民谣吉他的演奏技巧都有哪些呢?下面我们一起来看看!
一、滑音
还记的圆滑音吗?圆滑音和装饰音的左手指击弦和钩弦使琴弦发出声音，在民谣吉他六线谱它们分别是用H和P来表示。
滑音是吉他上的一种弹奏技巧。滑音是左手指在同一根弦上由一个品位滑到另一个品位而使琴发出声音，不需要右手的参与。分为上行滑音和下行滑音。在吉他六线谱中用S表示。
弹奏方法：
滑音第一个音的左手指按好，右手拨出，然后不离开指板滑向下个音位，下行同样由第一个音滑向第二个音，也不离开指板。在弹奏时注意左手指要垂直按弦，滑行时手指不能松动，力度均匀适中，滑动平稳，同时还要注意左手拇指的放松。
二、止音
止音也叫着消音。在音乐表现上音可以分为圆滑的，和跳跃的。要出现跳跃的音符就需要将拨响的音止住。
有两种方法：
1.右手指拨完弦后再将拨弦的手指轻放在弦上，可以是同一拨弦的指也可以是其它手指。这样就将音止住。
2.右手拨完弦后将左手指微微抬起，注意左手指不可以离开弦，这样我们也可以把音止住。
三、拍弦
拍弦是右手食指、中指、无名指微微弯曲，力贯指尖拍打琴弦。注意食指、中指、无名指要并拢，这样手指就不会滑到琴弦下。
这是一段谱：
也可以右手握拳，用手指的第一指节去拍击琴弦。这是一种木吉他味道很浓的技巧。典型例子是田震的《干杯，朋友》。
四、制音
也叫闷音。分为右手制音和左手制音两种，用在Pick的演奏中。
左手制音是用左手指轻轻贴着琴弦，右手照常演奏。右手制音是用右手掌内侧轻压住靠近琴桥的弦，使弦不能完全振动发音。
这样可以发出沉重、郁闷的声音。注意不管是左手还是右手一定不可以将弦闷死，发不出音，也不能闷不住弦。
这是一段左手制音的谱，注意和切音不同：
五、推弦
左手拇指与食指轻轻夹住琴颈，按弦时装动手腕，琴弦因为弯曲后产生张力而音程增大。用在Pick吉他演奏中。分为半音推弦、1/4推弦;全音推弦;小三度推弦或小三度以上推弦。
六、揉弦
揉弦是为了改善音色用的。拨弦发音的同时，将左手指揉动，拇指放松依附于琴颈。四品和四品以下沿琴弦左右移动，振幅大。四品以上可以沿琴弦上下移动。在你需要的地方都加上，可以改善音色。注意左手指必须压紧，感到是指骨控制着揉弦。
希望对大家有用吧，不过一定要多多练习喔!
延伸阅读
我应该着重练些什么呢？和弦，音阶，还是歌曲？……
我身边有好多的教材、歌谱、练习曲，可每当我拿起吉他时总是不知所措，不知该练些什么…… "
这是一个时常会困扰着吉他初学者的问题，即使是一个有一定水平的吉他演奏着，有时也会遇到这样的情况。这是一种麻痹的，凝固的感觉，对我们的进步和提高来说是一个很大的障碍，我们必须想办法解决。这种感觉的出现是一个信号，它在告戒你，虽然你很努力的练习，但是你学习的方法存在问题。
探究事物的细节是一件艰难的事情，任何形式的学习都是这样。知道为什么会艰难吗？因为只有一个人才能使你坐下来，专心面对某一件具体的事情，不断的研究，不断的复习，制定目标，并且看到成功，那个人就是你自己。有些人在不知所措的时候，他不知道该如何面对和超越，他不知道在这个时候应该先停下来，思考，观察，分析，然后制订一个新的计划。
这其实就象是你正在走进你的房间，屋里乱的一塌糊涂，所有的东西被胡乱扔地到处都是，你必须把屋子收拾干净。你在一开始可能会出现这样的感觉：脏乱的情形使你心烦意乱，精神接近崩溃，还没干一会儿就感到疲惫了。但是你必须把这些事情都要干完，唯一的办法就是，先停下来，集中精力，好好想想应该如何去干，从哪里开始，然后是哪里，一次干好一件事，逐步完成。一旦你这样去考虑了，你的精神也就有了活力了。
