吉他教学里，有很多种练习的方法，而音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法，而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。任何联系方法的关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己，要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
1、如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
2、每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
3、弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
4、交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
5、使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
6、试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看!)。
7、试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
8、倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
9、运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
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吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。
古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。
从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。
从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。
吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。
古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。
从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。
从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。
我下面列出的许多技巧、方法和理论是建立在我从一些非常慷慨的，愿意分享他们心得的朋友那里学来的东西的基础上的，与吉他教学教材没有任何关系。我描述的技巧只是实现目的的方法之一;正确的方法并不存在，只是有些方法比其他的简便、快捷。学会技巧背后的理论比学习技巧本身更重要。了解理论可以使你明白吉他安装的方方面面的基础，使他们不再那么神秘。一旦你学会了你正试着学习的(理论)，你可以直接或者灵活的运用相应的各种技巧来完成每个工作。
下面的讨论严格适用于钢弦声学吉他，基础理论同样适用于古典吉他和电吉他，也同样可以用在各种有品的弦乐器。调整的四个步骤：
这里有且只有四条最基本的、广泛影响到吉他演奏能力的调整技巧。分列如下：调整琴颈钢筋力量;调整鞍部弦的高度;调整螺母处弦的高度;调整声调(音准)。这四条就是我所说的“吉他的基础调整”。与“修理”对比，修理是可能会用在某个特定的乐器上，使之发挥最大演奏能力的工作;调整则是每把吉他至少都要用到一次的工作。只有极少数的制造商会用足够的时间去做这些调整工作。就算制造商做了，那些调整仍然是十分平庸并且面向大众的，不是为你度身定制。
琴颈曲度：
单纯的就吉他的基本力学原理来说，吉他的琴身机械的放大弦的震动。弦的震动是由首先使之由静止状态的位置产生位移——假定它在拉力下保持静止——然后释放它产生的。弦的弹性和作用在其上的外力使它向与平衡位置相对的几乎等位移处运动。由于每次震动的能量损失，弦的振幅逐渐减小(“衰减”)。弦震动的基本形状是由弦根部起始，在弦中部振幅最大，并在弦的另一端停止，振幅随时间逐渐减小(衰减)的浅曲线。(空弦)弦的两端没有任何位移，而12品处位移最大。为了给弦的震动提供空间，有两个选择：或者提升弦的高度(也就是“action”)确保弦的震动不会碰到品，或者使品连成的表面适合弦震动的形状。弦的高度可以用后者达到最小，也就是减小弦与品的距离，使吉他容易弹奏。
事实上，使品丝顶端连成的平面有适合琴弦震动的曲度也就是让琴颈有一个小曲度。琴颈曲度的大小由几个因素共同决定，包括琴弦高度，琴弦振幅。如果琴弦高度足够，那么不需要琴颈曲度;当然那样会影响手感。琴弦的振幅由张力，琴弦材料和初始位移(拨弦的力度)决定。琴弦降音会比标准音振幅大，同是标准音张力小的会比张力大的振幅大，拨弦力度越大振幅越大。所以，琴颈曲度的大小并没有固定的标准，因为不同的演奏者、琴弦需要不同的曲度。(请参考IBANEZ的调整 中的介绍)
对于琴颈装有钢筋的吉他，调整琴颈曲度是很容易的。装有钢筋的琴颈基本原理都是一样的。(转述)由指板正面观察，钢筋两端拉紧琴颈，则琴颈中间向观察点突起，反之内凹(如果去掉钢筋，琴颈自然曲度会是琴颈中部向观察点内凹)。(装有两根钢筋的是什么作用：以super wizard为例，由于这种琴颈由三片木头粘合，并且很薄，琴颈自然曲度的力量不足以应付钢筋的控制，增加的一跟钢筋用于增强木材的力量，另外琴颈自然曲度对木材有严格的要求，这种设计可以降低这种要求，同时由于是两根钢筋相互作用，可调性、稳定性更好，受气候影响比较小。 一跟钢筋的琴颈是钢筋与木材作用，两根钢筋则是钢筋相互作用，然后他们的形变作用于木材) (看着头疼?呵呵，我也是)
