终止端不能有太明显的痕迹,应该让它渐弱,含糊些,以免后一个音符出现时产生一个大跳的感觉。
注意:滑音,特别是换指的断滑音的演奏方法很多,不仅仅局限于为上几种,有些演奏家用自己的独特方法,同样能得到很好的效果。例如有的人在滑音时注重滑音的前一阶段,而让后一阶段逐渐淡化;又如在逆势的换指断滑音中,用前后两个音符所需的两个手指同时按在指板上滑动,在滑动的过程中巧妙的换指,等。总之,要注重效果,特别是换指滑音,不要让人听出换指的痕迹,使滑音自然,圆滑。双音的滑音方法和单音的滑音方法一样。
注意事项:在需要滑音的两个音符中,滑动过程这部分时间总是占在前一个音符上,而第二个音符总是在拍子上出现。因此,在使用滑音技巧时,就要掌握并处理好这部分时间,既要使前一个音符在时值比重上站得住脚,又要使后一个音符在时值上不受影响。有些学生在滑音时,前一个音符刚一出现,就进入滑音过程;也有些学生为了突出滑音效果,盲目地延长滑音过程,结果适得其反,而且影响了后一音符的出现,造成节奏上的脱拍。这些都是不对的。适当的滑音过程仅占前一音符的很小一部分比例。

2022吉他教学——消音的方法介绍


吉他手的弹奏技巧从吉他入门到达人无时不刻不影响着吉他手们的方方面面,下面就来和大家聊聊吉他消音有关的话题。一般情况下,以下几种情况需要消音:
1.有休止符时;
2.乐曲结束(终止》时;
3.乐段,乐句中止时;
4.旋律的分句、呼吸处;
5.变换和弦时的低音(特别是空弦低音);
6.断奏(音符上加黑点表示,演奏时为该音符时值的一半);
7.弹奏强音时其他空弦被激起的共鸣音(特别是低音弦);
8.需要以顿音加强节奏跳跃感的乐段。
消音的方法:
1、直接消音法
用拨弦的右手指或按弦的左手直接消音:
(1)右手拨过弦的手指指尖肉垫许接轻轻按住琴弦;
(2)左手按弦的手指放松浮在琴弦上。
2、间接消音法
用其他没有参与拨弦和按弦的手指或其他部位来消音,常见的方式有:
1.用小指外侧或小指侧节边轻捂住琴弦:
2.用拇指外侧或拇指侧掌边轻捂住琴弦;
3.用右手拇指内侧或外侧指肉部份触靠;
4.用左手不用的手指伸直触碰琴弦;
5.用右手将要弹奏的手指止住前一个音(前后音符在同一根弦时)。

电2022吉他教学——不要忽略延时和混响


很多吉他高手即会弹奏木吉他、也会弹奏电吉他,虽然会弹木吉他在电吉他入门会轻松一些,但电吉他与木吉他之间的区别还是挺大的。电吉他入门首先需要了解和与木吉他相比的不同之处,比如在电吉他里十分重要的混响。
混响是指一个封闭空间里的大量回声,即使声源已停止发声,它仍可以使声音持续一段时间。在任何封闭的空间里,混响都可以自然产生。
人工混响单元通常用以给音乐增加“现场”感,最便宜的混响器是弹簧混响器,它让部分信号通过长的弹簧,这些信号要花较长的时间才能通过这些弹簧,这样一来,这些信号就被延时了,而其它的信号仍直接输出。
混响器基本上都有一个depth(深度)旋钮,用以调节被延时信号与原信号在音量上的关系。在发声急促、表面易反射声音的地方自然混响是很大的;在声音被柔软稠密的物质(例如毛毯、布帘、棉胎等)。
好一点的混响器也有一个控制延时时间的旋钮。例如,如果要模仿离反射面较远的地方的自然混响,可以把延时时间开大一些。声学回声通常在回声室里制造出来。在回声室里,独特的声学设计可以使声音来回反射。为增加回声,声音由音箱送进回声室,再由麦克风拾出。
磁带环绕回声是先在磁带的某一点录下信号,然后在另一点放出来以延时信号,被延时的信号再与原信号混合以达到所需的回声强度。回声的持续时间由一个能调节录音磁头和放音磁头之间的距离的旋钮来调节。
磁带环绕回声现在已很少有人使用了,取而代之的是模拟延时器和数码延时器。模拟延时器也可以制做回声,它们通常比数码延时器噪声大,但能做出较高的频率,且价钱便宜。数码延时器是人工混响的一个“艺术杰作”,它能做出从1毫秒(1毫秒=1/1000秒)到1秒甚至更长的延时时间。大部分的数码延时器除了含有回声之外,还含有双音、和唱、飘忽和移相等。双音能产生两个乐器同时演奏的效果。和唱、飘忽、移相在下面介绍。一个好的吉他手对于延时和混响的控制的好与坏,直接影响到吉他的音色。

2022吉他教学——各种变化和弦的运用知识


吉他教学课上肯定也讲到过,我们要为歌曲配置更优美的和弦,使音乐更流畅,这就要用到各种变化和弦。还未吉他入门的爱好者也应该认真的学习者方面的知识,因为这对于你们在后期的学习有很大关系的。
关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论,这些理论是有实际意义的,但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说,如果一开始就被灌输有关离调的系列理论,恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中,我采用了一种比较直观的说法,关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。注:所有和弦转位都沿用传统名称,第一转位称六和弦,第二转位称四六和弦。
1、主四六和弦(K46和弦)
