虽说弗拉门戈吉他是古典吉他与弗拉门戈音乐技巧相结合的产物，二者之间还是有区别的。下面是小编给大家整理的弗拉门戈吉他和古典吉他有什么区别，供大家参阅!
弗拉门戈吉他和古典吉他有什么区别我就音乐特征论述一下。
Flamenco吉他是为Flamenco舞蹈伴奏使用的，音乐热情奔放中带有些忧郁，这与以Flamenco舞蹈为主要谋生手段的吉普赛民族浪迹天涯的游动生活有很大关系。
古典吉他以演奏古典乐曲为主，制作时充分考虑到了他的音色问题，所以，古典吉他音色柔美、表现力丰富、演奏技巧细腻。
弗拉门戈吉他起源弗拉门戈是西班牙南部地区安达鲁西亚的一种地方音乐，在其艺术发展过程中深受阿拉伯音乐的影响。公元711年起,阿拉伯人在七年内占领了西班牙大部分领土，直到1442年这片土地才重归西班牙，弗拉门戈音乐虽属安达鲁西亚的音乐，但纵观其和弦、旋律，无一不受阿拉伯音乐的影响。当西班牙国王消灭了侵略者后，异教徒遭到了统治者的驱逐或逮捕，那些幸运逃脱的就住在篷车里，过着流浪的生活，这些吉普赛人在演奏弗拉门戈音乐时加上了吉它，增强了节奏色彩，孕育出早期弗拉门戈音乐的雏形，可以这样说：是吉普赛人创造了弗拉门戈音乐。
弗拉门戈是由歌、舞、及吉它演奏组成一体的一种独特艺术。最初的弗拉门戈音乐，多以歌唱为主，吉它主要是伴奏，而很少用来独奏。后来经弗拉门戈大师拉蒙.蒙托雅(RAMON MONTOYA)的大胆改革，将古典吉它与弗拉门戈音乐技巧相结合，充实并发展了吉它的表现力，最终形成了具有独特风格的弗拉门戈吉它。
弗拉门戈吉他历史特点在弗拉门戈的发展中，即使19世纪的后半叶(也就是所谓弗拉门戈黄金年代)，弗拉门戈演出都尚未有专属的吉他，常用的不是昂贵的Finas，就是便宜素材做成的六弦琴。直到二十世纪初，才诞生了弗拉门戈吉他。
弗拉门戈吉他诞生前的古典吉他是用枫木或玫瑰木制成，非常厚重，吉他面板的装饰又繁复，弦栓为金属制，非常重。改良过的弗拉门戈吉他采用较轻的丝柏木，呈现较为明亮、接近打击乐器的声音。近代，许多吉他演奏家为了配合演奏厅的音响，采用黑色花梨木，较为沉重的木质，加上特殊的制造，让Flamenco negra可以发出较为深沉，共鸣与清晰度都较好的声音，特别适合用于演奏厅的表演。
在1960年以前，弗拉门戈吉他的演奏姿势都是把吉他放在上手臂与大腿间。到了1960年以后，多数乐手采用Paco De Lucia的方法，将吉他的位置降到大腿上，让腿部承受吉他的捉拿过量，手臂较为自由，因此乐手又可以使用较为重一点的吉他。
弗拉门戈吉他在外观上与古典吉他相似也使用尼龙弦，但背板与侧板用料不同，琴弦与面板之间的距离也不同等等。传统的弗拉门戈吉他是使用柏木做背、侧板，白松做面板 (用柏木做背、侧板可以获得明亮、富有颗粒感的音色) ，小提琴式的摩擦弦钮，琴距也比古典吉他低。
弗拉门戈吉他开始引进玫瑰木和一些其他的木料做背、侧板。玫瑰木做的背、侧板可以发出低沉而浑厚的低音，一般用于大型的音乐会中演奏，而柏木做背、侧板适合一些小型音乐会。
吉他从出现在伴奏歌舞上，演变到拥有无数自由表演曲目及表现深度音乐性的独奏乐器。数十年间众多吉他大师利用吉他清晰的节奏感及能强烈表现自我个性的特色，埋首潜心研究出许多艰难的技巧，产生许多不同效果的方法，至今日弗拉门戈吉他在西方的世界，方能跃升而自成一门弹奏艺术，非同于往昔替舞者、歌手伴奏的角色。
在每位吉他演奏者所弹奏之声调各有所异，然而若真他们内心深处的感情流露，则能强烈表现自我，而在技巧的表现上，更精湛、更具音乐性。聆听能充分表现西班牙民族热情奔放个性的弗拉门戈音乐后，或许在他们敲击吉他琴箱，热情的节奏中，也能激起您对生命的热情。
弗拉门戈吉他曲目01 赫雷兹的节庆 Fiesta en Jerez
02 维迪亚列斯的方丹戈舞曲 Fandangos por Verdiales
03 加洛汀 Garrotin
04 小探戈舞曲 Tanguillos
05 贝特涅拉斯 Peteneras
06霍塔舞曲 Jota
07卡拉巴纳的吉普赛人 Carabana Gitana
08 法鲁卡与伦巴 Farruca y Rumba
09安达卢西亚悲歌 Lamento Andaluz
10 索隆科 Zorongo
恩里克葛拉纳多斯 Enriqe Granados
11 西班牙舞曲第六号 Spanish Dance No.6
弗朗西斯科艾瑟阿泰雷嘉 Francisco Eixea Tarrega
12阿尔罕布拉宫的回忆Recuerdos de la Alhambra
安东尼奥辛诺波里 Antoniol Sinopoli
13 比达利塔 Vidalita
弗拉门戈吉他技巧1.Continuous Rasgueo他是比较难的弗拉门戈右手四连音滚奏，学此技巧时有快有慢。
2.golpe(敲板技巧)此技巧难在分脑，也就是敲板同时还要演奏旋律和节奏。
3.Alzpor(拇指技巧).
4.Tremolo(轮指技巧)P，I，A，M，I.
5.Apagado(止音技巧)有左右手两种止音之分.
6.Picado(二指轮拨)有靠弦与不靠弦之分.Paco De Lucia最擅长此技巧.
7.Ligado(左手连奏)也就是左手快速垂拉技巧.
8.Arpeggio(琶音技巧)和古典没有太大区别，但节奏与古典吉他有很大区别。
9.Arraster(波浪音)长用无名指从一弦拨到六弦。这是拨弦的一个特殊技巧。
10.En Abanico(弗拉门戈三连音)常用的有P，M，P。
延伸阅读
电吉他和贝斯的区别在哪儿，它们的区别是?下面是小编给大家整理的贝司和电吉他有什么区别，供大家参阅!