调整钢筋的地方在琴头或者木吉他音孔内的都有。在琴头一般是被一个小塑料片盖住，在音孔内则大多裸露在腔体内琴身与琴颈结合处的加强筋上。调整的工具一般是标准六棱扳子或者其他专用的工具(随琴赠送)。需要补充的是，品丝顶端有时候并不在一个平滑变化的面上。从琴枕向音孔观察，可能会发现有些品安装不到位。常见的毛病是木吉他琴颈与琴身结合处的品隆起一点。这种情况打品没办法用调整琴颈曲度避免。没有调整钢筋的吉他咋办?拆掉品丝，用外力强制改变琴颈曲度，这可能需要很牛叉的技术，这里不作讨论……
必须弄明白琴颈曲度跟琴弦高度的关系。琴颈曲度越大，高把位琴弦距离指板距离越大，所以琴颈曲度并不是越大越好，适度即可，否则会很影响演奏。(还要深究?琴颈只是琴弦震动区域的一部分，当然琴身那部分不需要有曲度，但是必须保证琴颈与琴身接合在一个平面上，也就是说假定指板是平的，那么通过调整琴桥必须有一个位置让琴弦跟指板平行。换个说法，以琴身表面为基准，第23个品丝不能高于前面任何一个品丝，从琴正面观察，假设指板是水平的，琴颈宁可有一点点前倾，但是绝对不能后仰)
还记得吉他入门之前，刚学木吉它的时候，这一路走来，曾走了不少弯路，今天拿起了木吉他，感想颇多，顺便就给初学者们一些建议吧，希望你们不要重复我以前走过的弯路，祝福各位初学者们，吉他之路，一路顺风。
要说初学民谣琴，最大的槛儿恐怕就是换和弦了。这是个比较要命的，怎么着也出不来。有时教身边朋友弹琴也会觉得这个槛儿是很难迈。后来我研究了很长时间，总算有点小成果，身边朋友我教得最快的半个月就会换了。拿出来给朋友们分享一下。
首先要打破一个陈旧的观念：说“初学每天不必练很长时间，半小时就够!”也就是这个观念，让许多人都卡在和弦关里出不来。因为初学者手上缺少感觉，同时手指力量也缺乏，要尽快改变这一不良状态，最好的办法就是天天摸琴，甚至于抱着吉他睡觉，我称他是培养感觉。手指力量的训练，唯一的办法就是天天按和弦，爬格子。
比如爬格子，首先必须保证手型正确(老师肯定教过)的前提下，保证每个音都出来的扎实，也就是说你手指必须使得上劲，而且这个音要一直秩序发音，直到下一个音符来临。这是非常有用的锻炼手指力量的办法。前提是你一定要达到我前面所讲的要求。
关键是和弦转换了，同样的，关键也是力量。你平常反正也在练右手的53231323，加个左手按个C和弦不是事半功倍?一个人有没好好练，一看就看得出来，我就不信你一直按住一个C和弦不放，右手弹他50遍53231323，隔五分钟就练一次，就这样练一天肯定能够培养手型。等下回你再按C和弦的时候还需要一个手指一个手指往上扳?同样道理，你再按住其他和弦这样练，我保证不出一个礼拜，你除了大横按，别的和弦按起来已经很轻松了。
另外说到C调大横按，大家肯定第一反映就是“F”，我的天，好难啊。如果你有心的话，注意一下，F和弦其实是有四个手指按，中、无名、小指已经分别按住了3、4、5弦。你的食指其实只要同时用根部(斜一点)按住1、2弦，上面的6弦只要轻轻一钩就好了。是不是轻松多了呢?
换和弦，再没有做好上面的工作(F除外)之前，不要练换和弦。换和弦有个顺序，一定要从易到难。我安排了这样一个顺序：1、C-Am循环(只要动一个手指)2、Am-Em循环(手型没变，动一动上下，加个食指就好了)3、Am-Dm-Em-Am循环(有了前面的基础，加个Dm应该已经不算难了)4、C-Am-Dm-G循环(难度越来越大罗，不过相信你前面已经练的差不多了，这个肯定能下来)5、C-Am-F-G循环(最后冲刺一下，大功告成!)再练下一条前，一定要保证能够流畅地换前面的一条。同时对下一条的新和弦进行“按住50遍”的练习。
最后再重申一遍，越是初学，越要勤奋练习，每天半小时的观念，个人不赞同!
何谓正确的slapping奏法是没有定论的，看每一个人slap都会有些许的差别，真要解释起来恐怕要花一大篇。所以，我想先提出两个基本原则，你可以试着对照自己的演奏方式，看看是不是能有所改进。
1）转动手腕整只右手是放松的，slap的动作借着转动右手手腕来执行，而不是像民谣吉他初学时那样以手肘为轴的摆动。请注意：摆动跟转动是不一样的，用文字形容还不如实际观察来得直接，所以请你能有机会就多注意其它人是怎么做的。其实转动手腕的概念在刷吉他的节奏时也是一项重要的原则，请看LeeRitenour或PaulJacksonJr.便知.
2）下好离手一旦你的拇指击中弦后，务必要让弦能继续的震动（才会有声音嘛）；亦即.要将拇指移离敲击的那弦。在此，怎么移开大致分两个方向：
a.击弦后，大拇指继续向下移动，停在次弦上：假设你敲的是A弦，那么在敲完后，顺势将拇指停在D弦上。
b.击弦后，大拇指转回原位，准备下一次的敲击。这两种方式的声音略有不同，但是都应该试一试。
另外，你可以试试看不要只是敲击指版末端这个公认的位置，可以敲拾音器上，琴桥前，任何地方。你也可以试着用鼓棒、铅笔、苹果、萝卜、汤匙等不同材质的物品去击弦，试着抓出那种打了就跑的感觉。
如果这些有点奇怪的方法（请见鸣濑喜博的教学带及大事manband、黄韵玲的四手连弹、Soundgarden的Spoonman等演出）都能成功的发出击弦音，那么你应该已能正确的掌握击弦的概念了.
一个吉他爱好者从开始接触吉他，到吉他入门，再到以后的各个水平，这样一路走来，过程是比较漫长的，但是在这个过程中更多的应该是收获和喜悦。就拿扒歌来说吧，到了一定的水平，你可能对扒歌就有了很大的兴趣，并且极其渴望能扒出自己满意的歌曲。吉他教学都会有所涉猎，在这里也为大家谈谈扒歌的方法吧!