这是一个在古典音乐中很常用的和弦,但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位,以C大调举例就是C/G和弦,即5-1-3和弦。这种和弦的特点是,虽然算是主和弦,但因为它以SOL为根音,所以一点也不稳定,有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下,如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音,你肯定会感觉很奇怪,你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点,如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C(这可是很常用的结尾哦)我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G(主四六和弦)倾向与属和弦G7,而属和弦G7又倾向于主和弦,这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进,音乐就变得流畅了。在古典音乐中,C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。
2、 二级六和弦
二级六和弦是二级和弦的第一转位,在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA,LA,RE。大家会发现它与F和弦(四级和弦)只差一个音,前者是FA,LA,RE,后者是FA,LA,DO。所以,二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品,也就是说某些地方本来用的是四级和弦,现在就可以用二级六和弦代替,C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性,不象四级和弦那么硬,也没有强烈的“飞”起来的感觉,所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬,但又要保证有1-4级进行的和声效果,你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲,它的第二个和弦就是二级六和弦,而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的,这就对了!这就是二级六和弦要达到的效果。
3、 大二级和弦
这实际上是一个离调和弦,不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦,在C大调里是2,#4,6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦(五级和弦),也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面,所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意,歌曲的旋律音如果是FA(首调)则不能这样代替,因为这会构成与和弦#4的小二度冲突,十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲(如《今宵多珍重》)都会在属和弦前使用大二级和弦,大家可以去仔细地分辨一下。另外,和所有的离调和弦一样,大二级和弦也可以扩展成七和弦,C大调里是D7和弦,2,#4,6,1。它的和弦性质和D和弦是一样的,只不过音响更丰富些。
4、大三级和弦
这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦,3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的强化。和前面一样,我们可以用E-Am代替Em到Am,但仍要注意,如果旋律音是SOL,就不能这样代替,因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外,和所有的离调和弦一样,大三级和弦也可以扩展成七和弦,C大调里是E7和弦,3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。
5、 大六级和弦
这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦,它的“离调感”十分远,所以能制造出很动听的效果。在C大调中是A或A7和弦(和其他离调和弦一样,它可以扩展成七和弦)它强烈倾向于二级Dm和弦,这样就在C大调中形成A(A7)-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行,它不仅可以代替Am到Dm的进行,还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6,#1,3,5中的任何一个或多个音,你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的最好例子。看一下: 3 - 4 | 2 - - | 这个例子,如果你想在第二小节配置Dm和弦,那么前一小节用什么好呢?Am可以,Em也可以,但它们都不是最好的,试过用A(A7)吗?那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用,邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦,著名的圣诞歌曲(Hark! the herald angels sing)全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩,恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意,不要在旋律音为DO时使用该和弦,因为它会与和弦的#1音冲突。
