电吉他是一种高科技与艺术的完美结合，而且电吉他教学相比木吉他教学加入了类似于乐队等不确定因素，因此想要学好电吉他也不是件容易的事。我常看到一些人说自己又翻弹哪位大师的曲子原版了，谁谁谁的sweeping好快了，谁的速度200几了。
遇上以上的这些情况，那么恭喜你已经对电吉他这种乐器感兴趣了，对这种乐器的一部分属性有了认识，但这些却不是电吉他的全部，那我问你几个问题。
1、你会弹伴奏吗？
请不要笑，电吉他是现代科技的产物。那么它做出来的音乐其实就是现代音乐，现代音乐充斥着电子方面的东西。而且现代音乐的节奏多样化、和声学，以及音色其实都具有了新时代的意义。
你能否为一首歌很快找出一些很合适的节奏，让人耳目一新，这可是直接决定了你能否弹好金属这种风格。特别是现在的新金属风格，节奏的应用比以前更多样化。如果你不会弹节奏，就算你 solo弹得再好也白搭。
还有和声的应用，你懂7和弦，9和弦的用法吗，你能为爵士这种风格的歌曲伴奏吗？如果还不能，那你得补补这方面了，不要成天编个歌就用几个三和弦。另外大师的曲子为什么好听，除了听他的主奏外，伴奏上也豪不含糊。听听john petrucci的曲子，vai等大师的曲子，你就会发现伴奏和主奏同样重要 ！
2、你创作力好吗？
弹了两年的吉他我就开始创作了，其实应该是从刚弹吉他就开始创作。电吉他这种乐器不象古典吉他。电吉他的音乐生命在于创作。那些翻弹曲子的人就算弹得再原版，充其量就是展现了自己的基本功过硬，练琴练得多。比如网上的台湾吉他手jerry c弹的卡农。可以看出他的弹吉他技术不错，但他是不是个优秀的吉他手就不得而知了，也许是，但网上那段视频绝对反映不出来。
3、你对音色的把握好吗？
你知道哪种音色适合那种弹奏方式吗，我告诉你没有绝对意义上的坏音色，只有不会把握音色的吉他手。
4、你的solo人性化吗？
先说说速度，速度没有一个定量的标准。你速度能弹200，那么这200的速度是建立在你弹奏什么的基础上的？半音阶？跨弦？笆音？就算你速度很快了，但你在一首歌中知道什么时候该快，什么时候该慢吗。不要一快起来就是些老透了的套路。弹solo更讲究的是呼吸。良好的应用节奏弹出的东西，比200多的东西更能打动人心。
其实速度是一个基本功，就像揉弦，推弦。当你翻弹别人的东西时，慢慢的一个一个音稳，慢慢的手指的能力提高了，不毕太在意自己速度弹到多少，其实慢慢的自己的速度就上去了(说基本功上去了更合适)我直到现在都不知道自己速度是多少，但却知道自己的水平是个什么样子。有些人速度弹到了200多可能还是不知道自己的水平处在一个什么样的位置吧。
5、终于你有自己的作品，你知道录音的调音吗技巧吗？
你知道一首歌各个声部怎样编配才不打架吗。你能保持你录音时的节奏准确性吗(录过音的吉他手可能都知道录音时和排练时感觉绝对不一样)你知道怎样去加效果吗，几千块的效果器可不是就让你调个失真和干琴音色玩玩。还有有些solo和节奏需要再加上一轨吗，怎样加？还有不要什么都靠录音师，只有你自己才最知道你想要的效果！总的来说，吉他水平的高低其实就是对各种音乐风格的驾御能力！
延伸阅读
和很多扎根很深的音乐一样，乡村音乐其实并没有你想象的那么纯正。你拉丁对乡村音乐的影响可以追溯到19世纪，那时西班牙的乡村乐手带着他们的西班牙吉他到Hawaii。在Hawaii吉他演奏发展之后（现在RyCooder和DavidLindley等依然使得Hawaii吉他在主流音乐中保持活力），它开始混合更多的传统的乡村音乐元素。从MartyRobbins时代1959年的ElPaso，到70年代FreddyFender的西班牙乡村曲，到墨西哥流派的无数的现代唱片，拉丁音乐其实已经影响乡村音乐很长一段时间了.