首先﹐扒歌一定要把你的吉它调好音﹐且不论你的吉它是否标准音﹐如果你连这个也没有把握做到的话﹐那你还是再努力练习多些日子吧﹗你最好能找到这首歌的简谱，或者和弦，这可是帮你很大的忙呀﹗都没有找到﹐自己动手丰衣足食了﹗这时你最好能把你吉它调成标准音﹐这样有助于你扒简谱。常常有些朋友说“我对扒调子感到无从下手呀!”这里我教你一个最最通俗的方法：把歌的前面两句哼一下，再以你平时掌握的音阶弹两下，不就知道吗﹗简谱有了那一切就比较好办了﹐我们可以先别急着扒歌﹐利用简谱自己先来配和弦。这可是很可能你将来能变成高手的路哦﹗而且这样也会省不小的工夫。能把这些都做好了接下来就简单了。讲到这我要强调一点就是：大多数吉它爱好者扒歌不必也没必要把歌一音不漏地扒出来，作为业余爱好者能拿着吉它弹唱对于自己或是别人来说都已经是很满足的了，别一定要把自己训练成高手才罢休啊﹗记得刘传的书曾经有一句这样的话“喜欢足球的人不一定能踢得很好”很多人就太执着,到后来也不是一场空﹗和弦配好了扒歌起来自然得心应手了，这也没什么好方法还是看大家的听力了。
前奏、间奏、尾奏作为扒歌者，就是去听除主旋律外的伴奏音。但是往往有钗h因素影响着我们大家，特别是主旋律了。所以利用好前奏和尾奏的伴奏音是有相当的份量的。那尾奏呢?尾奏也是同样，不过以我个经验得出，现代流行歌曲特别是摇滚乐，在结尾部份通常加入某些不协调的和弦和不同的伴奏指法以加强歌曲的回响感觉，这点我们一定在多加注意喔﹗
我个人意见来说，扒歌扒得好与不好除了大家的乐感以外还有一个重要的因素，你的音频器材。试想一下如果你听的音乐好象隔了一层雾的﹐调子又不一样﹐你能扒得出来吗﹖所以要求大家选择的音频器材要好一点是必要的。我比较推荐用磁带来扒歌﹐因为倒带起来很方便。不过要提醒大家一句﹕经常扒歌会令你的心爱WALKMEN等等这些寿命短一大节啊!同时有些机子的转速是不一样的﹐这会导致我们听起来的调就不同。当我们扒一些比较吵杂的歌时(而致使你想扒的那种乐器很难听出来时)﹐这时我们就要很好地利用好和弦了﹐毕竟任何的歌曲在编配方面都是从和弦音作为出发点的﹗这是很重要的啊﹗
还有一个我个人的技巧﹕一般歌曲的BASS吉它声音是比较小﹐更有些歌是很难听出来﹐自己配又好象没有原味感觉。如果你的CD机或WALKMEN是高等贷的话﹐那它一定会带有“超重低音”的选择弁鄋满M这时我们把它打开﹐BASS音就会清澈了钗h﹐但是对于扒歌来说还是远远未能是最好。我们再加接一台巧阋驉M﹐再把低音选择调至适度(注意不要太大声否则耳机会出现刺耳的声音)听双重BASS﹗快点试一下吧，如果你有更好办法请和大家一起来分享啦﹗
还有就是﹐扒歌时有个重要的敌人。当然就是自己了﹐你的“习惯动作”，不论是你﹐是我﹐是他﹐每一个人都有自己的做事的动作特点。自然弹吉它也不例外。我们观察刘传写的书时他的很多歌的节奏都是相同的﹐其实这并不是这些歌的节奏都是这样子﹐只是他在编配歌时习惯性用自己的节奏加以编配而已。大家看得出来吗﹖当我们听那些创作型歌手的一张张专缉时﹐歌曲节奏型和技巧有很多相同﹐当中其实就是这个原因了。所以总有人说扒歌能学到很多技巧是有其中的道理的。扒歌其实就是学别人弹吉它的动作。了解了这一点后﹐我们以后扒歌时就要多加注意了。
扒歌不应是一个一个音地听﹐而是尽可能一小节一小节地听﹐去记﹗ 作为业余的音乐爱好者掌握的音乐知识是有限的﹐扒起歌来自自然然就会精神高度地集中﹐这样会使你很快出现疲劳﹐出现这种情形时也不必勉强了自己了﹐停下来休息片刻吧﹗头脑清醒音才会听得准﹗
扒带初学者忌﹕
一, 心浮气燥﹐急于求成。 刚开始学扒带时﹐切忌用比较复杂的歌曲﹐如﹕摇滚的。易用曲中吉它音明显(最好是全部是)。
二﹑未定标准调。这是初学者普遍的问题﹐如果吉它未定标准调﹐那么在扒带时﹐是无法按歌曲中的贝司音找对和弦的﹐定标准调的方法很多﹐可用口琴定调﹐比如﹕口琴的“do”音对应吉它五弦的三品音色。对好之后﹐其余的弦即可按一般调弦的方法进行调配。
我个人非常看重一个乐手的即兴演奏能力，我认为即兴演奏直接反映了乐手本身的素质。
作为一个优秀的乐手仅仅拥有技术是远远不够的，我当初学琴的时候，听过这样一句话：“一个好的乐手，一般要经过三个阶段，一是速度，二是和声，三是旋律。”
也许这句话不够全面，但是它的确是有一定的道理的。
先说速度，速度其实就是你的基本功和各种技术在乐器上的一个体现，换句话说，速度其实是你作为一个合格乐手的基本条件。但是现在很多人舍本求末，反而把速度和技巧作为衡量乐手水平的唯一标准，这显然是很可悲的。
和声是音乐里的一个非常重要的表现手段，你对和声的掌握程度和熟练程度，直接影响你对音乐的理解，指导你演奏的每一个音符。一个真正的演奏家，对于音符的挑选是十分苛刻的。
旋律实际是说你的创作，一个优秀的乐手，是不可能总是拷贝别人的作品，而没有一点自我的创造性的。人类之所以发展到今天，就是因为人类的创造性，音乐也是如此。如果没有了自我的创造性，你拷贝别人的作品，拷贝的再怎么好，那也是别人的东西，不是属于你的东西，这样的乐手我们只能称之为琴匠，而永远不能成为音乐家和演奏家.