6、 一级七和弦
这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦,1-3-5-b7,看清楚了,这是一个大小七和弦,是降SI而不是还原SI,在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面,一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性,又由于它本身属于主和弦系列,所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行,就可以在这两个和弦当中插入一个一级七和弦,形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌就使用了该和弦。
7、小四级和弦
大调中,四级和弦应当是大三和弦,但有时侯我们也会使用它的降三音形式,就形成了小四级。它的最有效作用是置于四级和主和弦之间,也就是在C大调形成F-Fm-C的进行,小四级当然是一个小三和弦,它的加入会使音乐突然变得忧伤,所以它不但可以置于四级和主和弦之间,而且可以直接加在乐曲中的某个部分。著名的(雪绒花)在最后结尾时,就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。
8、五级增三和弦
这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音,变成增三和弦。在C大调中是Gaug(G+),这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时,可以用五级增三和弦来代替五级和弦,增加意尤未尽的气氛,然后音乐稍作停留便又从主和弦开始,这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。
9、降六级和弦
是一个常用的变化和弦,是大三和弦,在C大调中是bA和弦,b6-1-b3,降LA-DO-降MI。这个和弦看上去离C大调很远,确实如此,因为它只有一个音DO属于C大调自然音阶,嘻嘻,就是这个DO成为降六级最大的应用之处。因为绝大多数大调的歌曲都会结束在主音DO上(首调),我们可以利用降六级含有DO音,把降六级置于主和弦的前面,达到一种特殊的音响。在C大调中,如果本来是G7-C的终止,现在可以用G7-bA-C来替代,这样就能得到这样一种效果:旋律虽然保持是DO,但和弦是降六级-主和弦,非常有色彩。它可以烘托出那种宏伟,壮观的终止,不是属到主简单了事。
10、降七级和弦
相比降六级而言,降七级离原调好象近一点。在C大调中,降七级是bB和弦,b7-2-4,降SI-RE-FA,也是大三和弦。它含有RE,FA两个调内音,它可以被较自由地运用在歌曲中间部分,如果旋律中出现了这两个音就有可能使用降七级。在歌曲中如果在本来使用一般和弦的地方改用降七级,会有一种突然转调的感觉,降七级后面可以接1,4,5级和弦,C大调中,C-bB-C,C-bB-F等都是常见的。邓丽君的《千言万语》,The Beatles乐队的(Hey,Jude),(hello Goodbye), 都使用了降七级和弦,取得了很好的效果。降七级还有一个用处就是对降六级作进一步扩展,把bA-C扩展为bA-bB-C,也就是在降六级与主和弦之间再插入一个降七级,得到一个连续上行大三和弦的效果,更适合于那些气魄很大,雄壮而有震撼力的终止。
11、降三级和弦
这也是一个用得不算太多的变化和弦,在C大调里是bE和弦,b3-5-b7,降MI-SOL-降SI,也是大三和弦。它离C大调也比较远,只有SOL是调内音,因此只有旋律出现SOL时,它才有考虑的可能。它适合在乐曲中起丰富色彩的作用,使用一下以后马上又回原调。这种和弦就一定要用得好,用得到位而不能滥用。有一首著名的英文老歌(《奔放的旋律》--“人鬼情未了”的插曲)后半段就用了一个降三级。

2022吉他教学——基本乐理知识——发声练习


声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科,仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的,它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径,掌握科学的歌唱发声的基本方法,使歌声美妙动人。
一、歌唱发声练习的目的和要求
歌唱发声练习的目的,简要地说,就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节,通过有规律、有步骤的发声练习,逐步提高歌唱发声的生理机能,调节各歌唱器官的协作运动,养成良好的歌唱状态,使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段,为达到声情并茂的演唱服务。
我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态,把良好的歌唱状态保持到歌唱中去,改变平时生活中自然的发声习惯,使之成为符合歌唱发声的习惯和状态,所以必须明确我们练声的目的,而不是简单的“开开声”而已。
歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能,掌握歌唱发声的基本原理,全面理解其精神实质,通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求:
1)每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法(即横隔膜的呼吸方法),因为在整个声乐功能系列中,歌唱呼吸是最重要的一环,是整个歌唱建筑的基础,因此必须明确呼吸的重要性,重视练好歌唱呼吸的基本功。
2)打开喉咙,稳定喉头,是歌唱基本功训练的核心,这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一,很多歌唱者声音上的毛病,多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的,而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动,获得稳定、流畅声音效果的关键。
3)要恰当地运用好歌唱的共鸣,要使声音传得远,充满剧场,且圆润,优美动听,这是要经过专门训练的,对于初学者来说,是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开,因此要求歌唱者通过母音的转换,稳定喉头打开口腔,调节气息等手段,把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上,来增大音量,扩展音域,美化音色,统一声区,使高、中、低三个声区的声音协调一致,天衣无缝,走动自如灵活。
4)正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力,使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。
5)在歌唱发声时,还要注意对音准、节奏的训练,通过发声练习,逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧,丰富歌曲的表现手段,增强歌曲演唱能力。
6)在每次练习时,都要保持正确的歌唱姿势,正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。
7)在练声、唱歌前,一定要摒除一切杂念,稳定情绪,要有非常好的心理状态,要有良好的歌唱欲望,要充满信心、放松自如地进入歌唱状态,否则是唱不好歌的。
8)从开始练声起,就要同音乐结合起来,即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习,同时它们又都是乐曲的组成部分,要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始,要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到,在歌唱发声的过程中,呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行,它们是相互联系、相互促进、相辅相成的,这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。
二、歌唱发声练习的步骤
歌唱发声基本功的练习,一般按音域进展的规律,可分为三个阶段进行。
第一阶段以中声区训练为基础,掌握基本的发声方法,调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部,都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域,要知道声乐学习要从基础入手,中声区是歌唱嗓音发展的基础,基础必须打得扎实,要记住“欲速则不达”的道理。
第二阶段是中声区的基础上,适当扩展音域,加强气息与共鸣的配合训练,练好过渡声区(即换声区的训练),为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环,需要花费的时间相对也比较长,但千万要有耐心和信心,不要急于唱高音,要沉得住气,等这段音域巩固后,再进入高声区的练习。
第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练,进一步扩大音域,做较复杂的发声练习,使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一,音的过渡不要发生裂痕和疙瘩,重点是加强头声区的训练,获取高位置的头腔共鸣,从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕,可以唱一般难度较大的歌曲了。
三、歌唱发声练习的起音
发声练习开始的时候,必然会遇到如何起第一个音的问题,我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、激起声
是当吸气完毕后,胸腔保持不动,声带先自然闭合,然后,再以恰当的气息冲击声带使之振动发声,这样发出来的声音结实有力,我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用,也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、软起声