贝斯和吉他的区别贝斯就是低音提琴，长用于乐队的低音声部4根弦，一般用弓子拉弦发音，也可以用手拨弦，而吉他有6根弦，音域范围比贝斯高，声音清脆，体积比贝斯小的多。
贝斯的特点在于获得箱体共鸣声 就和原声箱琴和原声电吉他音色的区别一样 一般在配合原声箱琴的情况下使用最多 能够很好的维护音乐中音色的协调统一
使得吉他木质箱体的共鸣魅力得以张显 使得箱琴的音色魅力得以大幅度的加强 从而增加音乐整体的特征
还有插电不插电的区别 价钱的区别 箱BASS一般都很贵
贝司和电吉他有什么区别1工作频段不同。吉他音箱主要工作在中频和高频，贝司音箱主要是工作在和中频。贝司在乐队中多数时候负责低音铺底，配合打击乐器做节奏效果。
2..功率不同。贝司由于跟打击乐器配合，加上低音本身的听觉敏感度低，一般都做的功率很大。
3..音色效果取向不同。贝司音箱通常带有多段均衡和压缩效果，对音调调整很精细，用压缩提高音色颗粒感。而吉他音箱的音色调整一般比较丰富，跳跃性很大，有时候带有很多效果器。
4..箱体结构不同。贝司一般采用密闭箱体，吉他则密闭、背敞结构都有应用。密闭箱的音色特点是音色丰满、连贯、平滑、颗粒感强，背敞箱高低频凸显，中频凹陷，不适于贝司使用。
贝司和吉他的主要区别还是在于演奏的音域不同，也就是发出的声音音高不同。通常，四弦贝司的(由细到粗)1至4弦比六弦吉他的(由细到粗)3至6弦分别低八度。反映到外观上，就表现为贝司的弦比吉他要粗。
而至于琴弦的数目，则由于各种原因出现了各种弦数的贝司和吉他。除了最常见的四弦贝司和六弦吉他外，贝司的弦数还有3、5、6、7甚至12弦;吉他则还有7、10、12、24弦。而实际上，只要你有能力(自己做)或有money(请人做)，任意弦数的吉他和贝司都有可能出现
BASS在乐队中属于伴奏低音的, 一般有四根弦，也有用于独奏或表现力更丰富的旋律时用四根弦以上的。
到底贝斯和电吉他有什么区别外形
贝斯往往更大，Leo Fender 老爷子造的第一只 PB 是 34 英寸因为他觉得「这个弦长音质比较好」。常见的是 4 弦或 5 弦，虽然 67 弦这样的奇葩型号也都有来着。
相对的贝斯的曲线也更优雅。把 Strat 比作萝莉的话，PB 就是御姐，作为一个御姐控我盯着 PB 留着口水说。
音质
贝斯的重点不在音质而在其音域。贝斯主攻低音部，四弦的音高从低到高是 EADG，标准调弦比吉他的 3456 弦低一个八度，五弦在四弦的基础上多一根 Low B。对于贝斯来说音质要求并不像吉他那样丰富，效果器也比吉他少，要加也是诸如 Limit 这样改动比较少的，很多时候就是原声。
和吉他一样贝斯的拾音器也有单线圈双线圈之分，例如 Fender 的 Jazz Bass(在汉语语境下这个打缩写会要命的=..=)多为两个单线圈或者琴桥换成双线圈，PB 就是一组双线圈，有的型号会在琴桥处再加一个单线圈。两种拾音器的音色和吉他不太一样，非要比喻就是「PB 是一桶水泼出去，JB 是水龙头射出去」去琴行找两把弹著比较比较算了。
要说更多的区别的话，贝斯弦更粗更重，按弦比较费力。
经常会有人把电吉他与贝斯之间相互混淆，其实这二者是完全不同的乐器。下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他有什么区别，供大家参阅!
贝斯和电吉他有什么区别外形区别上贝司的琴颈比吉他要长得多。
贝司的弦比吉他的弦粗。
吉他有两根裸弦，贝司没有。
.贝司的卷弦器比吉他的大。
重量的话 bass比吉他重 bass没有摇把
贝斯和吉他的区别：
1工作频段不同。吉他音箱主要工作在中频和高频，贝司音箱主要是工作在和中频。贝司在乐队中多数时候负责低音铺底，配合打击乐器做节奏效果。
2..功率不同。贝司由于跟打击乐器配合，加上低音本身的听觉敏感度低，一般都做的功率很大。
3..音色效果取向不同。贝司音箱通常带有多段均衡和压缩效果，对音调调整很精细，用压缩提高音色颗粒感。而吉他音箱的音色调整一般比较丰富，跳跃性很大，有时候带有很多效果器。
4..箱体结构不同。贝司一般采用密闭箱体，吉他则密闭、背敞结构都有应用。密闭箱的音色特点是音色丰满、连贯、平滑、颗粒感强，背敞箱高低频凸显，中频凹陷，不适于贝司使用。
贝司和吉他的主要区别还是在于演奏的音域不同，也就是发出的声音音高不同。通常，四弦贝司的(由细到粗)1至4弦比六弦吉他的(由细到粗)3至6弦分别低八度。反映到外观上，就表现为贝司的弦比吉他要粗。
而至于琴弦的数目，则由于各种原因出现了各种弦数的贝司和吉他。除了最常见的四弦贝司和六弦吉他外，贝司的弦数还有3、5、6、7甚至12弦;吉他则还有7、10、12、24弦。而实际上，只要你有能力(自己做)或有money(请人做)，任意弦数的吉他和贝司都有可能出现。
BASS在乐队中属于伴奏低音的, 一般有四根弦，也有用于独奏或表现力更丰富的旋律时用四根弦以上的。
一首完整的歌要有高音,中音和低音组成.就好比音响有高音喇叭,中音喇叭和低音炮.在乐队中,鼓是乐队的框架,吉他是乐队的高音,而BASS就是乐队的灵魂.BASS和吉他的不同之处就是前者是低音吉他而后者是高音吉他.高音吉他的作用是担任歌曲中前奏,间奏和尾奏的华彩(SOLO)和节奏的.所以高音吉他又分为主音吉他和节奏吉他2种.BASS的作用是强调歌曲中每个小节和弦的根音(或和弦音),为高音吉他的演奏做铺垫。
贝司：又名低音吉他在乐队里负责低音部分，使乐队的整体音效变得圆润有活力，贝司是由四根低音弦组成，将原有吉他的三四五六弦降低八度来弹奏。吉他：又名六弦琴，在乐队里负责比较主要的部分，通常有主音吉他和节奏吉他。乐队通长使用的都是电吉他，有自己的风格的时候会加电箱琴(木吉他的进化版，他有内制的拾音器可以插音响)电吉他演奏学习：吉他的技巧能力对于那些要掌握吉他的主音吉他手来说，必须发展演奏技巧使其能演奏出他想象中的东西，任何音符连接。一个连续的布局应能有效的运用设备中的已存在的能力，而不是分割地学习每一个技巧。
技巧练习
练习使改进特定技巧的工具。他们能使你致力于单个技巧，使你能很快地掌握。通过正确的练习，能使你在几星期或几个月，而不是几年，获得成功。
1、减速 慢慢地演奏，不要出错。你的手指将依你的训练而移动。如果你快速练习，甚至100次，你能说在101次时，你突然就能正确而清晰地演奏吗?然而，假如你正确地练习100次，你可以保证接下去的一次一定是完美的。
2、避免心理障碍 假如你过分集中注意力，你会紧张、焦虑，这种压力会使你犯更多的错误，反过来有加重了焦虑。不要压迫自己。保持平稳而流利的节奏。与节奏结合的自然运动会阻止心理障碍的产生。
3、注意练习的目的 既然练习使按提高某种技巧而设立的，你应该明白练习的目的使什么，然后在你练习的时候，集中注意力。
4、不要在某一练习上用太多时间 如果你练习某种技巧太多的时间，你实际上会开始走向反面。最好是在练习之后放松肌肉。演奏一些不同的东西，然后再回到原来所练习的，就会发现原来并不难!