这个月的关于拉丁风味的曲子在古典的西班牙吉他上弹奏效果会非常好，但是由于有很多高把位的弹奏，我还是选择我的电吉他，这样可以让我弹起来更像ChetAtkins而不是象WillieNelson那样。第1小节实际上ChetAtkins赖以成名的是连音奏法，可能还会让你想起AlberLee，特别当是你考虑在滑弦时的双休止时。当你上行并且换弦的时候，特别要注意发音的清晰.
第2小节在前面听到3度音的基础上的补充了6度音。但是在3小节中，3度音出现的更多，并且那里有双音弹奏，我希望你能认识这一点。另外，当你弹奏第3小节前面部分的时值为4分音符的三连音时，尽量和你开始时一样保持激情。在第3小节的后半部分听起来要稍微平直一点。请注意那个断音，意思是短促并且是分开的，这种技术可以产生墨西哥钢管乐的效果。注意到第6小节结束，3度音是怎样使用的。3度音的介入，特别是当弹出和调外音时，听起来真的很有墨西哥风味。不要担心你在公众面前弹奏这些东西，他们并非是陈旧过时的东西
拉丁音调在理论上说，除去个别的半音，以E大调音阶为例，B7和弦内音，加上E的属和弦就构成了B混合里第亚调式。在第7小节我们可以听到B混合里第亚调式（C音是一个过渡音，用来连接B音，正好这个B音是E和弦的5度音。3度音则是在第8小节。请记住，大3度音永远都对调性起到进一步的强调作用。这是一个醒目的标记，你自己体会。第9小节从6弦7品的B音开始弹奏一段音阶，直到B的高八度音为止。你的学习理论也许会知道B－B的音阶在E大调中叫做B混合里第亚调式。
不管这是什么，你必须认识到伴奏对于你的感受有非常大的影响。这里是简单的E大调音阶，以主音（I）和弦作为伴奏，从5度音开始弹。你感觉到了吗？不管怎么说，在B音后弹奏的是C＃，这个音比我预期的高8度音。这个就是8度替换，这种变化给这个乐句增加了一些让人奇怪的东西。当然，还有更让人感兴趣的东西，那就是相邻音的紧挨在一起。C＃音降一个全音就是B，这个音紧跟着和它相差一个半音的Bb。围绕一个目标音弹奏是Belgian爵士吉他手DjangoReinhardt常常使用的方法。但是我必须强调，它更有西班牙风味.
第10小节还是要保持原来的顺滑的动作，看上去都很活泼，对吗？这种流畅的弹奏我们称为连音奏法，这个和我们说的断音正好相反。想想看爱和恨，和平和战争这类的东西你就明白了。把这两个相反的技术混合着用在你的吉他上，你能感受到所有的情感.
第10小节我们看到一个ChetAtkins型的空弦弹法。在研究第11小节前，我们先看看前面已经熟悉的6度音。也许你注意到了，和前面我所教的有6度音的课程相比，这里我选择了在相邻的弦上弹（6度音，在大部分的吉他段子中，都是在间隔的弦上弹的，如第1弦和第3弦，第2弦和第4弦）。你会发现在12小节也是采用了间隔弹奏的方法.
第13小节是blatant吉他露一手的时候了，如果你是技术一般的吉他手，琶音也会使你在普通的听众面前象一个音乐演奏名家。我是认真的.
第14小节用一些b5音来和听者开玩笑。我们都知道，5度音是两个和弦之间最好的解决，但是，b5却是加强了矛盾。当你知道我们不弹B7而是要弹B混合里第亚调＃4音的时候，你也许会觉得很有趣。在17小节，我本能的回到了随意的solo中来。这样和和弦伴奏更加接近，当然除了在23小节部分的那些Chet型的弹奏外.