软起声是声带在开始闭合的动作时,气息也同时往外送,开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和,发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用,同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病,与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、舒起声
舒起声是声门先开,然后气息再振动声带,它的特点是先出气而后发声,像叹气一样。在劳动号子中,常常用到这种起声法。在发声训练中,这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病,在通俗唱法中使用较多,较口语化。总之,歌唱的起音首先要精神饱满,全身协调,根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法,注意起音的音量不要过分强,以舒适的mf或mp音量为合适。
四、歌唱发声练习曲
练习曲的练习,是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音,也可以用音阶的音名1234567等等来练唱,也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中,是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的,每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同,因此,并不是每一种类型的练习都必须唱,而是有计划、有针对性地进行选择练习,而且不同的学习阶段,选择的发声练习也是不同的,但一般情况下,开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习,因为这些元音容易形成需要的空间,比较容易保持喉咙打开的基本状态,也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的,唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子,善于思考,千万不能一个劲地傻唱。
1、“哼鸣”的基本练习
一般在开始练声时,先练练“M”是有益的,因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开,好象闭口打哈欠的感觉,感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展,但切勿把声音堵塞在鼻腔里,否则会发出鼻音。
2、母音的练习
除进行哼鸣练习外,更多地是进行母音的练习,如a,i,o,u,e等单母音练习,也可用混合母音练习如ma,me,mi,mo,mu等等。
3、连音练习
人们常说:“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美,只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性,可以将练习的音域相对拉宽些,练习也可以随之难度更大些。
4、顿音练习
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰,短促,灵活,富有弹性,集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上,可以加连音、顿音结合在一起的练习,这样有利于歌唱状态的统一,顿音好象是一个“点”,连音像是一条“线”,这样以点带线,便声音的位置统一,并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习
在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉,如果这个共鸣焦点找准了,那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢,这样才能达到歌唱的高位置,使声音上下统一。
7、声音灵活性的练习
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求,以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
8、结合字声练习(带词练习)
要求根据词意富有想象,有意境,有画面,语气有表现,声音有乐感,有感情地去唱。力求做到字准腔圆,以情带声,声情并茂,慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项
1)要注意保护好自己的嗓子,适当地练唱,发声练习的时间,初学时20分钟一次为宜,以后逐渐地加至半小时或一小时,坚持每天练习最重要,绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱,容易使歌唱器官受损。
2)在没有能力唱高音之前,切勿作高音练习,经常唱一组你最满意的音,选择曲目更要谨慎,不要唱不适合自己的曲目。
3)每次练习应有新鲜感,精神集中,感兴趣地练习。