基础动作 左 手
1、大拇指位置 左手有两个基本位置，一是将大拇指放在琴颈后;二是将大拇指勾住琴颈顶部。大拇指放在琴颈后面这种位置给你的手指更多的活动空间，并能更准确地控制。用在需要更宽品格的爬音阶或即兴乐段。另一种指位可以更有力量并控制弯弦。
2、手指运动 你需要移动手指越远，到达目的的时间会越长。因为距离等于拍子，将手指贴近琴弦――悬在一厘米左右处。当你槌击或钩弦时，不要让一个手指离弦太远。等到发生这种现象，再改就很难了。
3、手指的流畅性 练习在下一个音符来临时抬起先前的手指。着将帮助提高左手的圆滑与流畅，更加自然地移动指位。
4、手指的准确性 养成习惯，让每一个手指按在相应的金属品位节上，而不是节与节之间的空间。这使你左手更加坚定而正确。用手指指尖。
手指独立性练习
左手的每个手指在移动时不影响其他手指，被称为手指的独立性。有了很好的手指独立性，你的手指将会更加放松，而新的音符形式能很快地被掌握。
把音箱调到清晰无失真的音色，使你能了解手指所做的。大拇指用颈后式。慢慢地练习，保持稳定的节奏。关键是准确度和控制力，而不是速度。
注意：把手指贴近弦正确按品位用手指尖练习当下一个来临时，抬起每一个手指
颤音练习颤音是指快速交替演奏两个音符。将演奏较低那个音符的手指固定在品位上。为了消除不必要的杂音，用食指轻轻地按，并制音相连的弦。
槌击音至新的一根弦：可以不用演奏预先的音符而使用槌击音的方法演奏。注意它发出的声音是多么平稳。必要时，用食指制音相连的弦。
连续性练习：一个连续是指一系列旋律思想重复演奏，除非必需降一音程或升一音程开始演奏。以三个音符组(三连音)连续的音阶是很好的左手练习。
弯弦练习：对于主音吉他来说，弯弦和颤音是一些必需掌握的最重要的技巧。在下面的练习中，演奏第一个音符，然后弯弦至下面所显示的音高。到正确的音高后，加入颤音。(颤音是集中在某一特定音区中的一系列弯弦和放松弦。在你将弦弯至所需音高时，轻轻的防弦，然后弯弦至所需音高，如此反复。)弯弦时，大拇指在琴颈顶部的位置。
滚动到变化弦：通常即兴演奏使用同一品位的两个音符，但在两根相连的弦上。演奏时，不要让弦同时发出声音。必须滚动你的手指到新的弦而离开先前的弦，不要离开品位板。离开品位板换弦会使两个音符之间有一个停顿，而因此听起来不流畅也不准确.
贝斯调琴入门在开始谈Neck的调整之前，先补充几项调琴的基本动作。
1. 除了上次提到Pickup磁蕊位置的确认外，其他所有调整的动作都得在装好弦并且On Tuned的情况下进行。
2. 弦不可太旧，亦无须全新，最好是换完新弦的一周后进行调整。
3. 使用Amp辅助调整时，必须选择较具水准的Amp，并且将一切EQ调整或高低音
补强功能Bypass。
4. 各项调整工具准备齐全，选择晴朗而温度适中的天气，并默祷三分钟。
其实，Neck琴颈 的调整应该是调琴的第一步骤(接下来是Bridge琴桥，then Pickup拾音器)，只不过由于此项调整需依赖耳朵的地方甚多，入门者恐怕火后尚未足够，所以摆在最后面介绍。
如果你弹Bass已有一些心得，希望踏入调琴这个领域，请牢记以下四项心法：
一。 决定Sound好坏的顺序是：弦，Neck弯曲度，Bridge高度与倾斜度，Pickup高度，八度音调整。
二。 每次换弦的一周后，都要Check Neck;尤其是当新弦的粗细(Gauge)和原本不同时，一定会影响Neck的张力，必须重新检查。
三。 若要上紧Truss Rod，标准动作是：先放松一点再上紧。
四。 每次调整Truss Rod以八分之ㄧ圈以内为宜，最多不可超过四分之ㄧ圈，两次调整之间，最好间隔一周。
五。 调整Neck需要耐心与细心，千万急不得，而且最好调完后每天都要检查音准。或许有人会觉得，Neck就只有那么一个地方可调整，有什么难的;对!以这种角度来看Neck的调整方式的确简单，但若掉以轻心，结果可能会有天渊之别。Neck的中心都有一或数根金属棒，在Neck顶端或尾部会露出棒状调整杆(实际位置请自行确认)，使用其专用工具转动它，可借以调整Neck的弯曲度。
1. 首先，先准备好工具，并确认弦都调好音。
2. 接着，如果你有厂方说明书(这也表示你的Bass够贵)，看看调整方向应该是如何。没有说明书也没关系，可以试着用工具先顺时针再逆时针轻轻转动调整杆，看遭受的阻力如何。若顺时针转感觉较松，表示此方向能使Neck呈中心凹下的弓形，而逆方向则会使其呈中心突起的球型。若反之，其表示意义便相反。
3. 一般有经验者多会拿起Bass，逆光检查指板的侧面线条，用以判断Neck的弯曲程度。在此提供另一个方法：同时按住外侧弦的第1和第22格，如果Neck琴颈 是笔直的话，此时第7格的弦枕(Fret)与弦的距离，应该恰好比最薄Pick还少一些，也就是说，应该是不会打板而刚好能夹住Pick。
4. Neck的最佳状况并非一定要绝对笔直，而是要有一点点弓形的弯曲(且弯曲位置最好在头部算下来第一到第三格之间)。然而，这一点点的程度，依Bass形状和各家设计而有不同。一般说来，Fender型(四根弦的调音钮在同一排、琴头没有后仰)的弯曲程度要比24格而调音旋钮分置两侧者多一些。
5. 如果Neck太弓形，在中把位的弹奏会觉得左手按弦较吃力，而声音也较模糊;若太球型，则低音把位较容易打板。
6. 当你将Neck调成较为笔直时，接下来的难题便是，如何将它调出最佳状况，此处也正是本文之重点。将音调准，接上Amp，跑一下五声音阶练习，将Neck向弓型的方向放松一点点，听听看Tone的改变(一定会不同，否则你自己的耳朵该调整了)，若Tone的弹性较好，可再把Neck放松一点，直到Tone变差时，再将Neck调回来一点点;反之亦然。注意，此处所谓一点点，真的必须以微调方式进行，大约在10度左右。
7. 当温度与湿度改变时，Neck的弯曲程度都会变，所以，就算你手头拮据到半年都无法换弦，至少夏季和冬季各检查一次，看看有无需调整的地方。但是，Neck的调整不可以太频繁;当气候改变剧烈时，比如下了三天大雨、马上就热了五天，Neck会有不同的弯曲程度，这是正常的。如果马上要用琴，可以暂时以调整Bridge来应付，千万不要因此经常把Neck调来调去。
在开始谈Neck的调整之前，先补充几项调琴的基本动作。
1. 除了上次提到Pickup磁蕊位置的确认外，其他所有调整的动作都得在装好弦并且On Tuned的情况下进行。
2. 弦不可太旧，亦无须全新，最好是换完新弦的一周后进行调整。
3. 使用Amp辅助调整时，必须选择较具水准的Amp，并且将一切EQ调整或高低音
补强功能Bypass。
4. 各项调整工具准备齐全，选择晴朗而温度适中的天气，并默祷三分钟。