废话说了这么多，也打了半天字了，下面说说我对即兴演奏的一点经验和认识，希望大家跟帖说明自己的体会。
即兴演奏的方法一般有三种，一是根据和弦内音来演奏，二是根据和弦相关的各种调式音阶来演奏，三是把二者结合起来，灵活应用来演奏。
我们在做一段即兴演奏之前，首先要做的就是分析和弦，明确调性，为你的即兴演奏做个大概的准备。怎么样在有限的和声，节奏，小节里面，把你的想法说清楚，让听者明白你所要反映的情绪，并被你所感染，这是即兴演奏成功与否的一个标准。
一个优秀的演奏家是可以用他的演奏控制你的呼吸的。这就是心与心的交流，实际上，音乐是有这个功能的。
即兴的原则和技巧，有很多，但是也离不开这些基本的法则，音乐其实是一种高于语言的一种艺术形式，我们先把即兴演奏当作一种心灵的语言去理解。
写这个其实是想纠正一个观念，现在太多的年轻人对即兴演奏的理解有偏差，甚至就是错误的，很多人把即兴作为自己弹错的借口，似乎即兴就是乱弹，这是极其错误的。
一直想写个关与即兴演奏的东西，但是没考虑到篇幅的问题。写起来才发现，即兴演奏这个话题不好讲，牵扯的东西太多，不是一两句话可以说清楚的。我这里还无法上传谱例和音频，只能用文字来说明，希望大家都可以理解，从中间借鉴到一点东西，也希望大家把自己的理解写出来，我们做个交流。
即兴演奏其实就是一种即兴的创作，我个人认为现代音乐的灵魂其实也就是即兴演奏，我们听到的很多流行音乐里的器乐solo，有60%是乐手根据音乐来即兴演奏的，除非是编曲者事先写好一段solo，但是一般的编曲者是不会这样做的，因为这要求编曲者对每样乐器都要精通，这显然是很少见的。尤其在blues,jazz,fusion这些音乐形式里面，很多器乐的solo部分是只有和声，没有旋律的，或者是有旋律主题，但是没有发展的，甚至很多音乐直接就是无主题的，如果一个乐手没有即兴演奏的能力，我看他是不适合做这些音乐的。
现代音乐之所以迷人，魅力就在与此，因为即兴演奏让乐手可以充分的表达自己的感情和想法，每一个乐手都是即兴创作的大师，而你在即兴演奏的同时，你自身也从音乐中得到了最大的回报，那就是心灵和音乐的一种融会。而古典音乐今天的没落，我想跟这个有很大的关系。即兴演奏实际上是人性化在音乐中的一个具体体现，关于这一点，我们以后可以专门说明，对此有兴趣的朋友，也欢迎大家到我的琴行，大家一起探讨。
即兴演奏的法则我大概归纳了一下，我从下面几个方面来一一说明。
一，听背景音乐，酝酿你即将开始的即兴演奏。
我们要做一段即兴演奏的时候，最好是先听音乐，对音乐的和声走向，节奏，韵律先有一个听觉上的印象，为你的即兴演奏做个准备工作，比如C,Am,F,G这个进行，我们可以先听4小节或者8小节，在这4---8小节之间，给你的即兴演奏打一个草稿。
二，划分乐段，确定乐句。
乐句是音乐的基本形式，一般两小节一句，或者一小节，三小节一句的都有，你要根据具体情况来确定自己的乐句，由乐句组成乐段，两句一段或者四句一段，有时候也会有三句一段或者五句一段的。这些工作基本上可以在你的准备工作中完成。我们一般听到的音乐有这样几种形式，A----B---,A----B------A-----,A----B------C------A----,A---B-----A-----C----,等等，大家平时多注意，应该可以发现更多，我在这不一一列举。
三，塑造音乐形象，确定你的音乐主题。
我们听音乐是需要有一个主题的，你主要在这8小节里反映什么内容，表达什么思想，这就是我们要做的事情。当然也有主题不明确的，但是音乐的整体形象是要有的，在这8小节或者16小节中完成一个基本的音乐形象，然后在下一个乐段深化发展你的音乐形象或者主题，一般要经过第一主题，第二主题，发展变奏，深化主题，主题再现等，这是个大的框架，但是具体运用要根据音乐的具体情况来分析，不能死套公式，因为即兴演奏给你的思考时间是很短的。
四，用你的音乐语言，抓住听者的耳朵。
一段精彩的即兴演奏是会让人激动不已，而且久久回味的。当然这些是需要一定的技巧的，首先，你要注意对比，音符的稠密，高低音的起伏，旋律线的清晰会直接影响你这段演奏的情绪，而你的情绪会感染到你的听众，我们经常说，要想感动别人先得感动自己。这是个长期的问题，你要对c,d,e,f,g,a,b这七个音符了如指掌，明白他们各自在调式中的主属作用及功能，熟悉他们每个音符的情绪和脾气，你得跟他们成为非常好的朋友，他们才会帮你说话：）
五，学会思考。
这里说学会思考的意思是说，我们在做即兴演奏的时候，必须要清楚你所演奏的每一个音符，所使用的每一个技巧，使你的演奏是经过大脑思考得来的，而不仅仅是你手上演奏的一个习惯，也就是所谓的“手癖”。作为一个真正的演奏家，他所使用的每一个音符都是经过筛选的，这个音符从哪里来，到哪里去，为什么要使用这个技巧，都是必须交代清楚的。高手和庸手的区别之一就在于你弹琴的时候，是你的手服从你的大脑？还是你的大脑盲目的跟着你的手走了？
我们知道，即兴演奏所给你思考音符，构思乐句的时间是不多的，往往就在一小节甚至一拍之间，你就要想清楚你要怎么表达自己，所以你必须提前一小节，或者几小节，就要把你下一个小节，或者下一个乐段要弹的东西考虑清楚，有个基本的框架。
六，不要说废话，学会适当的沉默。
这个意思是说，如果你实在不清楚你应该弹什么的时候，那么你可以选择少弹或者不弹。
这就好比说话，在你不知道说什么话比较好的时候，你最好是不说或者少说，这样做比你漫无目的的胡说要好的多。有些时候，沉默也是一种表达方式。
七，听觉表情。
每一件乐器都有她独特的演奏技巧，每一个技巧其实都是人性化在乐器上的一种延伸。以电吉他演奏中最重要的技巧之一推弦来说，同样的音符，但是推弦的方法，时值不同，她所体现出来的情绪也是不同的。我们经常说，听到琴声就可以看到演奏者的表情，就是这个意思。推弦的表情是最丰富的，我们应该注意演奏技巧的运用，所带给听者的听觉表情。