最后，我想你也许喜欢我用来记录原声节奏吉他节奏型的草稿。我把它们放在了例2和例3里面。要随意的，但是稳定的弹.
书上讲到的关于快速音阶演奏能力，反正我是看不太懂，太深奥了！学了几年吉他，对于吉他我自己也有一定的理解，下面我就简单阐述下。
1、能否把握最短时值的音的控制，关系到对演奏乐曲的细腻处理能力，就如由于显微镜有较大放大倍数使人看到细胞的大小，以致使人能把握它的脉动，同样有快速演奏能力的把握音乐就有可能细致入微。
2、正如方兄所讲的，音色和韵律的问题同样引起注意。这就要求练习者同时要在把握律动能力上多下工夫。使音乐更富有动感，一种激动人心的动感。
3、快速音阶演奏能力能有助演奏者向听众们传达"激情"的音乐信息.更好地鼓舞人心，增加音乐的张力感幅度变化。
4、在注重提高演奏快速音阶速度能力的同时，要讲究发音的颗粒性和力度控制幅度。渐强渐弱的力度变化范围同样是飙速演奏者的一项重要素质考核的内容。平淡无味快速演奏现在请出midi就可。
5、综合以上素质能力的均衡提高，在认识并总体把握音乐内容的基础上，就能够更好地二次创作演奏了。
6、掌握快速音阶的演奏能力为进一步深化即兴演奏能力打下结实的技术基础。而我认为提高即兴演奏能力对完成完美的演奏有很大的帮助！
THE LONER是乐队所演唱的，正因为是乐队，所以更加适合电吉他乐章。下面是小编给大家整理的超好听的电吉他音乐，供大家参阅!
超好听的电吉他音乐THE LONER鉴赏超好听的电吉他音乐THE LONER作者Gary Moore于1952年4月4号出生在北爱尔兰的Belfast。和那个年代的很多人一样，他开始
的时候也是听着猫王的音乐玩Rock and Roll。在60年代中期的家乡，通过Beatles、Jimi Hendrix和John Mayall的Bluesbreakes，Gary Moore开拓了的眼界，他开始认识到了Blues音乐的广阔世界。Peter Green演绎的Blues Guitar更是点亮了Gary的无限的天才。不久后，Gary就已经成为倍受瞩目的青年音乐奇才。其实，是Green促成了Moore的事业，Gary也漂亮地以他1995年发行的专辑《Blues For Greeny》来答谢Green。
超好听的电吉他音乐THE LONER独奏谱电吉他乐队风格之死亡金属的演奏技巧
节奏部分1.切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分.
2.复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围.
3.打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它.
4.织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。
旋律部分1.谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和AttheGate(大门处)。
2.不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。
3.无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。
结构部分1.循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。
2.叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。
演唱部分1.歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为，倒是别有一番滋味。
2.喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die(死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。
3.扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想Motorhead的主唱LemmyKilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。
对于那些要掌握吉他的主音吉他手来说，必须发展演奏技巧使其能演奏出他想象中的东西，任何音符连接。一个连续的布局应能有效的运用设备中的已存在的能力，而不是分割地学习每一个技巧。
技巧练习练习使改进特定技巧的工具。他们能使你致力于单个技巧，使你能很快地掌握。通过正确的练习，能使你在几星期或几个月，而不是几年，获得成功。
１、减速慢慢地演奏，不要出错。你的手指将依你的训练而移动。如果你快速练习，甚至100次，你能说在101次时，你突然就能正确而清晰地演奏吗？然而，假如你正确地练习100次，你可以保证接下去的一次一定是完美的
２、避免心理障碍假如你过分集中注意力，你会紧张、焦虑，这种压力会使你犯更多的错误，反过来有加重了焦虑。不要压迫自己。保持平稳而流利的节奏。与节奏结合的自然运动会阻止心理障碍的产生
３、注意练习的目的既然练习使按提高某种技巧而设立的，你应该明白练习的目的使什么，然后在你练习的时候，集中注意力。
４、不要在某一练习上用太多时间如果你练习某种技巧太多的时间，你实际上会开始走向反面。最好是在练习之后放松肌肉。演奏一些不同的东西，然后再回到原来所练习的，就会发现原来并不难
基础动作:左手１、大拇指位置左手有两个基本位置，一是将大拇指放在琴颈后；二是将大拇指勾住琴颈顶部。大拇指放在琴颈后面这种位置给你的手指更多的活动空间，并能更准确地控制。用在需要更宽品格的爬音阶或即兴乐段。另一种指位可以更有力量并控制弯弦
２、手指运动你需要移动手指越远，到达目的的时间会越长。因为距离等于拍子，将手指贴近琴弦——悬在一厘米左右处。当你槌击或钩弦时，不要让一个手指离弦太远。等到发生这种现象，再改就很难了
３、手指的流畅性练习在下一个音符来临时抬起先前的手指。着将帮助提高左手的圆滑与流畅，更加自然地移动指位。
４、手指的准确性养成习惯，让每一个手指按在相应的金属品位节上，而不是节与节之间的空间。这使你左手更加坚定而正确。用手指指尖.