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其实，Neck琴颈 的调整应该是调琴的第一步骤(接下来是Bridge琴桥，then Pickup拾音器)，只不过由于此项调整需依赖耳朵的地方甚多，入门者恐怕火后尚未足够，所以摆在最后面介绍。
如果你弹Bass已有一些心得，希望踏入调琴这个领域，请牢记以下四项心法：
一。 决定Sound好坏的顺序是：弦，Neck弯曲度，Bridge高度与倾斜度，Pickup高度，八度音调整。
二。 每次换弦的一周后，都要Check Neck;尤其是当新弦的粗细(Gauge)和原本不同时，一定会影响Neck的张力，必须重新检查。
三。 若要上紧Truss Rod，标准动作是：先放松一点再上紧。
四。 每次调整Truss Rod以八分之ㄧ圈以内为宜，最多不可超过四分之ㄧ圈，两次调整之间，最好间隔一周。
五。 调整Neck需要耐心与细心，千万急不得，而且最好调完后每天都要检查音准。或许有人会觉得，Neck就只有那么一个地方可调整，有什么难的;对!以这种角度来看Neck的调整方式的确简单，但若掉以轻心，结果可能会有天渊之别。Neck的中心都有一或数根金属棒，在Neck顶端或尾部会露出棒状调整杆(实际位置请自行确认)，使用其专用工具转动它，可借以调整Neck的弯曲度。
1. 首先，先准备好工具，并确认弦都调好音。
2. 接着，如果你有厂方说明书(这也表示你的Bass够贵)，看看调整方向应该是如何。没有说明书也没关系，可以试着用工具先顺时针再逆时针轻轻转动调整杆，看遭受的阻力如何。若顺时针转感觉较松，表示此方向能使Neck呈中心凹下的弓形，而逆方向则会使其呈中心突起的球型。若反之，其表示意义便相反。
3. 一般有经验者多会拿起Bass，逆光检查指板的侧面线条，用以判断Neck的弯曲程度。在此提供另一个方法：同时按住外侧弦的第1和第22格，如果Neck琴颈 是笔直的话，此时第7格的弦枕(Fret)与弦的距离，应该恰好比最薄Pick还少一些，也就是说，应该是不会打板而刚好能夹住Pick。
4. Neck的最佳状况并非一定要绝对笔直，而是要有一点点弓形的弯曲(且弯曲位置最好在头部算下来第一到第三格之间)。然而，这一点点的程度，依Bass形状和各家设计而有不同。一般说来，Fender型(四根弦的调音钮在同一排、琴头没有后仰)的弯曲程度要比24格而调音旋钮分置两侧者多一些。
5. 如果Neck太弓形，在中把位的弹奏会觉得左手按弦较吃力，而声音也较模糊;若太球型，则低音把位较容易打板。
6. 当你将Neck调成较为笔直时，接下来的难题便是，如何将它调出最佳状况，此处也正是本文之重点。将音调准，接上Amp，跑一下五声音阶练习，将Neck向弓型的方向放松一点点，听听看Tone的改变(一定会不同，否则你自己的耳朵该调整了)，若Tone的弹性较好，可再把Neck放松一点，直到Tone变差时，再将Neck调回来一点点;反之亦然。注意，此处所谓一点点，真的必须以微调方式进行，大约在10度左右。
7. 当温度与湿度改变时，Neck的弯曲程度都会变，所以，就算你手头拮据到半年都无法换弦，至少夏季和冬季各检查一次，看看有无需调整的地方。但是，Neck的调整不可以太频繁;当气候改变剧烈时，比如下了三天大雨、马上就热了五天，Neck会有不同的弯曲程度，这是正常的。如果马上要用琴，可以暂时以调整Bridge来应付，千万不要因此经常把Neck调来调去。
深究其原因，大多有三：
1.Bridge太低
2.Neck弯曲度不对
3.右手太用力
其中，第三项属个人因素(其实多半是此原因)，在此先按下不表，如果你懒得回去找
以前我贴的 调琴入门 ，这里另外提供一种专供克服Buzz用的调琴方式。
在开始之前，先说明一下我个人惯用的几个术语。
于下文中， 低把位 是指第1格到第6格， 中把位 是第7格到第12格， 高把位 是
第13格到第24格(or more)。Neck 弓形 指的是中央凹下而两边突起的情形， 球形
是中央突起而两边较低的情形。
了解了吗?别急，先调好音，接上Amp，琴上前后Pickup都开到最大，Amp上的EQ
调到中间位置，准备好工具，这就上路啦!
一、先Check Neck弯曲度是否合宜
1. 把Bridge的高度降到最低，再调一次音，然后左手不要按，弹看看，先确定空弦时不会打板。如果空弦就会打板，那保证Neck已不仅是球形，还可能呈现如赵传秃头般的线条。(注：在某些Bolt-on的琴上，有可调Neck仰角的设计，若Neck调得太后躺，也可能会打板。)要是Neck已经那么 赵传 ，先将它调成较为笔直，再继续往下看;至于如何调，
请参考 调琴入门(三) 。
2. 分别在低把位，中把位和高把位，以半音练习的方式，一格一格的试，看打板的
情形为何。
如果只有高把位不会打板，表示Neck呈球形。
如果只有低把位不会打板，表示Neck呈弓形。
如果只有高把位会打板，表示Neck仅略呈弓形。
如果只有低把位会打板，表示Neck仅略呈球形。
Neck的调整方式请参考 调琴入门(三) 。
每次调整Neck后，皆须重新调好音再做Check的动作。
如果只有中把位不会打板，请检查Fret是否有磨损。
如果左手按任何一格都会打板(绝大多数是如此)，请将Bridge调高一些再试。如果Bridge降到最低，而每一格都不会打板，恭喜你，史上传说中的 天琴 终于出现了，你的Bass可以去向金氏纪录委员会登记了。
3. 依上述方式反覆检查及调整，直到高、中、低把位皆不会打板，再将Bridge降低一点点，看看是否都会略为打板，用意是验证Neck的弯曲度是否正确。
二、Bridge的高度Setting这部分应如何调整才算正确?实为见仁见智。以前我都将它调到怎样出力都不会打板的程度，因为我喜欢用力抠弦时，那种颗粒雄壮的Tone。但那也使得弦较高，速弹时左手较为吃力。后来我将其降低许多，虽然拨弦力量需抑制在较小的范围，但跑音可以快了好多，稍微改变右手手指拨弦的Touch，一样可以弹出颗粒状(不是在说那个啦);而出力弹时所发出的打板音，反而有点Alternative(另类音乐)的感觉。前几天，与邱培荣聊到这个话题，他说他在美国时，看到许多好手都把弦降的很低，几乎只要用一点力就会打板，但是只要Tone调得好，打板音一样很棒。事实上，我认为如此调，与其他人合奏时，不但听不太出来打板，更增加Bass音的穿透力(不是只有Guitar才有)。
我的建议是：
打板音可视为Bass的另一种音色，适量的使用可以让你的弹奏更有味道，更具爆发力，尤其是在Solo的时候。而新手也不要自囿于 新手 ，一开始学习，就要知道如何控制弹奏的力量，切记：Tone的变化主要在于手指。
* * *
前几天我才刚换Blue Steel的弦，已经调了三天琴，先将Bridge调得高一些些，让Neck
习惯新弦的张力，过两天再将其降低到打板边缘。调琴是得花上不少时间，何况是