八，呼吸。
呼吸是人类最重要也是人类最容易忽视的一个生理现象。我们大家谁也不会注意自己的呼吸，因为这实在是太平常了，可是如果呼吸出了问题，你的生命也就出了问题了。
音乐的呼吸也是如此。学会掌握音乐的呼吸，最终能够控制音乐的呼吸，从而感染听者，让听者跟着你的呼吸来呼吸。这是即兴演奏的最高境界。首先你要先学会去感受音乐的呼吸，注意休止，切分，顿音，延长音的使用，注意你的呼吸跟你所演奏音乐的关系，注意你所演奏音乐的呼吸跟你的呼吸是否融合，并试着把你所演奏的乐句唱出来并一起演奏出来，最终达到真正的“人琴合一”。
九，不要怕弹错。
不要怕弹错，即兴演奏就是即兴创作。即使大师们在做即兴演奏的时候也是会有可能弹错的。弹错了也没关系，也别慌，当你知道自己弹错了，反而是一个进步。有时候，这个错音反而会出现一种你意想不到的特殊效果。
暂时先写这些，基本上也就是这些法则了。其实说的再多也不如多做练习的好，理论必须联系实践，我们有了这些即兴演奏的理论依据，下面就要在实践中去体会，运用他们，把这些死板的理论依据灵活运用，让你的琴声跟你的呼吸同步，最终创造出属于你自己的，精彩的即兴演奏！
说句心里话，我对于指型也曾有过段不短的时间去死记硬背，但是效果不是很好，弹的时候总会有慢半拍的感觉，而且只是音阶模进与上下行的弹奏话，很容易忽视了消化和理解而把一个指型变成一个单纯的机械去运动，这也是为什么总是在正常练习中容易出问题了。但是经过一段时间的思考和与网友不断的交流和沟通，我也逐渐有了自己的一些自我的学习经验，想和大家分享一下关于指型，指板音阶记忆的一点心得，如有不妥之处，还请各位指正。
1、关于标准音下吉他空弦的音程
我们知道，如果没有采用特殊调弦法，那么吉他从六弦到一弦的空弦音，音名分别是E，A，D，G，B，E（3，6，2，5，7，3），关键的3－6－2－5－7的重要来源之一。这几个空弦音有什么意义呢？
从音程角度出发，从低音到高音，即六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，分别为：3－6，6－2，2－5，7－3，这几个都是纯四度音程，这说明在这几根弦之间的指板音阶上是有着一定规律与联系的。唯一特殊的是从三弦到二弦（5－7），是一个大三度音程，也就是说，如果某些在低中音弦上的进行的有规律的指法，一旦到了三弦与二弦之间上，就会发生变化，其直观反映应该是二弦的品位向后移一品（一个半音），才和三弦构成一个纯四度音程。那么，接下来以强力五和弦与四度和弦为例说明这点。
2、关于五度双音和弦（强力五和弦）与四度双音和弦的推导与构成
很多初学者都知道五度双音和弦的构成与指法相对来说比较简单，通常两根手指头搞定。相邻的两根弦，一个手指头按根音，另一个手指头按五度音。基本上在六，五，
四，三弦上只需要保持这个手型来回移动就能推导出其他的五和弦了。
为什么是这个手型呢？
前面我们讨论到：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，之间都是纯四度音程，而五度双音和弦两个音之间的音程是纯五度，也就是比纯四度要多一个全音，反映在指板上，正好是两品。举个例子：六弦三品是G，五弦三品是C，这两个音之间是纯四度音程，如果想构成一个强力五和弦，那么需要把按在五弦三品的手指往后移两品，挪到五弦五品上，即为D。G－D是为纯五度音程，也就构成了一个G5的五度双音和弦。
那么，四度双音和弦的推导便如此：G－D是五度音程，通过音程转位我们就知道，D－G就是四度音程。这个D-G怎么按呢？五弦五品是D，四弦五品就是G，也就是说，你只需要用一根手指头，同时按住这相邻的两根弦的同一品，一个四度音程的G5和弦的就出现了。
3、关于三弦与二弦之间音程导致的指型变化
好，六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，音程一样，双音和弦的指法也是一样的。但是三弦到二弦时，音程发生了变化，由之前的纯四度变成了大三度，少了一个半音，我们再想用之前的指法来做双音和弦，就会出现错误。这时候的指法也跟着变化了，要再向后移动一个品位（一个半音）才满足上下纯五度或者纯四度的音程。比如想在三弦和二弦上，做一个A5和弦，那么，食指按住三弦二品，那么你的无名指或者小指，按的就不应该是二弦四品了，而应该是二弦五品，与之前的手型相比，正好又往后移了一个半音。至于在三弦和二弦上，做四度双音和弦，道理也差不多，指型和之前比发生了变化。
4、关于指板音阶记忆的一点想法
前边说了那么多，其实有价值的就在于：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦之间都是纯四度音程，而三弦到二弦之间是大三度音程。这个有什么意义呢？
也就是说：在六弦到三弦这几根弦上，你随便按上某弦的某品出来的音，与它下边相邻弦的同一品的音，必然是纯四度关系。直观点说，只要在这几根弦上，某一品是个1，那么它下边的那根弦的同一品一定是4；如果某品是7，那么下边那根弦的同一品一定是3；同理，如果某品是6，那么下边那根弦的同一品是2；某品是5，下边那根弦的同一品是1——总之，即符合纯四度音程音阶的规律。
值得注意的是：如果某品是4，那么它下边那根弦的同一品，并不是7，而是#6。因为4－7是一个增四度音程，4－#6才是纯四度音程。
胡思乱想了很多，写了大半天，不知道对于各位朋友有没有帮助。不知道以前有没有人总结过，本篇文字是我一个字一个字打出来的。如果对您有帮助，那么我本人十分高兴；如果您觉得有问题，欢迎指正~
民谣吉他的演奏技巧都有哪些呢?下面我们一起来看看!