手指独立性练习左手的每个手指在移动时不影响其他手指，被称为“手指的独立性”。有了很好的手指独立性，你的手指将会更加放松，而新的音符形式能很快地被掌握.
把音箱调到清晰无失真的音色，使你能了解手指所做的。大拇指用“颈后式”。慢慢地练习，保持稳定的节奏。关键是准确度和控制力，而不是速度.
注意：把手指贴近弦~正确按品位~用手指尖练习~当下一个来临时，抬起每一个手指
颤音练习~颤音是指快速交替演奏两个音符。将演奏较低那个音符的手指固定在品位上。为了消除不必要的杂音，用食指轻轻地按，并制音相连的弦。
槌击音至新的一根弦：可以不用演奏预先的音符而使用槌击音的方法演奏。注意它发出的声音是多么平稳。必要时，用食指制音相连的弦。
连续性练习：一个“连续”是指一系列旋律思想重复演奏，除非必需降一音程或升一音程开始演奏。以三个音符组（三连音）连续的音阶是很好的左手练习.
弯弦练习：对于主音吉他来说，弯弦和颤音是一些必需掌握的最重要的技巧。在下面的练习中，演奏第一个音符，然后弯弦至下面所显示的音高。到正确的音高后，加入颤音。（颤音是集中在某一特定音区中的一系列弯弦和放松弦。在你将弦弯至所需音高时，轻轻的防弦，然后弯弦至所需音高，如此反复。）弯弦时，大拇指在琴颈顶部的位置.
滚动到变化弦：通常即兴演奏使用同一品位的两个音符，但在两根相连的弦上。演奏时，不要让弦同时发出声音。必须滚动你的手指到新的弦而离开先前的弦，不要离开品位板。离开品位板换弦会使两个音符之间有一个停顿，而因此听起来不流畅也不准确
吉他教学书上讲到的关于快速音阶演奏能力，反正我是看不太懂，太深奥了！学了几年吉他，对于吉他我自己也有一定的理解，下面我就简单阐述下。
1、能否把握最短时值的音的控制，关系到对演奏乐曲的细腻处理能力，就如由于显微镜有较大放大倍数使人看到细胞的大小，以致使人能把握它的脉动，同样有快速演奏能力的把握音乐就有可能细致入微。
2、正如方兄所讲的，音色和韵律的问题同样引起注意。这就要求练习者同时要在把握律动能力上多下工夫。使音乐更富有动感，一种激动人心的动感。
3、快速音阶演奏能力能有助演奏者向听众们传达"激情"的音乐信息.更好地鼓舞人心，增加音乐的张力感幅度变化。
4、在注重提高演奏快速音阶速度能力的同时，要讲究发音的颗粒性和力度控制幅度。渐强渐弱的力度变化范围同样是飙速演奏者的一项重要素质考核的内容。平淡无味快速演奏现在请出midi就可。
5、综合以上素质能力的均衡提高，在认识并总体把握音乐内容的基础上，就能够更好地二次创作演奏了。
6、掌握快速音阶的演奏能力为进一步深化即兴演奏能力打下结实的技术基础。而我认为提高即兴演奏能力对完成完美的演奏有很大的帮助！
rhythm of the rain也称为雨中节奏，如此美丽的歌名，却是意思电吉他演奏的悲伤音乐。下面是小编给大家整理的悲伤的电吉他纯音乐，供大家参阅!
悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏介绍歌手：The Cascades(瀑布合唱团)歌名：Rhythm Of The Rain(雨之韵)
这首歌被台湾著名歌手萧敬腾翻唱，并收录于其2012年发行的Live版爵士英文翻唱概念专辑《Mr.Jazz - A Song for you》中。
悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏歌词Listen to the rhythm of the falling rain,
Telling me just what a fool Ive been.
I wish that it would go and let me cry in rain,
And let me be alone again.
The only girl I care about has gone away.
Looking for a brand new start
But little does she know that when she left that day.
Along with her she took my heart.
Rain, please tell me, now does that seem fair
For her to steal my heart away when she dont care
I cant love another, when my heart is somewhere far away.
The only girl Ive cared about has gone away.
Looking for a brand new start
But little does she know that when she left that day.
Along with her she took my heart.
Rain, wont you tell her that I love her so
Please ask the sun to set her heart ago
Rain in her heart and let the love we knew start to grow.
Listen to the rhythm of the falling rain,
Telling me just what a fool Ive been.
I wish that it would go and let me cry in vain,
And let me be alone again.
Ooh listen to the falling rain
Pitter-patter,Pitter-patter...
流行歌曲的演唱讲求个性，歌星们在声音上的差异之大，演唱风格之多样，使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部（男高音、女中音等），即便是用“声线”这个时下非常流行，却又是莫名其妙的万能术语，也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。
“低吟唱法”（Crooning)，形成于30年代。那个时候，许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备，歌手们开始对着“麦克风”（话筒）唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用，歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼，也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊，他们只须用说话般的音量轻轻哼唱，众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式，如一声轻微的叹息、一个小小的停顿，都能被纤毫毕现地展示出来。
早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后，随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴，流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡，作为一种演唱方法，“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用，声音的控制，旋律线条的连贯圆滑，歌词语气的表现，微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。
民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱，与“低吟”相比，这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣，音色扁平、自然，强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病，然而许多民谣歌手（如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦）却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式，这种鼻音具有独特的抒情色彩，尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时，会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式，主旋律往往放在中低音声部，而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱，因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。
民谣唱法不仅限于民谣歌手，也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。
民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面，而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。
美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子，此后又陆续出现了灵歌（Spiritual)、福音歌（Gospel)、布鲁斯、索尔（Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式，领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧，常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句，产生出动人心魄的艺术效果。
富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手（尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手）的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面，而缺乏那种细腻的装饰技巧。
爵士乐出现后，美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中，他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型（称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响（称为Vocalese)。