当然这种集中精力思考的有效性是以你对全局有一个宏观的认识，并且知道自己所要达到的目的为前提的。如果你在收拾房间的时候，根本不知道什么东西该放在什么地方，那么你再集中精力思考，也不会有太大帮助。你必须实先决定好每件东西要放在哪里，然后再一样样摆好。这个做"决定"的部分对学生来说是困难的，因为他们不知道成为一个音乐家的过程，而无法下决定。他们不知道应该先练习什么，应该先掌握什么技巧，应该先达到什么目标。因此他们很容易被众多的教学资料弄的不知所措，买一本教材比从一本教材中真正学到东西要容易的多。
当然，指定正确的课程应该是老师的工作，但有许多的吉他爱好者是没有老师的，况且有很多的老师并不是很负责任的。你要抱有的最好的态度就是：依靠自己。即使你已经有一个很好的老师了，也不要放松自己对自己负责的态度，要学会自我控制，有条理性。你要明白的第一点就是，制订和履行你每天的练琴计划是你自己的职责。你需要努力，你需要把要做的事情写出来，然后照计划练，你需要尝试，你需要回顾一天的结果，然后根据结果来调整你的计划，以使你第二天的努力能更有效果。
在我多年的学琴过程中，我从来没有碰到过一个老师试图很有条理的来安排我的练习，我不得不自己来学着安排。我并不认为没有一个负责的老师是一件好事，我只是觉得很多吉他学生都会遇到同样的情况，我要告诉他们我当初所体验到的：如果没有一个笔记本，一个计划，一个目标等等，我就会象是在不知方向的海洋里游泳。当然，在最初你会感到很无助，你根本不知道从何开始或应该安排些什么。但要记住一点：任何计划都比没有计划好，因为你一旦有了开始，你就会知道如何改进你的计划，而没有计划、没有开始也就根本谈不上改进了。
我发现我只要把什么东西一写出来，马上就会感到冷静，并且能够控制自己的思绪了。
我记得有一次我向我父亲抱怨那些在学校所学的无用的课程，我对它们一点都不感兴趣，我父亲却说了一句对我很由影响的话，"什么课程并不重要，重要的是你在学习一种学习的方法。"他是对的，这对于人类来说是一个非常有用的技巧――学习的方法。在第一批买我的书的人中有一个退休教师，后来他和我联系要上课，当见面时我发现他把我的书给拆开了，说明的部分给钉在了一起，练习的部分给钉在了一起，并且在每一页上都写满了注释，显然他已经把我的书按照他的习惯重新规划了，以便对他来说能提高的更快。这是一个懂得学习方法的人的例子。
好了，现在停止说教，让我告诉你一些实际能用到的东西。是的，你必须在开始学吉他的时候就要树立一个目标，对于想成为不同类型吉他手（摇滚，古典，民谣，布鲁斯）的人来说，目标也是不一样的。下面我会列出我为我的学生树立的目标，并且希望他们尽快达到我的要求。
第一，我要所有的学生都要知道怎样正确地练习，没有这一项，我是不会开始让他们练东西的。
第二，在学生一开始的时候，就要通过正确的练习来培养一种意识，能够感觉自己手部的肌肉，让它们按着舒服的方向发展，一旦有别扭、紧张的感觉，就一定要调整过来，以免形成坏的习惯，因为坏习惯一旦形成就很难再纠正回来，将来它会对你的进步起到难以逾越的阻碍，而那时你自己可能根本就不会意识到。
第三，在学生将他们的手指训练正确后，也就是说能够以正确的指型按弦了，就该教他们一些吉他上最基本的东西了。我先让学生掌握第一把位的开放和弦，G，C，和D。学会怎样按它们，并学会怎样顺利地换和弦。然后尽快的把这些和弦运用到歌曲当中，我觉得这一点很重要，我也许在第二或第三节课就开始作这一步了。