一、滑音
还记的圆滑音吗?圆滑音和装饰音的左手指击弦和钩弦使琴弦发出声音，在民谣吉他六线谱它们分别是用H和P来表示。
滑音是吉他上的一种弹奏技巧。滑音是左手指在同一根弦上由一个品位滑到另一个品位而使琴发出声音，不需要右手的参与。分为上行滑音和下行滑音。在吉他六线谱中用S表示。
弹奏方法：
滑音第一个音的左手指按好，右手拨出，然后不离开指板滑向下个音位，下行同样由第一个音滑向第二个音，也不离开指板。在弹奏时注意左手指要垂直按弦，滑行时手指不能松动，力度均匀适中，滑动平稳，同时还要注意左手拇指的放松。
二、止音
止音也叫着消音。在音乐表现上音可以分为圆滑的，和跳跃的。要出现跳跃的音符就需要将拨响的音止住。
有两种方法：
1.右手指拨完弦后再将拨弦的手指轻放在弦上，可以是同一拨弦的指也可以是其它手指。这样就将音止住。
2.右手拨完弦后将左手指微微抬起，注意左手指不可以离开弦，这样我们也可以把音止住。
三、拍弦
拍弦是右手食指、中指、无名指微微弯曲，力贯指尖拍打琴弦。注意食指、中指、无名指要并拢，这样手指就不会滑到琴弦下。
这是一段谱：
也可以右手握拳，用手指的第一指节去拍击琴弦。这是一种木吉他味道很浓的技巧。典型例子是田震的《干杯，朋友》。
四、制音
也叫闷音。分为右手制音和左手制音两种，用在Pick的演奏中。
左手制音是用左手指轻轻贴着琴弦，右手照常演奏。右手制音是用右手掌内侧轻压住靠近琴桥的弦，使弦不能完全振动发音。
这样可以发出沉重、郁闷的声音。注意不管是左手还是右手一定不可以将弦闷死，发不出音，也不能闷不住弦。
这是一段左手制音的谱，注意和切音不同：
五、推弦
左手拇指与食指轻轻夹住琴颈，按弦时装动手腕，琴弦因为弯曲后产生张力而音程增大。用在Pick吉他演奏中。分为半音推弦、1/4推弦;全音推弦;小三度推弦或小三度以上推弦。
六、揉弦
揉弦是为了改善音色用的。拨弦发音的同时，将左手指揉动，拇指放松依附于琴颈。四品和四品以下沿琴弦左右移动，振幅大。四品以上可以沿琴弦上下移动。在你需要的地方都加上，可以改善音色。注意左手指必须压紧，感到是指骨控制着揉弦。
希望对大家有用吧，不过一定要多多练习喔!
从吉他入门开始，每位学习吉他的朋友都曾憧憬着，某一天能够站上舞台为观众弹唱自己的音乐！愿望总是美好的，大多数擅长吉他弹唱的朋友都存在很多问题和不良习惯，不过问题知晓后是可以及时修正的，不良习惯可无法及时改过来。
所谓不良习惯，就是一些毛病，这类毛病可以说是多种多样的，比如有的人专爱加些下滑音，无论什么歌，也不管是歌的什么部位，凡是来得及加的地方一律加一个下滑音，这是非常糟的，听的人会感到很“痛苦”。再如有的人不是加滑音，而是专门喜欢在一些音前面加一个二度跳音。
如乐句的第二个音是“ 3 ”，她便在前面加上一个短促的装饰音“ 2 ”，唱的时候不是从“ 2 ”，滑到“ 3 ”，而是从“ 2 ”跳到“ 3 ”上去的。 这样，就是歌词中“ 3 ”下面的一个字断成了两个字。以歌曲“三月三”为例，有好几处都把一个字唱出了两个字，如：“又是一年三月三”唱成了“今年后是一年三月三”;“不觉亮了天”唱成了“不户觉亮了天”;“人人笑开颜”唱成了“人人笑开颜汉”“如今每逢春风暖”唱成了“如互今每逢春风暖”……
这种跳音如果用上一次半次，也可能不要紧，但是用得太多了，同样会使听的人难过。下面再谈一个例子，有一次我听到一个学生弹唱，很有意思，他每唱到拖长音的地方，全部用一个固定的办法来处理：即“弱起渐强”，绝无例外。如果一个不了解情况的人来听，说不定会以为他是朝鲜人呢。因为朝鲜的民歌，全部是这种唱法。而他并不是朝鲜人，他只不过是在歌唱方面养成的这样一种“弱起渐强”的习惯。
如果以上所提出的各种问题都解决了，那么不管同学们的声音条件如何，唱出的歌一定会是优美、动听的。 下面，有两点需要补充的。
其一，通过以上的论述，不要给大家造成一种错觉，即误认为我们是反对歌唱中的滑音和装饰音的。我们反对的只是滑音和装饰音的滥用。必要的滑音和装饰音还是要有的，只是要应用得适当、恰到好处。有些特定的滑音或装饰音为歌曲增添了不少风彩，是十分宝贵的。
其二，有些同学的嗓子有点沙哑，有点粗糙，便认为自己声音不好，不去练唱了，这是不对的。用现在的观点去看，嗓子如略有沙哑和粗糙，不但不能算缺点，相反应该认为是难得的优点，有的人把这样的嗓子叫“金不换”,我看是有道理的。至于沙哑的嗓子为什么比圆润的嗓子更具有魅力，更富表现力，我也不知道，因为没有去分析、研究过。 有的同学在弹唱时，常模仿一点沙哑的气声，我看这是值得提倡的。