自己的琴。
此外，还是那句老话：好弹的琴，Tone未必最好。我自己都将琴调到不是那么好弹
(也不难弹就是了)，但Tone的弹性与饱和度一定要好。
1- 将琴就弹奏位置， 同时按住第4弦的1品与琴颈接身体那一品(通常bolt-on琴， 如Fender, 在17品。 若是neck-thru通体琴， 如Rickenbacker 4003 或Gibson/Epiphone Thunderbird 则是最后一品)， 看看第4弦与第8品的距离。 若是超过12张名片的厚度(=.025英寸=0.6mm)， 则是太过前弓， 必须松弦之后顺时针方向调紧truss rod (琴颈内钢筋)，把琴颈调直。 若是弦与品相贴， 则是全直或后弓， 必须调松truss rod(不需先松弦)。在琴颈接近笔直的状态下， 升降saddles(弦鞍)才有意义。
2-琴颈调到接近笔直后， 就调整琴桥saddles高度，把弦高调到正常弹奏舒适，并且各把位不打品的高度。
3-然后调八度音准。空弦音准了，而12品音偏低，则把saddle往前调。反之，则往后调。
4-然后调整拾音器高度(按住各弦在最后一品， 让前拾音器与弦距离不小于1/8英寸(=3mm)， 并且各弦音量平均。 之后再把后拾音器高度调至其音量与前面pickup相等或稍大些。
*注意：以上的调整顺序不可颠倒或改变*
琴颈笔直而弦低会好弹， 音色较亮， 缺一点中低频。
琴颈前弓而弦高， 则音色较厚但是缺高频，并且弹起来左手费力。
你也可以将琴颈调到笔直， 但把琴鞍调高， 结果是弹低把位左手很轻松， 高把位则费点儿劲。
所谓完美的setup (调校)既是针对每个乐手在playability (手感与好弹度)与音色双方面找到最好的妥协之地。
在看到很多人还在为自己的琴苦恼的时候想到了这些
有人觉得自己的琴弦是不是太高了，你可以试试，
如果没有把握你还是来找我吧
如何调整琴颈
在琴弦放松的情况下(小窍门：如果你的琴带摇把你可以用他来放松你的弦，免得调音麻烦)，用六脚板调整琴颈内的钢筋。要看你的琴是在什么地方调。在琴头这调的向6弦方向是紧(也就是调成反弓形)。在琴体(音空)处调，向1弦调是紧。
调好后，把琴调到标准音(如果你完死亡就别)， 然后 ，用左手摁住一品 ， 右手小拇指摁住最后一品(可以用大拇指试品与弦的高度)，如果12品与弦还有距离，就继续扳。
如果调好后12品与弦没有间隙(最好是留一点点，差不多一弦的粗细那么多)
如果出现打品(可能你的弦要换了)把琴马放高，
其实打品还有很多可能性。有些是杂音琴马，琴颈的问题
我们来了解一下弗拉门戈吉他大师Paco de Lucia。下面是小编给大家整理的弗拉门戈古典吉他大师，供大家参阅!
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia简介Paco de Lucia(1947-2014)男，Paco de Lucia是世界上最优秀的Flamenco吉他演奏家之一，本名为Francisco Sanchez Gomez，1947年出生於西班牙南边海港城市阿尔及西拉斯(Algerciras)。Parco de Lucia七岁便能弹奏佛朗明哥吉他，十二岁开始灌录唱片，青少年时期赢得数项比赛之冠，十三岁跟著Jose Greco的佛朗明哥乐团巡回国际表演，很有天赋。
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia概况吉他界的变革者
在1960年代以前，佛朗明哥吉他的演奏姿势都是用吉他放在上手臂与大腿间，到了1960年代以后，多数乐手采用Paco de Lucia的方法，将吉他的位置降到大腿上，让腿部承受吉他的重量，手臂较为自由，因此乐手又可以使用较为重一点的吉他。
Paco de Lucia可以说只手改变了佛朗明哥的演奏风潮，他不仅秉承Nino de Ricardo的粗犷强烈情绪表达，更融合了Ramon Montoya这个「古典」派的音乐概念与细腻技巧。他率先将吉他位置放低到大腿上，给了乐手更多表现空间。他以惊人的picado(快速断音)、新的而且速度奇快的alzapua与rasquaedo(刷弦)手法。除此之外，他还不断将其他音乐形式的元素加入到佛朗明哥中(譬如拉丁美洲音乐、爵士乐的的音阶与和弦概念)等。
当代的佛朗明哥吉他艺术要溯源至吉他大师El aestro Patino，他在年轻时代也常做独奏演出，但是他的最大贡献是教出了两个学生Paco el Barbero与Paco de Lucena，这两位学生的学生对当代佛朗明哥吉他风格的创建，有绝对性影响。
优秀教师
Paco el Barbero教出了Javier Molina(1868-1956)，Molina又教出了El Nino Ricardo(1904-1972)。El Nino Ricardo不仅是伟大的演奏家、创新者，他的风格直接影响了Serranito、Manolo Sanlucar、Paco de Lucia。这一派的演奏风格粗犷强硬、情绪澎湃深沉，被称之为very flamenco。
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia介绍当时他的父亲，一位半职业的吉他手，意识到了自己的儿子在这方面具有很大的天分，于是便为他提供了各种条件，使得Paco de Lucia可以将自己所有的业余时间都花在练习吉他和研究吉他的演奏技巧上，而这些成果，正是今天我们从他的精彩演奏中所听到、见到的。跟著父亲、哥哥以及家族朋友──吉他大师Nino de Ricardo学习吉他。起初，Paco de Lucia是与他的兄弟Ramn一起演奏二重奏，另外还与他的一个做歌手的兄弟Repe共同组成了名叫Los Chiquitos de Algeciras的二重奏。1962年，兄弟二人双双获得了大奖。此后，Paco de Lucia成为了一位世界级的明星。他将拉丁美洲和爵士乐中的和声御用到Flamenco音乐中，并且影响到了所有新一代的Flamenco吉他手。 Paco de Lucia的演奏出神入化，技巧高超，演奏曲目范围广泛，从传统的Flamenco音乐到《阿兰胡埃斯吉他协奏曲》均演奏，并且还提出了向古典吉他发起挑战的口号。
Parco de Lucia会作曲，也替多位著名西班牙歌者伴奏，包括伟大的吉普赛佛朗明哥演唱家Camaron de la Isla，两人从1960年代一直合作到1990年代初。Parco de Lucia除了拥有自己的乐团，也和John McLaughlin、Chick Corea、Al di Meola、Placido Domingo等
初学古典吉他有什么区别是我们应该注意的?下面是小编给大家整理的初学古典吉他注意什么区别，供大家参阅!