尽早的接触歌曲对学吉他来说是很重要的，我在第二或第三节课就会让学生学习弹歌曲，我可能会让一个学生三个月之内都只练这一首歌，直到他能很熟练地从头弹到尾，这是一种纵向的发展。掌握一首歌后，我会让他们学习更多的同样简单的歌曲，建立自己的弹奏曲目集，这是一种横向的发展。 能够在和弦进行当中很平稳的扫弦是应最先掌握的技巧，它是一个吉他手迈向音乐演奏的第一步，一般的人所理解的吉他弹奏也就是这样的。对于有些人来说，能够弹奏旋律是件更美的事情，但在初学时它的技术难度更大些。
我为学生安排的歌曲都是他们非常喜欢的歌曲，我不管是什么歌，只要他们喜欢，只要他们的能力能达到。比如对于学摇滚电吉他的学生，我会选择“"Born To Be Wild"这样的歌，它有着很基本的开放式重力和弦。对这类学生，我会让他们先掌握这种和弦，然后才是民谣和弦，因为重力和弦会让他们更早的能够学习弹奏他们心里所喜欢的歌曲。
所以，前面这几个目标是：1.能够正确地练习；2.通过基础练习，建立正确的手部基础；3.通过简单的和弦进行和歌曲来提高对音乐的感觉，直到掌握几首歌之后，且学生在弹奏中没有任何的手部紧张。
学习弹吉他这样有复杂技巧的东西，它的过程不是完全直线性的。它并不象做某些事情那样"先做这个，完成后再做那个，完成后再开始做那个"，学习吉他的过程是个多线程的集合，几项事情同时发生、成熟，产生一个结果，那就是你成为了一个优秀的吉他手。就象是在做饭，你要做几道不同的菜，又要煮饭，又要做汤，每件事情都几乎同时开始同时进行，但你会合理的分配你的时间和注意力，所以一切都在控制之中，最后是同时被端上了饭桌。
我们安排各种不同的练习，目的就是要产生我们所希望的结果。不断的复习，不断的改进，在消耗我们的精力的同时，也要用头脑去思考。阅读所有有关学习吉他的素材，提出问题，用你所学到的东西和积累的经验为自己订制课程和练习计划。 在我们刚才说过的那几项之后，下来就是弹奏音阶，但要保证你的手指的每个细小的动作都已经做的正确了。
许多演奏者感到苦恼的是他们练习弹奏新音阶时进展总是很慢，那是因为他们的手和手指由于不正确的方法而给肌肉带来紧张和酸痛，使他们的手型也变形了，似乎是在挣扎着弹奏。弹奏一个音阶是由一系列复杂的手部动作组成的，你必须先细微的体会按每一个音的动作，然后再把他们连接起来形成连贯的动作。吉他上的音阶从某种角度来讲，要比其它许多乐器的音阶难的多，因为每个音都需要两只手的精密配合，而不是象钢琴那样，一个手指就能弹出一个音符。
对于喜欢布鲁斯/摇滚的电吉他学生，五声音阶是最开始应掌握的。我们可能花好几个月的时间来熟悉音阶指型和提高速度，同时我们也会学习弹奏一些基本的摇滚licks，还有学习如何推弦。我会给学生一些我用他们所学会的licks写出的solo，这还是体现了那个教学的中心：学新内容，然后应用。对于新学的东西，在没有完全掌握时不要把它放下，至少要达到在一个很慢的速度下弹奏不出现错误。对于一个摇滚吉他手或其他类的即兴吉他手，不断的学习大师们的solo是很重要的。还要经常和其他人一起演奏，在练习时使用伴奏带，因为在这些时候，你所学的音阶和licks都能得到实际的应用。
对于初学者来说，一定要记住这点：不要一下子练好多歌曲，而每一首你都弹不完整，都不能象真正的音乐那样在一个平稳的节奏下弹奏出来。这样的人就说明他是不懂得练习方法的。号称自己会弹一百首歌曲，可每首歌都只会弹一小段，这样是没有多大帮助的。不要从一件没作完的事情跳到另外一件事上，这样的话你哪一首歌都不会弹好。也不要让老师催促着你学完一首歌曲，你一定要自己来决定结果，否则就换个老师。