关于吉他弹唱中的歌声问题，我们已谈了不少，希望问学们做一些思考，根据自己的具体情况，做出适合于自己的选择。“学生腔”这种唱法，较容易掌握，适合于大多数同学，绝大部分具有普遍嗓音的同学都可以考虑采用这种唱法。
很多吉他爱好者从初次接触吉他，然后真正学吉他到吉他入门再到现在，肯定已经过去好几年了，但是水平却一直很业余。很有琴友也都接受吉他教学。对吉他初学的有一点想法，虽然琴技不佳，但我相信这些想法对初学吉他的陌生朋友们会有一些帮助。
乐理和乐感的重要性，是第一次学习乐器最最重要的。这是句废话，却往往被初学者忽视。音乐不论以何种表现形式出现，往往分两个层面，一是音乐基础，包括乐理和乐感，二是表现基础，包括演唱技术、弹奏技术、表演技术等。
曾有人认为乐感主要来自天生，乐理由后天习得。可以通过学习乐理在一定程度上弥补一些人乐感的先天不足，但先天的乐感依然占主要地位。我非常赞同这样的观点。有几位朋友钢琴过了十级，乐理没得说，但如果给他们听一段比较复杂的旋律，只听一次，然后在没有谱子的情况下弹出来，就有些犯难。我们曾经一位鼓手从未学过乐理，但乐感非凡，加之协调性好(表现基础)，但凡听过的节奏，只要手脚能跟上，大多都能立即打出来——尽管手法错得一塌糊涂。乐感如此重要，但不要认为乐感不好就不要学了，因为不经过乐理学习来挖掘、驾御乐感，怎么就知道乐感好不好呢。何况，我相信绝大多数智力正常的人，只要通过认真学习，都能驾御一般的音乐。除非你想成为贝多芬或肖邦那样的天才，否则不必担心。
乐感，简单地说，又分音阶感和节奏感，当然可能还有其他分法。遗憾的是，很多弹琴数年的朋友，这两个重要乐感都远未过关。不信你弹一个A音，然后任意弹其他一个音，瞬间说出后者的音阶的算是过了最初级的关。弹一个A音，然后同时任意弹三个音(不一定是标准和弦)，立即说出后者分别由哪三个音阶组成，这大概是传统乐器教学中的重要部分。节奏感更好理解，分清四二、四四、四三、八六等拍子，能够稳定地打拍子，这是最最基础的。又以四二拍为例，比如听一段类似X X X | XX X | X X | X XX 的节奏点后，卡着拍子打出完全相同的节奏点。
上面说的，其实已经涉及到乐理的成分。如果仅仅是乐感，仅仅是一种感觉，则无法用文字表现出来。当然有些乐感很好的人，表现不出来，却可以演奏出来。注意，不要把听了一首流行歌曲就能唱出来当作乐感好，这是一种记忆，不是乐感。如果要求你给歌曲的高潮配一个低三度或低五度的和声，哼三遍以内就能配出来，这才叫好。有时我们会提到“心板”这个词，这也是对乐感的一种表现，即在心中打拍子，120的速度就稳在120，不论里面怎么四四/四三变换，怎么三连音，大致速度都维持住，这就是牛。
说了这么多，它们真的重要吗？举一个典型例子。对于乐感和乐理，初学者最难处理，最容易犯错误的，就是休止。我们以《单身情歌》前奏为例：0 3 5 | 6 - - | 5 6 5 | 3 - - | 2 3 2 | 1 - - | 7 1 7 | 6 - - | 0 3 5 | 6 - - | 5 6 5 | 3 - - | 2 3 2 | 1 - - | 7 1 7 | 6 - - ……这里其实有两遍，可以注意到第一遍最后一个“6”后面还有两拍延音和一拍休止，总共等三拍，才开始第二遍的“3 5”。但是很多朋友在哼唱时却跳过这三拍。不要小看这漏拍行为，在乐队排练中，这是非常严重的。因为你的鼓手可能还在完成前一小节的三拍，你就提前开始下一小节，直接导致乐队混乱。我们乐队排练时，一位节奏吉他手琴学苦练，演奏技巧跟上了，但节拍总是错。告诉他用脚打拍子，但因为他从一开始就没有接受合格的乐理训练，拍子反而跟着旋律走，越走越错。拍子本身就像一把尺，必须强迫它以恒定的速度向前运行，所有音符都必须根据拍子，“刻”在这个尺子预留的位置上。类似的例子不胜枚举，大家可以自己推广。
眼下很多吉他教学，在乐理训练和乐感培养上几乎空白。不知道北京上海大琴行做的怎么样，但在以前见到的一些培训班里，这样的情况确实普遍。有些琴行“买琴即学琴”，送一些课时，以教会学生一些曲子为主要目的，让他们体会到吉他的乐趣。这固然是立竿见影的做法，但对学生长期发展音乐绝对弊大于利。有些学生自己就急于求成，别说乐理乐感，连演奏技巧中的基本功都舍不得练，弹几首曲子就沾沾自喜。如果你只想用吉他泡妞，这样当然可以，如果想真正做好音乐，千万别这样。