4)练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
声乐训练特别需要时间,奇迹是没有的。“百分之十的智慧,百分之九十的努力。”

2022吉他教学——民谣歌曲编配的基础知识


初上吉他教学课的时候,老师一定会讲到吉他水平到达一定水平之后,就会自然而言的想要写歌的冲动。确实如此,当你水平到了,你就有那种想创作的感觉了。但是创作是很难的,说难也不是很难,关键是要学好,从基础学起。
民谣编配预备之一:怎样理解大小调?
编配吉它伴奏,首先要明确歌曲是大调式呢还小调式,才能确定歌曲的基本情绪,这是一个大方向;好比去一个地方,先要搞清楚大致方向,往南呢还是往北,然后才能选择具体的路线,确定坐车呢还是坐飞机。
通俗地说,按唱名来讲,以1、3、5 为主干音的曲子属大调歌曲,以2、4、6为主干音的曲子属小调歌曲。(所谓主干音,是指曲子中起支撑旋律的主导作用、出现频率相对较高的一组音符)
一般来讲,大调式的歌曲具有雄壮、开郎的特性,典型的如我国国歌;小调式的曲子具有委婉、优雅、哀伤的特性,典型地如《莫斯科郊外的晚上》、《橄榄树》等到曲子。 大调式的歌曲和小调式的歌曲在吉它和弦的选用上有不同的要求。
民谣编配预备之二:和弦基本常识
吉它是一种和声乐器,和弦的运用在吉它音乐中有举足重轻的地位,尤其是在民谣吉它中,和弦配置的好坏直接关系到吉它伴奏的效果。所以从某种意义上讲,民谣编配其实就是和弦的配置。因此,有必要先了解一些和弦的基本常识。
一、什么是和弦
照一定度数关系排列起来的一组音,称为和弦。和弦中的各音之间是一般三度关系,但也有不按三度关系的。不同的和弦具有不同的色彩属性,可以达到不同的声音效果,这使得和弦的配置成为音乐理论中十分重要的一项内容。和弦一般是三和弦,其从低到高三个音分别称为根音、三音、五音。如果是七和弦的话,就多了个七音。
和弦的不同功能属性是由组成和弦的各音之音的关系决定的。
二、和弦的分类及功能
(一)按音程分
1、三和弦:由三个音组成,各音之间是三度关系。又可分为大三和弦,其第一、三音之间是大三度,三、五音之间是小三度,如C和弦:1、3、5;小三和弦,三个音之间均为小三度,如Am:
2、七和弦:由四个音组成,各音之间也是三度关系。如C7:1、3、5、7。还可细分为大七和弦、小七和弦等,不再详述。
3、九和弦:在七和弦基础上再叠加一个三度音。用得不多,不再详述。
(二)按功能分
这种分法直接关系到歌曲编配,故加以详细说明(为便于说明,均以大家接触最多的C调为例):
1、主和弦
三和弦的一种,只有过是依其功能命名。是在和弦体系中起主导作用的和弦。它是和曲子的主干音(参见:主干音)紧密相关的,确定整个曲子的基调。如以C大调为例,其主和弦即C和弦:1、3、5;而A小调的主和弦为Am和弦。
2、属和弦
和弦的一种,从其功能来看,对主和弦起附属作用,故名属和弦。其根音是主和弦根音的上行纯四度(四度音中只有一个半音程,这样的音程称为纯四度,因其音响效果是最和谐的,如1到4,在其1、2、3、4四度音程中,只有3、4间是半音)。如C调而言,主音是1,其上行纯四度是5,即G,则属和弦为G和弦:。属和弦有倾向主和弦的特性,这在和弦配置中十分有用,在下面的配置方法中会进一步讲解。
3、属七和弦
在属和弦的顶部再叠加一个小三度音即成属七和弦。如G7和弦:。属七和弦比属和弦具更加强烈的倾向主和弦的特性。
4、下属和弦
也是三和弦的一种。其根音是主和弦根音的下行纯四度关系。对C大调而言,下属和弦为F和弦:。
5、副属和弦
是指除大小三和弦和及属七和弦之外,并且由自然音阶中的音构成的和弦。如C调的F7和弦:。在不太重要的地方用副属和弦代替主和弦,会有意想不到的独特效果。
6、离调和弦
此种和弦中含有自然音阶的升降音。如C调的E和弦:3、#5、7,其中#5音是升降音。离调和弦可以大大丰富曲子的色彩。 民谣编配预备之三:和弦之间的基本关系
从上节对和弦的介绍中,大家可能已经看出和弦之间是有相互依存关系的,这正是和弦配置的最根本基础。下面就和大家总结一下和弦之间的关系:
一、四度倾向性
从和声学上讲,和弦之间是有倾向关系的,主和弦倾向于下属和弦,属和弦倾向行主和弦。仍以C调为例,C倾向于F,G倾向C,那么在和弦配置中我们可以采用C--F,G--C的联接,这种进行是很顺的,听起来很舒服。其本质原因是由于根音的倾向性。C的根音是1,F的根音是4,二者是纯四度关系,1倾向4,则C倾向F。可以这么说,所有和弦都倾向以其根音上方纯四度为根音的那个和弦。那么规律性就马上出来了:A--D,E7--A,A7--D等等。
二、三度倾向性
同四度倾向性类似,三度也存在倾向性,但这种倾向性比四度倾向性要弱很多。如C--Em,Dm--F等等。
正是和弦间的这种倾向性,以及倾向性的强弱的不同使的歌曲的和弦编配有了起伏的变化,使的曲子的和弦行进体现出运动性,不致于单调。需要说明的是倾向性并不是绝对的,在具体编配中往往有打破规律的做法,这要视具体情况而定。
三、和弦基本体系
相互之间有倾向性的和弦构成了一个和弦体系。比如C大调的和弦体系是以C和弦、G和弦、F和弦为主要骨架的,这三个和弦就可以完成对C大调调歌曲的主要支撑,其中C为主和弦,G为属和弦,F为下属和弦;同样,Am和弦、Em和弦和Dm三个弦构成了A小调的和弦骨架。对于一首歌曲而言,仅用这三个和弦就完全可承担全部的和弦编配任务!当初Gman初学吉它弹唱时,经常是这样三个和弦一配到底,效果还不错呢。当然,要将歌曲编配得更为丰富,还需要其它和弦的配合,但掌握了这三个和弦的运用,和弦配置的基本功就会了,简单吧?