大部分吉他初学者，即便是刚刚吉他入门的一部分人，在吉他教学课上经常会遇到一个很棘手的问题，左手按和弦总是出错，要不就是按起来特别困难，那左手按弦究竟有没有什么特殊的技巧呢?请大家接着往下看。
横按其实并不难，反复练习抓要点。
拇指中指对准按，左臂放松立手腕。
食指横按当弦枕，平直用力能按紧。
指侧按弦用力少，弹响琴弦才算好。
其余各指垂直按，练好一把是关键。
F和弦能横按， 其它横按全过关。
开动脑筋加勤练，横按和弦不再难。
还有就是你说你在和弦弹奏时连贯不起来，这主要是你在换和弦时不能将时值弹准的原因，要解决这个问题，只要你在进行和弦转换时采用“保留指”的方法就能轻松得到解决，即在从一个和弦向另一个和弦转换时，如果它们有一个共同的手指是在同一根琴弦上的，那这个手指就不要离开琴弦，然后以这个手指作为支点，这样转换和弦就会既快又准了，而且弹奏也不会连不起来了。如果，在转换和弦时没有“保留指”，那就应该先弹哪根弦就先按哪根弦，好了，就先给你说到这儿，希望对你有帮助。
何谓正确的slapping奏法是没有定论的，看每一个人slap都会有些许的差别，真要解释起来恐怕要花一大篇。所以，我想先提出两个基本原则，你可以试着对照自己的演奏方式，看看是不是能有所改进。
1）转动手腕整只右手是放松的，slap的动作借着转动右手手腕来执行，而不是像民谣吉他初学时那样以手肘为轴的摆动。请注意：摆动跟转动是不一样的，用文字形容还不如实际观察来得直接，所以请你能有机会就多注意其它人是怎么做的。其实转动手腕的概念在刷吉他的节奏时也是一项重要的原则，请看LeeRitenour或PaulJacksonJr.便知.
2）下好离手一旦你的拇指击中弦后，务必要让弦能继续的震动（才会有声音嘛）；亦即.要将拇指移离敲击的那弦。在此，怎么移开大致分两个方向：
a.击弦后，大拇指继续向下移动，停在次弦上：假设你敲的是A弦，那么在敲完后，顺势将拇指停在D弦上。
b.击弦后，大拇指转回原位，准备下一次的敲击。这两种方式的声音略有不同，但是都应该试一试。
另外，你可以试试看不要只是敲击指版末端这个公认的位置，可以敲拾音器上，琴桥前，任何地方。你也可以试着用鼓棒、铅笔、苹果、萝卜、汤匙等不同材质的物品去击弦，试着抓出那种打了就跑的感觉。
如果这些有点奇怪的方法（请见鸣濑喜博的教学带及大事manband、黄韵玲的四手连弹、Soundgarden的Spoonman等演出）都能成功的发出击弦音，那么你应该已能正确的掌握击弦的概念了.
我个人非常看重一个乐手的即兴演奏能力，我认为即兴演奏直接反映了乐手本身的素质。
作为一个优秀的乐手仅仅拥有技术是远远不够的，我当初学琴的时候，听过这样一句话：“一个好的乐手，一般要经过三个阶段，一是速度，二是和声，三是旋律。”
也许这句话不够全面，但是它的确是有一定的道理的。
先说速度，速度其实就是你的基本功和各种技术在乐器上的一个体现，换句话说，速度其实是你作为一个合格乐手的基本条件。但是现在很多人舍本求末，反而把速度和技巧作为衡量乐手水平的唯一标准，这显然是很可悲的。
和声是音乐里的一个非常重要的表现手段，你对和声的掌握程度和熟练程度，直接影响你对音乐的理解，指导你演奏的每一个音符。一个真正的演奏家，对于音符的挑选是十分苛刻的。
旋律实际是说你的创作，一个优秀的乐手，是不可能总是拷贝别人的作品，而没有一点自我的创造性的。人类之所以发展到今天，就是因为人类的创造性，音乐也是如此。如果没有了自我的创造性，你拷贝别人的作品，拷贝的再怎么好，那也是别人的东西，不是属于你的东西，这样的乐手我们只能称之为琴匠，而永远不能成为音乐家和演奏家.