相反的，大多数传统乐器教学(比如钢琴、小提琴、民乐)在乐理和乐感的教学上抓得非常严格。键盘乐器，包括钢琴、电子琴、手风琴等，音阶分布一目了然(这也的确是这些乐器比吉他更易于教学乐理的原因之一，但绝不能作为学吉他不好好学乐理的借口)。一般正规的钢琴教学，起初会反复弹奏1 2 3 4 5，5 4 3 2 1，让你牢牢把握住这些音阶的音高，甚至将“听音练耳”作为初级考核的第一标准。这样的乐理基础学习往往要经历半年或一年以上。幼儿园的时候我学电子琴就经历过这样的教学，老师弹奏A音后同时按下四个不相临的白键(即不包括半音，减少一点难度)，要求我理解说出四个音阶。可能也是乐感比较好，当时很容易过关了。对于乐感不是很好的朋友，建议在这些方面狠下工夫。
话说了这么多，似乎没有太实质的建议。依我愚见，初学吉他的朋友，最好找一个专门教乐理的老师(如果你的吉他老师本来乐理就很好也行)，进行至少一个月的集中学习。当然，这对于刚接触吉他，还没形成兴趣的朋友来说有些枯燥。另一个办法，就是在学习吉他之前，或者学习了一段时间，入了门，打算继续学习之前，学习一个月的钢琴或电子琴。这看起来有些不现实，其实很容易。
首先，没必要购买钢琴或电子琴，你的目的在于学习乐理，培养乐感，在学习时对方提供的琴足够你用。第二，这样的学习机会很容易找到，找培训班或音乐学院的学生，花费不大。第三，键盘乐器是非常好的学习乐理的工具，且比空学乐理感觉直观得多，也不那么枯燥。不要担心再学一门乐器的难处，你又不是专门去学钢琴的，手上技巧凑合着就行。
如果我找一起玩琴的朋友，宁可找完全不会吉他却受过乐理教学的人，也不找手上工夫看起来很牛乐感却一团糟的人。演奏技巧可以自己练，一年半载怎么说也能凑合出些东西，乐理乐感却需要专门的教学培养。对于这里众多的高手，这些建议可能是废话，希望对新来的朋友有些帮助。
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音乐学习是一个漫长的旅程。我听到过很多关于音乐学习的看法，有的观点是比较符合实际的，而有些则毫无根据，且象传染病一样不断的扩散着。我想在这里讨论一下我听的最多的一些观点，希望能让大家明白这些传言是多么的没有根基，任何一个拥有热忱的音乐人或学习者都应该把他们彻底从头脑中清除。
1. “伟大的音乐家都是有天赋的” 这一个最常被说起的荒唐的说法，是绝对错误的说法。而且对那些付出辛勤劳动并克服了无数困难才取得成功的吉他手来说，这样的说法简直是没有道德。事实上，有很多音乐家，甚至是那些音乐界的传奇人物，在他们音乐生涯的某个阶段都会遇到非常低落的时期，他们走出困惑所付出的努力恐怕他们自己都无法想象。
那么他们是怎么做的呢？很简单。伟大的音乐家都有着同样的东西：一个愿望，耐心，还有实现愿望的坚定信念。你可以把这些称为“天赋”，但它们不是与生俱来的，况且这是我们每个人都是有能力做到的。
2. “我开始弹琴太晚了”
错。对任何形式的艺术的追求都与年龄是无关的。当然，确实有一些神童们在很幼小的时候就拿起了乐器，在很年轻的时候就已经成为了惊人的演奏家。但是，还有更多的音乐家是在人们认为很“晚”的年龄才开始学习乐器的。我指的不是那些酒吧里的吉他票友们。伟大的Wes Montgomery，我当作爵士吉他教父的人，是19岁开始学习吉他的，在他演奏生涯的前几年，他一直没有被认为是有天赋的，因为他是一个音都不差地模仿Charlie Christian的solo，另外他在弹琴的同时还要去作两份艰苦的工作来养活一大家子人。Wes的经历为我们粉碎了前面两个传言还有，Wes所模仿的人-- Charlie Christian是从17岁才开始弹吉他的，但只用了仅仅六年的时间就影响了整个爵士音乐的历史。
3. “对乐理知识的匮乏使我无法进步”
嗯，你的意思是说和Wes、Joe Pass和Jimi Hendrix一样无法进步吗，还有George Benson和B.B. King，他们也是无法提高的吗？象这样的吉他手我还能举出很多很多。也许我们该重新定义“音乐理论”这一词汇，这些吉他手虽然严重的缺乏课堂上所能学到的试唱读谱等技能，但他们的演奏经验和感觉弥补了缺陷，这些经验成为了他们自己的“理论”。我想对于技巧来说也是同样的道理。我并不是说可以不去学乐理和演奏技巧，只是想让大家不要太过于强调音乐理论。
4. “我实在是没有足够的时间”
这句话和前面几种说法比起来更象是挂在许多学生嘴边的一个口头禅。这也是错误的，你不可能没有时间。如果你真的喜爱音乐和吉他，真的想成为一个好的演奏者的话，你一定会安排好自己的时间的，你会推掉一些无意义的约会，停止做一些无聊的事情。要相信，你在吉他上所付出的时间一定会给你带来巨大的快乐的。
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