80年代兴起的饶舌乐（Rap,以急速的节奏念出歌词）在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上，绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”，而往往是在这几种基本演唱风格的基础上，根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要，加以变化融和，从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。
音区与音色
人声音区的各个部分有着不同的色彩：高音区明亮，中音区柔美，低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性，发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊，但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮，就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。
流行歌曲的演唱追求的是本色自然，但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”，而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。
流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手，以至于引起这样的误解：只有沙嗓子才能当歌星。事实上，流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少，只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。
对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向，在各国的民间音乐，尤其是我国的戏曲中，沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上，而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时，常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系：粗犷强悍的阳刚美，饱经沧桑的成熟美，这些都理颇具偶像魅力的。此外，流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。
嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时，会对音色稍作调整，以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”，唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”，而《沉默的表示》就干净柔和了许多。
每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性，但嗓音的调整改变是有限度的，超出了限度，就会引起发声器官的疲劳。时间长了，还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。
假声与气声
所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音，这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱，而且音色有一种晶亮透明的感觉。
大部分流行歌手（无论男女）是用真声演唱的，以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手（如齐豫、黄莺莺）在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声，如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔，和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”（Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。
发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置，在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅，不能有断裂。一般说来，假声比较缺乏力度，但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。
假声还可以作为一种修饰声音的方法，将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》，前者是用纯粹的真声，而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。
童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换，朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段，都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱，然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮，及至歌曲的最高点，突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。
国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”，而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分，关键是不能滥用。若能抓准时机，运用得当，可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》（Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈，最后用气声轻轻送出一声“I love you”，很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手，与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。
“泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》（Love is not here any more)，从头至尾“泣声”不绝，但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣，然后从呜咽到放声痛哭，直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”（Tearjerker)的歌手，如美国的埃迪.费谢（Eddie Fisher)、汤姆.琼斯（Tom Jones)，他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧，刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。
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电吉他演奏保时捷广告音乐Money for Nothing吉他谱电吉他演奏保时捷广告音乐Money for Nothing歌手Dire Straits是一支英国摇滚乐队，于1976 年组建于伦敦西南部的代特福德，活跃于1977 至1995年期间。