废话说了这么多，也打了半天字了，下面说说我对即兴演奏的一点经验和认识，希望大家跟帖说明自己的体会。
即兴演奏的方法一般有三种，一是根据和弦内音来演奏，二是根据和弦相关的各种调式音阶来演奏，三是把二者结合起来，灵活应用来演奏。
我们在做一段即兴演奏之前，首先要做的就是分析和弦，明确调性，为你的即兴演奏做个大概的准备。怎么样在有限的和声，节奏，小节里面，把你的想法说清楚，让听者明白你所要反映的情绪，并被你所感染，这是即兴演奏成功与否的一个标准。
一个优秀的演奏家是可以用他的演奏控制你的呼吸的。这就是心与心的交流，实际上，音乐是有这个功能的。
即兴的原则和技巧，有很多，但是也离不开这些基本的法则，音乐其实是一种高于语言的一种艺术形式，我们先把即兴演奏当作一种心灵的语言去理解。
写这个其实是想纠正一个观念，现在太多的年轻人对即兴演奏的理解有偏差，甚至就是错误的，很多人把即兴作为自己弹错的借口，似乎即兴就是乱弹，这是极其错误的。
一直想写个关与即兴演奏的东西，但是没考虑到篇幅的问题。写起来才发现，即兴演奏这个话题不好讲，牵扯的东西太多，不是一两句话可以说清楚的。我这里还无法上传谱例和音频，只能用文字来说明，希望大家都可以理解，从中间借鉴到一点东西，也希望大家把自己的理解写出来，我们做个交流。
即兴演奏其实就是一种即兴的创作，我个人认为现代音乐的灵魂其实也就是即兴演奏，我们听到的很多流行音乐里的器乐solo，有60%是乐手根据音乐来即兴演奏的，除非是编曲者事先写好一段solo，但是一般的编曲者是不会这样做的，因为这要求编曲者对每样乐器都要精通，这显然是很少见的。尤其在blues,jazz,fusion这些音乐形式里面，很多器乐的solo部分是只有和声，没有旋律的，或者是有旋律主题，但是没有发展的，甚至很多音乐直接就是无主题的，如果一个乐手没有即兴演奏的能力，我看他是不适合做这些音乐的。
现代音乐之所以迷人，魅力就在与此，因为即兴演奏让乐手可以充分的表达自己的感情和想法，每一个乐手都是即兴创作的大师，而你在即兴演奏的同时，你自身也从音乐中得到了最大的回报，那就是心灵和音乐的一种融会。而古典音乐今天的没落，我想跟这个有很大的关系。即兴演奏实际上是人性化在音乐中的一个具体体现，关于这一点，我们以后可以专门说明，对此有兴趣的朋友，也欢迎大家到我的琴行，大家一起探讨。
即兴演奏的法则我大概归纳了一下，我从下面几个方面来一一说明。
一，听背景音乐，酝酿你即将开始的即兴演奏。
我们要做一段即兴演奏的时候，最好是先听音乐，对音乐的和声走向，节奏，韵律先有一个听觉上的印象，为你的即兴演奏做个准备工作，比如C,Am,F,G这个进行，我们可以先听4小节或者8小节，在这4---8小节之间，给你的即兴演奏打一个草稿。
二，划分乐段，确定乐句。
乐句是音乐的基本形式，一般两小节一句，或者一小节，三小节一句的都有，你要根据具体情况来确定自己的乐句，由乐句组成乐段，两句一段或者四句一段，有时候也会有三句一段或者五句一段的。这些工作基本上可以在你的准备工作中完成。我们一般听到的音乐有这样几种形式，A----B---,A----B------A-----,A----B------C------A----,A---B-----A-----C----,等等，大家平时多注意，应该可以发现更多，我在这不一一列举。
三，塑造音乐形象，确定你的音乐主题。
我们听音乐是需要有一个主题的，你主要在这8小节里反映什么内容，表达什么思想，这就是我们要做的事情。当然也有主题不明确的，但是音乐的整体形象是要有的，在这8小节或者16小节中完成一个基本的音乐形象，然后在下一个乐段深化发展你的音乐形象或者主题，一般要经过第一主题，第二主题，发展变奏，深化主题，主题再现等，这是个大的框架，但是具体运用要根据音乐的具体情况来分析，不能死套公式，因为即兴演奏给你的思考时间是很短的。