民谣编配预备之四:和弦配置的基本方法
一、确定调式调性,把握歌曲基本情绪
拿到一首歌曲,首先从头到尾看一遍,把它唱会(不要告诉我你不识谱!)。当然,如果你已经会唱这首歌曲了,那可就省事多了。看看歌曲是什么调,是不是在你的音域范围之内,如果不是,将它调整到适合你自己的调,从而确定歌曲的调性,即是C调呢还是G调呢或者其它什么调,这是最基本的工作;然后,看看歌曲是大调式的还是小调式的,全曲的情绪是温柔委婉的,还是高亢激烈的。这样,你对全曲就有了一个大概的印象。
二、配好曲子和乐句的开始和中止处
接着来看歌曲的开始和终止。开始和终止处一般应配上主和弦,因为主和弦最稳定,可以起到明确的开始、结束作用。比如C大调应配C和弦,A小调应配Am和弦。
然后来看每个乐句的起始和终止处。一个乐句可以是完整的一句歌词,也可以是情绪的一个小段,我们完全可以将其看成是一段微型面完整的歌曲,因此在它的开始和结束处要有较为明确的表示,但因其只是整首歌曲的一部分,这种表示应比整首歌曲的起、止处稍弱,所以可以配一些半终止式的和弦,即前面讲过的副和弦,当然配主和弦也是可以的。这样,歌曲的基本骨架就搭好了。
三、确定每小节主要音,配上相应和弦
下面从歌曲的第一小节开始,看看该小节里面哪几个音最多,哪几个音的时值最长,找出含有这几音最多的和弦作为该小节的和弦。比如对歌曲《九百九十九朵玫瑰》第一小节:该小节1和6就占了音数的一半,且加起来的时值最长,那么1和6是主要音,如果是C调的话,则可以配上Am和弦:,即A小调的主和弦。
要说明的一点是,确定和弦时,时值的长度要优先于音数的多少,这个道理是显面易见的。比如这样一个小节:|1--75|,7和5占了两个音,是否该配G和弦:呢?不是的,因为从时值上看仍然是1占得时间长,所以应配以含1的和弦,如C和弦:1、3、5等。
按照这个基本原则可以初步为所有小节确定和弦。
四、用和弦的倾向性优化和弦进行
通过上面两步,歌曲和弦的大致面貌已经出来了。但还不够,我们还要用和弦的倾向性来优化和弦的进行。首先,可以在全曲和乐句的终止的前使用属七和弦,以达到更加明确的终止效果。在歌曲的其它部位的主和弦前也可以用上属和弦和属七和弦。以C大调为例,在C前用上G或G7,可以达到完美的终止效果。
以上几步工作,其实就是将前面讲过的和弦基本体系运用到歌曲中去,使之能充分撑起整个歌曲的骨架,并且将各小节的血肉充实起来,完成整首歌曲的编配。
五、用副属和弦和离调和弦做修饰
以上几步的基础上我们还可以根据歌曲的具体情况,进一步用副属和弦和离调和弦进一步美化和声。比如在A弦前可以尝试使用E或E7和弦,很可能会有非常美妙的音响效果。但并不是所有歌曲都可以用副属和弦和离调和弦来修饰的,搞不好的话会有画蛇添足之嫌,要慎用。
六、前、间、尾奏设计
前奏、间奏、尾奏的设计对初学者而言较难,在这里就不再多说了,在以后专门对此作论述。

2022吉他教学——吉他爱好者录音知识大全


作为吉他爱好者,当你厌烦了反复倾听他人音乐想要尝试自己去模仿或是去创作音乐的时候,你就要去考虑去给自己搞个视频或者是给自己录音,关于视频我这里就不多费笔墨了,那么让我们来谈谈怎么去录音。在录音之前,我们肯定要做好一些准备工作。那么准备并顺利地完成这项工作呢?这就要看乐手与录音师之间的默契配合了。而对于那些从未进入过录音棚的新手来说,能实先清楚明了关于这方面的知识是很有必要的,希望能给广大吉他爱好者们一些帮助。
不过,在谈问题之前先给有意向的琴友们提个醒,假如你想录音的话,要先考虑两点:一是你的作品确实成熟吗?客观上认为有价值吗?二是了解一下你的钞票够录音的费用吗?