他们的成功主要应归于吉他演奏大师、乐队的核心人物 Mark Knopfler(生于1949 年8 月12 日)。Knopfler 29 岁时才开始音乐生涯，此前他曾做过新闻记者和教师。他吸收了许多音乐，在组建乐队之时，在歌曲创作和吉他演奏上已臻成熟。
Knopfler 与他的兄弟 David(吉他手)和 John Illsley(贝司手)联合以后，鼓手 Pick Withers 又加入到乐队中，他们开始在伦敦的酒吧中举办一些小型演出。最后他们花了 120 英镑录制了一盘样带，其中包括后来成为经典的歌曲Sultans Of Swing，这首歌在伦敦电台节目中播放后，各唱片公司蜂拥而至竞相与该乐队签约。
电吉他演奏保时捷广告音乐Money for Nothing歌词Now look at them yo-yos thats the way you do it
You play the guitar on the MTV
That aint working thats the way you do it
Money for nothing and chicks for free
Now that aint working thats the way you do it
Lemme tell ya them guys aint dumb
Maybe get a blister on your little finger
Maybe get a blister on your thumb
We gotta install microwave ovens
Custom kitchen deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TVS
We gotta install microwave ovens
Custom kitchen deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TVS
I shoulda learned to play the guitar
I shoulda learned to play them drums
Look at that Mama she got it sticking in the camera
Man we could have some fun
And hes up there whats that Hawaiian Noises
Banging on the bongoes like a chimpanzee
Oh that aint working thats the way you do it
Get your money for nothing get your chicks for free
We gotta install microwave ovens
Custom kitchen deliveries
We gotta move these refrigerators
We gotta move these colour TVS
Oh
Listening
Now that aint working thats the way you do it
You play the guitar on the MTV
That aint working thats the way you do it
Money for nothing and your chicks for free
Money for nothing and chicks for free
Cause money for nothing and chicks for free
Look that look that
Money for nothing and chicks for free
代表早期传统乡村音乐的一种风格：由美国东南部的阿巴拉契亚山脉地区的“乡下人”组成的以弦乐器为主的乐队，演唱传统的歌曲，以高音人声作和声，基本的伴奏乐器包括：小提琴、吉他、曼陀林、五弦班卓琴和由小提琴制造者约翰.多皮埃拉（JohnDopyera，1893-1988年1月3日）发明的多布（Dobro）——一种用来以机械方式放大吉他声音的铝制圆锥体。“多皮埃拉兄弟”（DopyereBrothers）使用“多布”。比尔.门罗（BillMonroe）和“蓝草男孩”（BlueGrassBoy）在1939年加入了“大狂欢”（GrandOleOpry），并在1942年增加了班卓琴以加强节奏。厄尔.斯克鲁格斯（EarlScruggs）在1945年加入，他的演奏班卓琴的技术高超，在演奏中加入的即兴以及受爵士乐影响的精湛技巧和创造性使几乎绝迹的北卡罗莱纳风格获得了新生。门罗受黑人音乐的影响，尝试演奏受爵士乐影响的曼陀林风格，实际上他是有史以来弹得最快和最好的曼陀林演奏者之一。其他人如弗兰克.韦克.菲尔德（FrandWakeField）和约翰.达菲（JohnDuffey）受爵士乐的影响更大。门罗的音乐在1950年左右被开始叫做蓝草，但被认为是一种过时的、只代表少数人兴趣的风格。1959年，斯克鲁格斯以个人身份参加了第一届纽波特民歌音乐节（NewportFolkFesival），次年莱斯特.弗拉特（LesterFlatt）和厄尔.斯克鲁格斯与门罗参加了此音乐节。在60年代中期，随着乡村音乐的流行，出现了越来越多的民歌音乐节。“迪拉兹”（TheDillards）从密苏里来到洛杉矶，继续发展蓝草音乐，其他的西海岸乐队吸引了70年代的摇滚听众。电影《解救》（Deliverance）将镜头对准了蓝草音乐，并产生了热门单曲《决斗的班卓》（DuelingBanjos，1973年美国单曲榜第2名），由多面手埃里克.韦斯伯格（EricWeissberg）演奏班卓琴，史蒂夫.曼德尔（SteveMandel）演奏吉他。现代的“新草”（newgrass）风格吸引了大量的年轻的听众（有人把他们戏称为好草），例如，新草复兴乐队，核心人物萨姆.布什（SamBush，演奏小提琴/吉他/曼陀林）、柯蒂斯.伯奇（CutisBuch，吉他手）、考特尼.约翰逊（CourtneyJohnson，演奏班卓琴）、埃博.沃克（EboWalker，贝司手），他们除沃克外都是歌手。起专辑包括：《如此获利》（SoNet）、《飞鱼》（FlyingFish）、天堂》（Paradise）和《隆起的滑道》（RidgeRunner）。达菲在16年来一直不时地在舞台上出现，专辑包括：《反叛》（Rebel）、《糖山》（SugarHill），他们还在白宫进行过3次演出。里克.斯卡格斯（RickSkaggs）创作了受蓝草影响的乡村热门歌曲。
很多吉他爱好者玩吉他挺长时间了，除了刚学吉他入门那会、越到后面越没自己的风格，很多吉他高手们都苦于想试试其他风格，却不知从何下手？
今天我们就来聊一下另类的布鲁斯风格，布鲁斯是黑人蓝调演变来的，一些国外的摇滚乐里面也有一些布鲁斯成分。下面介绍10招让你玩吉他玩出布鲁斯的风格和味道。
1、强烈野蛮的左手颤音，是出味道的关键，包括推弦后的左手颤音；
2、运用好离调音是出味的关键，听出离调音再去研究它，以及运用它；
3、强化练习三连音
许多朋友练习四连音速度很快，也比较稳，但三连音感觉太差，在布鲁斯音阶中的味道出不来就是这个原因。强化自己，平时多听听布鲁斯音乐。
4、注意布鲁斯和弦的走向和变调；
5、跟随估计多 jam ，鼓点要三连音，浮点的感觉的，中速稍慢的开始练；
6、多听大师的专辑和视频 看他们的力度，颤音的幅度和技巧；
7、积累乐句更多的背诵下来，能哼唱下来，举一反三，到自己改编乐句，注意连接部分；
8、加强各个调、把位布鲁斯音阶的练习
不要满足会几个调的布鲁斯音阶，把上下把位的布鲁斯音阶连起来，把关系调的布鲁斯音阶也关联起来弹，在不同的布鲁斯音阶游走，练习各个把位的指型和连接。
9、学会各种结束SOLO的演奏，它是即兴SOLO的必修课；
10、熟练掌握各种推弦，尤其是慢推弦，和大小三度推弦，双音推弦，4分之1推弦，都很出味。