四，用你的音乐语言，抓住听者的耳朵。
一段精彩的即兴演奏是会让人激动不已，而且久久回味的。当然这些是需要一定的技巧的，首先，你要注意对比，音符的稠密，高低音的起伏，旋律线的清晰会直接影响你这段演奏的情绪，而你的情绪会感染到你的听众，我们经常说，要想感动别人先得感动自己。这是个长期的问题，你要对c,d,e,f,g,a,b这七个音符了如指掌，明白他们各自在调式中的主属作用及功能，熟悉他们每个音符的情绪和脾气，你得跟他们成为非常好的朋友，他们才会帮你说话：）
五，学会思考。
这里说学会思考的意思是说，我们在做即兴演奏的时候，必须要清楚你所演奏的每一个音符，所使用的每一个技巧，使你的演奏是经过大脑思考得来的，而不仅仅是你手上演奏的一个习惯，也就是所谓的“手癖”。作为一个真正的演奏家，他所使用的每一个音符都是经过筛选的，这个音符从哪里来，到哪里去，为什么要使用这个技巧，都是必须交代清楚的。高手和庸手的区别之一就在于你弹琴的时候，是你的手服从你的大脑？还是你的大脑盲目的跟着你的手走了？
我们知道，即兴演奏所给你思考音符，构思乐句的时间是不多的，往往就在一小节甚至一拍之间，你就要想清楚你要怎么表达自己，所以你必须提前一小节，或者几小节，就要把你下一个小节，或者下一个乐段要弹的东西考虑清楚，有个基本的框架。
六，不要说废话，学会适当的沉默。
这个意思是说，如果你实在不清楚你应该弹什么的时候，那么你可以选择少弹或者不弹。
这就好比说话，在你不知道说什么话比较好的时候，你最好是不说或者少说，这样做比你漫无目的的胡说要好的多。有些时候，沉默也是一种表达方式。
七，听觉表情。
每一件乐器都有她独特的演奏技巧，每一个技巧其实都是人性化在乐器上的一种延伸。以电吉他演奏中最重要的技巧之一推弦来说，同样的音符，但是推弦的方法，时值不同，她所体现出来的情绪也是不同的。我们经常说，听到琴声就可以看到演奏者的表情，就是这个意思。推弦的表情是最丰富的，我们应该注意演奏技巧的运用，所带给听者的听觉表情。
八，呼吸。
呼吸是人类最重要也是人类最容易忽视的一个生理现象。我们大家谁也不会注意自己的呼吸，因为这实在是太平常了，可是如果呼吸出了问题，你的生命也就出了问题了。
音乐的呼吸也是如此。学会掌握音乐的呼吸，最终能够控制音乐的呼吸，从而感染听者，让听者跟着你的呼吸来呼吸。这是即兴演奏的最高境界。首先你要先学会去感受音乐的呼吸，注意休止，切分，顿音，延长音的使用，注意你的呼吸跟你所演奏音乐的关系，注意你所演奏音乐的呼吸跟你的呼吸是否融合，并试着把你所演奏的乐句唱出来并一起演奏出来，最终达到真正的“人琴合一”。
九，不要怕弹错。
不要怕弹错，即兴演奏就是即兴创作。即使大师们在做即兴演奏的时候也是会有可能弹错的。弹错了也没关系，也别慌，当你知道自己弹错了，反而是一个进步。有时候，这个错音反而会出现一种你意想不到的特殊效果。
暂时先写这些，基本上也就是这些法则了。其实说的再多也不如多做练习的好，理论必须联系实践，我们有了这些即兴演奏的理论依据，下面就要在实践中去体会，运用他们，把这些死板的理论依据灵活运用，让你的琴声跟你的呼吸同步，最终创造出属于你自己的，精彩的即兴演奏！
(一)歌唱的姿势
歌唱的姿势分站立式和坐式。
一. 站立式：
练习歌唱，首先要有正确的站立姿势。正确的站立式是正确呼吸与正确发声的基础。但它又很容易被初学者忽视。比如：有人在呼气发声前为了放松，而全身向下坠着，造成胸部塌陷，腹部凸出；另外，有的人在歌唱时站姿为"稍息"式。这些其实并不是唱歌时需要的放松，它并不是一种自然、积极、精神饱满的歌唱状态，反而使歌唱者处于一种松垮、拖拉的状态，试问又怎么能热情地去歌唱呢?再比如：有的人歌唱时低头看谱，这样不仅压迫了胸部，而且使颈椎不能伸展。要知道，歌唱时诸如夹肩、凹胸、挺肚、伸脖、歪头、眼望天等的形态和习惯，都会直接影响发声各器官的功能及各器官间的协调，从而导致错误的发声。