民谣吉他和古典吉他有什么差别看上去都是吉他，其实差别挺大的。
先从硬件本身来说：
古典吉他多为尼龙弦，6根弦标准调音状态下总张力38kg左右，指板宽度48~58mm不等，国内常见的是48~52mm的，偶尔有56mm的，欧洲有见过58mm的。12品处连接琴体，桶型基本固定。
民谣钢弦6根弦总张力可以达到70kg以上，指板宽度弹唱琴多为42.8mm，多用途或者指弹琴多为44~46mm。14品处连接琴体，少数小琴体为了追求反应速度也会在12品处连接，桶型差别较大，弹唱常见D型，指弹有很多品牌的原创桶型。
然后演奏因风格不同，技巧差别也很大，简单说一下吧：
民谣吉他是一种很少受到束缚的乐器，易学难精也正是因为这种自由。基础的训练大约需要1个月左右完成，之后简单的弹唱很多谱子可以自己看懂慢慢背就行了。但是如果想要将一首曲子演绎得比较丰满，比如前奏、间奏、尾奏都用solo的形式演绎出来，那可能需要至少几个月的时间磨练。从演奏形式来说，常见的：分解伴唱、扫弦伴唱、指弹独奏、拨片独奏、扫弦独奏，甚至有人把民谣吉他当鼓来打，吉他鼓手并不少见，风格和个性化技巧都非常自由。
民谣吉他是古典吉他最大的障碍之一这句话的意思是民谣吉他过于自由，对按弦、换把、拨弦等等细节都不会有严格的限定，每个人会有自己独有的一套技巧和习惯，但是古典吉他相对严谨很多，没有正确的技巧拨弦的频率、换把的速度、手指分配等等问题就很难解决。而当你在民谣吉他上自由散漫惯了，在去玩古典吉他可能会要不小的劲去改掉那些坏习惯。反之，有些古典吉他好手打下了扎实的基本功，然后转到民谣吉他上玩指弹却得心应手，比如德国的Ulli就是如此。
古典吉他也分若干种风格，民谣吉他亦是如此，最好在投入之前先了解下自己喜欢什么风格的曲目，然后再考虑下是古典还是民谣，是民谣弹唱，还是日韩系指弹独奏，或者乡村、爵士、蓝调等等。
初学古典吉他注意什么区别民谣吉他和古典吉他的区别
民谣吉他，是一种弹拨乐器，形状与提琴相似，通常有六根弦。最早是美国西部乡村音乐的伴奏乐器。通常作为歌曲的伴奏形式出现，以美国西部乡村音乐为主要演奏题材。他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌中被视为常用乐器。也被用于古典音乐，有大量的独奏曲，室内乐合管弦乐中偶有使用。
古典吉他是一种根据200多年前式样成型的以尼龙弦(100年前为羊肠)发声的乐器。首先从乐器的角度理解：古典吉他的构造与其他乐器(弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉他等)有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏为主、兼顾一定量的重奏、协奏等;手指直接弹奏(不使用拨片等物件)并结合各种特殊演奏技巧;从音乐的表现来讲：古典吉他以演奏古典乐为主，兼顾一定量的现代经典乐曲。细腻而多变的音色，丰富的多声部和声演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的音乐都能诠释自如。
民谣吉他，是一种弹拨乐器，形状与提琴相似，通常有六根弦。最早是美国西部乡村音乐的伴奏乐器。通常作为歌曲的伴奏形式出现，以美国西部乡村音乐为主要演奏题材。他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌中被视为常用乐器。也被用于古典音乐，有大量的独奏曲，室内乐合管弦乐中偶有使用。
古典吉他是一种根据200多年前式样成型的以尼龙弦(100年前为羊肠)发声的乐器。首先从乐器的角度理解：古典吉他的构造与其他乐器(弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉他等)有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏为主、兼顾一定量的重奏、协奏等;手指直接弹奏(不使用拨片等物件)并结合各种特殊演奏技巧;从音乐的表现来讲：古典吉他以演奏古典乐为主，兼顾一定量的现代经典乐曲。细腻而多变的音色，丰富的多声部和声演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的音乐都能诠释自如。
1.从外观结构上的区别：对于古典吉他，在琴弦上使用的是用于独奏和表现音乐较适合的尼龙吉他弦，世界上主要的三大琴弦达达里奥、萨瓦列斯、奥古斯丁就是针对古典吉他的，而民谣吉他使用的是钢弦，由它演奏的性质所定;正规的民谣吉他在品数上是与古典吉他不相同的，在琴的指板与吉他音箱结合处，指板上是14品，而古典吉他刚好是12品泛音点，但有些民谣吉他却是仿造古典吉他制作的;民谣吉他是为伴奏做准备的，所以当然少不了背带，同时就具有背带扣，细心的初学者是能发现的;古典吉他和正规民谣吉他在栓琴弦的方式和设置都是完全不一样的，这里就不多说了。
2.从演奏形式上的不同：古典吉他主要可以从事以下演奏方式：吉他独奏、合奏、协奏和伴奏，而民谣吉他的演奏方式单一，只是伴奏，也有不少人用钢弦吉他(民谣吉他)演奏指弹吉他曲目，创作了不少另类的风格，但音乐艺术方面，古典吉他表现力要强的多。初学者我建议学习古典吉他(Classicalguitar)，而电声吉他/贝司却是从古典吉他中逐渐演变的用于乐队伴奏的现代乐器。
3.学习的方法上有所不同：从演奏性质看可以知道学习这两种吉他的学习方法和方式是不同的，古典吉他学习的过程中是要经过正规的姿势、训练和循序渐进的学习练习，严格性和专业性是古典吉他学习提高的特点;民谣吉他在学习中却自由了许多，但在伴奏类型和节奏上下的工夫要多，总体来说入门还是比较简单的，但民谣吉他却是学习吉他二次提高的最大客星，一旦民谣吉他学习成型就很不好在学习古典吉他，可能需要耗费很长时间改正一些错误的指法和技巧，而且速度上也需要重新正规地训练。
4.艺术的内涵上有所不同：古典吉他代表的是音乐艺术的延续发展，作为世界三大乐器的古典吉他更是继承和发扬音乐艺术的化生，他的表现力甚至是超过其他所有乐器，贝多芬、布罗威尔(二十世纪世界音乐代言人)都对古典吉他做出了很高的品价，所以古典吉他代表的是更高一层次的艺术，同样要求欣赏人的音乐素质也要很高;民谣吉他表现的艺术内涵一般从属于演唱人和歌曲，真正把歌曲的内涵通过伴奏来更贴切的表现，当然，这就需要双方的配合能力好了。
跟初学者说说木吉他的几个档次及简单区别吉他的原材料是木材，所以质量肯定和木头有关系，此外还涉及到几个的内部设计，发音原理等，但木头的区别是重中之重。
一、合板吉他
也有人称三合板吉他，这种吉他的等级是最低的，大部分初学者的第一把琴都属于这个档次。不论是什么品牌，都是普及的档次。这类吉他的面板是用白松三合板，背板和侧板一般用木质较硬的三合板构成，好一些的背板，如： 玫瑰木三合板、红木三合板等。 这个档次的吉他音色一般，而且没有什么发展，一般做练习之用。它的价格从100多到1000元不等，有的一些进口的名牌吉他甚至达到几千元，但从它的本质来看还是低档吉他。区分吉他的档次我们可以看吉他的音孔部分的木质，一般的三合板吉他可以从音孔处非常明显的看出三个夹层，没有夹层的就是由木板构成的，这样我们就可以分辨出吉他的档次。
二、单板吉他