(一)下面我们先谈谈进录音棚前的要求。
1. 准备好你要录的作品,写好谱子,把重要的地方标好,吉他的Riff和贝斯的位置,还有鼓的节奏谱都要落实到谱面上,这样才准确。即兴的地方可以发挥一些,但决不要整首曲子只标上个和弦功能就想全凭即兴,这种做法是不可靠的,对于绝大多数乐手来说还不可能达到Metallica 那样炉火纯青,就是Metallica还需要谱子呢,全凭即兴Jimi。不用谱的人有两种,一种是凭感觉,凭侥幸;另一种是根本就不会记谱。这些问题在进录音棚之前都需要改进。
2.把每个细节都准确地落实到谱面上以后,再严格地反复排练,然后分组每两件乐器分别配合练习,特别是针对难点,直到准确为止,这样做就是为了节省租棚的时间。
3.准备一个小本子,做备忘录。将电吉他效果器几种需要的音色参数调好,存在用户这里,将编号与相适应的某首曲子记在备忘录上,以便快速查看。
4.给吉他,贝斯换一套新弦,这事要提前两天做,因为新弦容易跑弦,再准备几根一弦或一套新弦备用。
5.准备好没有杂音的连接线。
6.及可能用最好的乐器,假如乐手的乐器不够挡次可提前向朋友借用。
7.如果你需要自备吉他音箱,那么选用Mashall JCM900是最标准的,VS100 VS65也可以,Fender Crate Ranbal Peavey都很好。
8.了解一下你要去录音的录音棚以及设备的情况,不要只管设备的造价而不考虑型号,因为老型号设备虽然价格昂贵,但其性能却有可能不如新型号低档的好。如果你懂点这方面的知识更好,你可以具体地询问一下某些关键设备的技术参数。比如,数码录音的采样位数,调音台的信噪比以及话筒的频响范围,指向性,预衰减,低频滤波,灵敏度等效声电平,最大声压级等等。
9.进棚前要做好准备,进棚后要树立信心。
10.提前询问好一些有关注意事项和录音棚的规则。
(二)进棚后
如果你进棚前做好了充分准备,那么进棚后,你就按步骤要求去做就行了,和你平时演出基本上一样,放松发挥就行。其他的事项就是录音师和监制的事了,但是还是有几点是需要与录音师进行配合的。
1. 你必须首先向录音师介绍你们乐队的音乐风格特点,需要强调突出的东西,比较声音的干湿度,失真吉他 的硬度问题,这对录音师和监制更准确地把握你的音乐风格是很重要的。
2. 音箱的使用,录音时一般不用音箱内置的二级放大失真,因为由此产生很大的噪音是不好控制的,使用效果器除更大范围地扩展效果表现力外,还可以使用压限式噪声门,来消除不必要的杂音,使声音更具威力。

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