正确的站立姿势应是： 身体自然站立，精神饱满，情绪积极，胸部自然挺起，小腹收缩；双足稍分开呈八字形或一前一后，距离约与肩同宽；重心略向前，颈椎与腰椎伸展； 额头稍向前倾，下巴放松并略向后收，两眼平视；双肩放下并微向后张，脸部肌肉不要紧张；要感觉小腹与眉心仿佛成一直线，尽量解除一切不必要的紧张状态。如果你重视歌唱时正确的站立姿势，并认真去做，定会受益匪浅。
二. 坐 式：
坐着歌唱时，上身的姿势与站立时的要求一样，但注意腰部要挺直，不要靠在椅背上，两腿自然弯曲、分开，两脚落地。两腿不要交叉叠起，否则会影响气息的通畅。看谱歌唱时，要求两手拿着乐谱视唱。划拍时，左手持谱，右手轻轻划拍。
总之，歌唱时姿势要正确、自然、美观，以不妨碍整个发声器官的正常活动及有利于歌唱为标准。
(二) 歌唱的呼吸
呼吸是歌唱的原动力。人在平静时，吸气与呼气的时间大体上相等，吸气量小。在说话时也是随时将气息消耗掉。但在歌唱时，呼气的时间要比吸气的时间长得多，所以吸气一定要饱满。在歌唱时，呼气要尽可能地保持长一些时间，气息均匀、平稳地流出，使气息化为声音，并能达到自如地控制声音的强、弱、长、短的目的。
古人云"善歌者必先调其气"，当今中外歌唱表演艺术家也都非常重视歌唱的呼吸。有人称"歌唱艺术就是呼吸的艺术"，此提法虽有些片面，但却说明呼吸在歌唱中的重要性。歌唱时的呼吸与平时的呼吸有很大的区别，它是一种特殊的呼吸方式。
一、怎样吸气：
歌唱吸气时，要求用口、鼻同时吸气，到肺叶底部。以心窝下的腹壁为中心，胸腔下部四周向外扩张(两肋感觉明显)，横膈下降，胸腔底部向下伸展，整个胸腔扩大，小腹收缩。歌唱时的吸气比平日下意识的吸气其程度加深了，横膈膜下降和胸腔的扩张，造成吸气量增大。这样，就使横膈膜掌握了呼吸的主动权，并和腹肌共同完成控制气息的任务。这是一种有意识的、积极主动的吸气。
二、怎样呼气：
呼气发声时，必须保持吸气时的状态。由于呼气开始时，肋骨本身的重量和横膈膜回升的弹力，都在帮助呼气肌肉群作压缩运动，如果发声时，吸气肌肉群突然放松，那么气立即就泄掉了，发出的声音就失去气息的支持了。学员经常感觉唱歌时气息不够用，主要就是由于这个原因。因此，歌唱发声时，要保持住吸气时的状态，即保持胸腔四周与横膈膜的扩张状态，以后腰为基点，支持歌唱发声，感到声音好象"落"在气上，由气"托"着，或者说声音唱在"气"上。同时，要保持微微挺胸(平时呼气时是塌下的)，小腹为了保持肋骨的扩张和胸部的微挺状态而收紧。在呼气肌肉群毫不放松的情况下，让气息缓慢、均匀而又有节制地呼出。由于呼气肌肉群和吸气肌肉群始终在同时工作，即产生对抗，形成一种歌唱的气势，造成胸内有压力的气柱，使呼出的气息具有一定的力度，亦使发出的声音具有力的素质，这就是常说的有控制的发声，我们把歌唱时的呼吸法为胸腹联合呼吸法
三、要注意的问题：
如果吸气时肩部耸起，即锁骨明显上移，则只能利用较少的肌肉上提肋骨来扩展胸廓，吸气量很小，得不到横膈膜的强有力的支持，只能借助于颈部的肌肉等来帮忙，极大地影响了音质，造成气流不畅、声音发抖、不能聚拢，常造成脸红脖子粗的现象。长期这样唱歌，会过渡疲劳，引起上胸的疾病，这种呼吸法因而不能为歌唱所用，我们称它为浅呼吸法。当我们在运用胸腹联合呼吸法时，不可将气吸得过于饱满，以免造成肌肉过份紧张和使声音失去弹性，从而干扰发声，呼气发声时，应注意避免控制得过死，而把气闷住，因此，应该在不断的呼吸与发声的训练中去体会吸气与控制气息的适度感，使发出的声音均匀、平稳、流畅和持久。
最新更新 更多 +