这种吉他是中档吉他，它从音质上要比三合板吉他好的多，音色浑厚、质感很好而且有发展。也就是说经过演奏者一段时期的演奏，它的木质对声音更加敏感，音色会比新吉他好一些。它的面板是由白松构成的，白松是世界上公认的做吉他最好的木质。背侧板是由红木或玫瑰木三合板构成。一般国产单板吉他的价格在1000元以上，而进口单板吉他的价格在10000元以下。
单板吉他和合板吉他的简单区分方法如下图所示，从共鸣箱口的侧面望去，横切面上没有对应的木纹。这种材质就是用废弃的木材粉碎后压制而成的面板。可以想象无论压制的效果怎样，它都不会起到自然木板的共鸣效果了，从音色方面自然和单板吉他没法比。而单板吉他的侧面有自然的纹路，从图上可以看出。单板吉他又有全单和面单之分，全单指的是面板和共鸣箱的侧板采用的都是单板木质，而面单仅仅是指面部材质是单板。面板的材质是最能体现吉他价值的地方，市面上各种价格的吉他差别主要就在于这里。
三、全单吉他(全木板吉他)
这是木吉他最高的一个档次，一般是演奏会用吉他。它从音质、音色、音量上来说是前两种吉他无法相比的。它的面板是由白松构成的，一些高档名琴的面板要经过十几年甚至上百年的自然风干，再从众多的木质中精选出上等木料出来做为面板，背侧板通常是由玫瑰木或红木构成，世界上公认的最好的背侧板是巴西玫瑰木，但它在巴西已经作为稀有植物保护起来了。
在外形上，贝斯和电吉他比起来有什么不同，区别在哪里?下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他外形上有什么区别，供大家参阅!
贝斯和电吉他外形上有什么区别1工作频段不同。吉他音箱主要工作在中频和高频，贝司音箱主要是工作在和中频。贝司在乐队中多数时候负责低音铺底，配合打击乐器做节奏效果。
2..功率不同。贝司由于跟打击乐器配合，加上低音本身的听觉敏感度低，一般都做的功率很大。
3..音色效果取向不同。贝司音箱通常带有多段均衡和压缩效果，对音调调整很精细，用压缩提高音色颗粒感。而吉他音箱的音色调整一般比较丰富，跳跃性很大，有时候带有很多效果器。
4..箱体结构不同。贝司一般采用密闭箱体，吉他则密闭、背敞结构都有应用。密闭箱的音色特点是音色丰满、连贯、平滑、颗粒感强，背敞箱高低频凸显，中频凹陷，不适于贝司使用。
贝司和吉他的主要区别还是在于演奏的音域不同，也就是发出的声音音高不同。通常，四弦贝司的(由细到粗)1至4弦比六弦吉他的(由细到粗)3至6弦分别低八度。反映到外观上，就表现为贝司的弦比吉他要粗。
而至于琴弦的数目，则由于各种原因出现了各种弦数的贝司和吉他。除了最常见的四弦贝司和六弦吉他外，贝司的弦数还有3、5、6、7甚至12弦;吉他则还有7、10、12、24弦。而实际上，只要你有能力(自己做)或有money(请人做)，任意弦数的吉他和贝司都有可能出现。
BASS在乐队中属于伴奏低音的, 一般有四根弦，也有用于独奏或表现力更丰富的旋律时用四根弦以上的。
贝斯教学小建议：学会忘记有的朋友可能会奇怪我为什么会这么说?：)这其实是我一直在努力的方向!我把我的一些想法说出来，看看是否会对大家有点启发：)象我和老妖这些三十岁左右的人小时侯大多是武俠小说迷!!!古龙曾经说过：武者，只有学会忘记，才会无敌!当年，并不理解它的含义。到现在，才有所领悟!!!其实，很多东西是相通的。比如：对于我们这些BASS手来说，经常会有这种疑问：为什么自己弹的东西总是一个味道?为什么一上手总是自己习惯的那些东西?。。。。。。这些问题我想很多人都考虑过，但也会有很多人选择回避。举个例子：比如练一段SLAP时，同样是三连音的滚奏，你用惯了：食指挑弦第一下，左手拍击第二下，右手拇指敲击第三下，这种手法，而且练得很熟，已形成习惯，这时再让你用：右手拇指敲击第一下，左手拍击第二下，右手食指挑弦第三下的话，你是否能很轻松地完成呢?还是会选择只把第一种练熟，而回避第二种与你所熟练的手法所冲突的另一种手法呢?：)实际上，这就是一个自我超越的过程!人的记忆方式大至分两种：1，大脑记忆。2，肌肉记忆。当你习惯了一种演奏方式，这两种记忆方式同时对你的这种习惯产生记忆，弹的越熟练，这种记忆效应越强!然而反之：当你再弹奏一种全新的演奏技巧，而这种技巧恰恰又与你所熟练的那种技巧相冲突，这时就会产生你的肌体不自觉地对抗你的新思维的情况!时间一长会产生一种烦躁的情绪。是不是会有这种情况发生?：)这很正常，这时，如果你选择了逃避，你将无法突破自己。解决它，有两种方式：1，强迫自己硬性去练习!2，学会忘记你所熟练的东西，用空白的状态去练习新的东西!第二种更为科学，也更为快捷：)但学会忘记你所熟练的东西，并不是真的忘记它，只不过是暂时忘记，每天练琴时都用一种空白的心态去练习。这种方式需要一段时间来适应，但一但适应了，你会发现突破自己是那么容易：)我也一直在试着学会忘记，各位朋友也试一试，也许会有新发现：)
怎样快速提高电吉他技术很多吉他爱好者都非常希望能快速提高自己的电吉他技术,以下是一些中肯的建议:
电吉他初学者的误区
第一， 盲目追求速度。
不知道什么原因，在电吉他手心中，好象对于速度特别追崇，但是对于其他乐器的演奏者来说，好象并没有会认为速度快就是技术好的概念，因此没有老师会在学生开始刚开始学习的时候就练习速度的，如果你问一个钢琴演奏者，你的速度是多少，他一定是回答不上来的，当然他的演奏速度也许是可以达到很快的地步，但是他并不会特别为自己的演奏速度而骄傲。再试想一个歌手，我们会说他(她)唱的真是好听啊，但是没有人会说他(她)的演唱速度真快啊
当然我们这样说，并不是说不需要练习速度(或者更广义的说是基本功)，相反，我们需要很认真的练习基本功，但是一定要注意不要把你的全部注意力放在速度上，不要只用演奏速度来衡量自己的学习进度。音乐学习是有很多方面的内容的，比如对于电吉他初学者来说，练习的内容应该同时包括以下几个方面：
1、 音阶练习：做到能够熟练弹奏12个调的大调和小调音阶，熟悉指板上的所有音名。
2、 基础乐理学习：能够了解基本乐理名词的含义，认识五线谱、六线谱和简谱以及相关的乐理常识，了解和声学的基本知识(比如和弦的构成等)
3、 旋律的视唱和弹奏：这个尤其容易被忽视，试想一个连乐谱上的歌曲主旋律都无法正确演奏的人，又怎么能够演奏好更为复杂的独奏乐曲或者高难度的SOLO呢?还有我们常说视唱练耳，视唱是和练耳联系在一起的，因此在初学的时候就注意培养自己的视唱能力，是能够培养自己的乐感，并为今后的听力练习打好基础的。即使不用专业的要求来要求自己，能够快速的视奏歌曲的主旋律，也是有百利而无一害的。
4、 歌曲的伴奏：也许SOLO更能吸引大多数的吉他爱好者，但是不要忘记吉他是和声乐器，一个吉他手大部分时间是在弹奏伴奏的，伴奏和独奏是不可分割的整体，在练习SOLO的时候不要忘记同时练习它的伴奏，并且要分析它们的关系和行进方式。因此多弹歌曲的伴奏是非常有益的练习，常有人SOLO到后面就和伴奏合不上了，就更需要多练习伴奏了。
5、 基本技巧和相关练习曲：这个就不用多说什么了，相信几乎所有的人都会很积极的学习这些技巧方面的练习的。但是要注意的是不要盲目追求一些花哨的技巧，在没有掌握好基本的技巧，比如推弦、揉弦等，千万不要去练习什么双手点奏这样复杂的技巧或者什么马叫声之类的华而不实的技巧，一个连推弦都推不准的人，是不能叫做电吉他手的!
第二、好高务远，没有耐心。
任何乐器的演奏是都是一门博大精深的学问，即使是口琴这样的乐器，要吹的好，也是需要长时间的认真练习才能真正达到高水平的。对于一个钢琴演奏者来说，要达到演奏家的程度，至少保持每天4-5小时的练习，这样练习10年，才能在技术上达到演奏家的程度，然后再加上天赋，才能真正成为钢琴演奏家。同样的，吉他要弹到一定的水平，也是需要花大量的时间来练习和学习的，即使不是要成为专业的演奏家，要能够掌握它，弹奏出好听的音乐，没有一定的时间花下去是不可能成功的。
但是现在很多初学者往往没有耐心，很多人会在弹了一年之后，就开始去演奏CD上的大师的曲目，但是他会发现自己怎么也弹不好，于是开始困惑自己的能力，开始丧失信心。因此，寻找适合自己水平的曲子来练习是非常重要的。说到这里，有的人会说，〈真的爱你〉总简单了吧，可是我学了1年(或者说2年)还是弹不好，那怎么办??那么我问你，我现在给你一张歌曲旋律乐谱，不要求你用任何技巧，你能保证把每一个音符的音高、时值、节奏都弹准确吗?能让所有的人一听就知道你在弹什么歌曲吗?能跟着伴奏正确弹奏吗?能把歌曲的感情弹进去吗?如果你连这些都不能做到，你怎么去弹要用到很多技巧的独奏SOLO呢?所以，说到底，还是需要耐心的从最基础的东西学习起，不要完全根据自己的兴趣来学习，还是要强迫自己学习一些比较枯燥练习，以及一些音乐基本素质的练习。
电吉他与贝斯比起来，外观上可以看出什么区别你们都知道了吗?下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他外观上有什么区别，供大家参阅!
贝斯和电吉他外观上有什么区别贝斯长吉他短，贝斯一般四根弦，吉他一般六根弦，拿贝斯的比拿吉他的看上去更像搬家公司的
什么是原声贝司AcousticBass 介绍
音色介绍：弓弦乐器类独奏的拨弦音色，有四根琴弦按E1A1DG定音，这个音色是本类中惟一由箱休震动发声的乐器，通常总是处在乐队最低音区的位置，具有两种作用：一是担负和声低音的进行，指示出和声的功能;二是以其特有的节奏型来显示出基本的节拍运动。
常用音域：E1g。
旋律演奏：此音色绝少有演奏旋律的可能，但应用于爵士音乐中时，经常在华彩乐段有独奏的段落出现。
固定音型：在爵士音乐中，低音提琴主要用来演奏两种类型的低音：一种在不短的四分音符中偶尔插入短促的附点音符;一种是演奏带附点的节奏音型。
和声长音：不能。
和声节奏：不能。
分解和弦：经常使用。
特殊技巧：滑音、击弦、揉弦等。
常用音色组合：这个音色最好的应用是在爵士乐队中，流行音乐的配器中也可以使用，但是请注意由于这个音色衰减的很快，并不适合演奏较长时值的音符。这个音色的融合性很好，演奏的低音声部极有效果而又不会过分突出。
使用禁忌：注意最好严格的控制在这一乐器的音区之内，避免产生失真的效果。
电吉他技巧的祥解1 推弦和释放：使音符提高半音(或全音)，接着放回到原音符位置。三个音 符是相连的，其中只有第一个音符被弹奏。
2 预先推弦：先推弦提高半音(或全音)，然后弹奏。
3 预先推弦和释放：先推弦提高半音(或全音)，然后弹奏并放回到原音符位 置。
4 统一推弦：两个音一起弹，把其中较低音符的音用推弦提高到较高音符的 音高。
5 颤音：用左手快速地推弦和释放或用摇把使弦发出颤音。
6 剧烈颤音：用左手或用摇把弹奏出使音升高的颤音。
7 滑奏：弹奏第一音符， 接着把相同左手手指滑上或滑下到第二音符。第二音符不 用弹奏。
8 滑奏：与上相同，不同的是第二个音符需要弹奏。(请注意两者标记的不 同)。
9 击弦：弹奏第一(较低)音符，接着用另一手指缒击琴弦以产生那个较高的 音符。较高的音符不用右手弹奏。
10 钩弦：把两手指都放于要发音的品位。先用匹克弹奏第一音符，然后用左 手手指钩动琴弦以使第二个(较低)音符发音。
11 震音：用击弦和钩弦迅速交替弹奏所示音符和括号中所示的小音符。
12 点弦：先用右手食指或中指缒击指定的品位，然后用左手按弦的手指对指 定的音符进行钩弦弹奏。
13 匹克刮弦：匹克的边缘滑过琴弦，产生刮擦音。
14 匹克震音：快速而且连续地弹奏音符。
15 自然泛音：右手弹奏音符，同时左手轻触泛音点。
16 人工泛音：左手正常按弦，通过用右手拇指边或食指尖轻触泛音 点以产生泛音。高音量或失真将带来更多泛音。
17 震音摇把：一个音符或和弦的音高下降几度后再回到原音高。
18 手掌闷音：通过右手轻触琴桥前的弦来对音符进行闷音。
19 闷音：通过把左手置于琴弦上而不压弦，用右手弹奏产生打击的声音。
20 节奏音型：以所示节奏弹奏和弦。和弦的指法可用和弦图标示。
21 单音符节奏：单音符可以用节奏型表示。音符上方圆圈内的数字表示 弹奏哪一条弦。当在同一弦上弹奏连续音符时，只指出品位数。