为歌曲配和弦的基本方法介绍

浅谈吉他编曲的基本方法

当吉他水平到了一定的程度，你就可以进行编曲了，还未吉他入门的新手们肯定是没有办法做到的，这是一个漫长的过程。下面给大家简单的谈谈，编曲的一些基本方法。

1、确定歌曲的调式。以1、3、5其中一个音开始并结束在1音或5音上的是大调，以3或6开头并结束在6音上的是小调。大调歌曲主要配大调和弦;小调歌曲主要配小调和弦。

2、歌曲的开头和结尾应配主和弦。大调为C，小调为Am。

3、终止前的一个小节配属七和弦或属和弦。大调为G7，或G，小调为E7或Em。

4、属七和弦前应配下属和弦。C → F → G7 → C。

5、然后再为每小节配和弦。小节中的音明显倾向于某一和弦就配上该和弦。

6、如果小节中的音对任何和弦的倾向性都不明显的，就应以重拍上的音或时值较长的音为准。

7、考虑和弦进行是否合理。三度、四度、五度、六度连接是良好进行，二度、七度为不良进行。

8、用代理和弦美化和声。

流行音乐的特点：

一、和弦进行程式化

1、C → F → G → C

2、C → Am → F → G → C

3、C → Am → Dm → G → C

4、C → Dm → G → C

5、C → G/B → Am → G → F → Em → Dm → G → C

6、C → Em → Am → Dm → G → C

二、和声配置围绕旋律为中心，允许反常的和声序进和声部进行。

三、大量使用爵士味和声：使用七和弦、六和弦、增和弦、减七和弦以及各种高叠置的九和弦、十一和弦、十三和弦，这些和弦的运用使和音变得富有刺激性。象在C → Dm → G → C中出了开始和终止用主和弦外，其他和弦完全可以全部变成七和弦。还有一些象低声部的半音下行和高音声部下行来编配和弦。

四、重视和弦色彩的变化：如用F/G代替G，以bB或G/F代替G。运用挂四和弦、九和弦、七减五和弦、大七和弦。

最后引用一句西蒙的话，当记者问到西蒙：“您配置和弦是仅仅凭声响效果吗?”，西蒙是回答是：“噢，当然，取决于声响效果，选择那些听起来最有意思的和弦。”还是需要更多的感觉，多弹些谱，你一定会成功的!

学会调弦的几种基本方法

一、关于琴弦的常识

⒈ 弦的种类与特性：

现在吉他上所使用的琴弦主要分为三类：

⑴ 尼龙弦——多为古典吉他使用；
⑵ 钢弦——多为民谣吉他使用；
⑶ 电吉他弦——多为电声吉他使用。

其特性各不相同：

⑴ 尼龙弦——柔软富有弹力，音色柔和纯净，容易受温度与湿度的影响，当温度升高时， 琴弦张力减弱，音准偏低；当温度降低时，琴弦张力增强，音准偏高，易于老化。
⑵ 钢弦——硬度较大，音色锐利、明亮，富有金属味，受温度与湿度的影响较小，因张力较差，太紧时易崩断。
⑶ 电吉他弦——硬度较大，音色锐利、明亮，富有磁性，受温度的影响较小，但因琴弦含有磁性，所以受潮或沾上手指的汗液而未及时擦干时，容易生锈而老化。

⒉ 各弦的名称与特性：

一套弦中从最细的一根数起分别为第1弦(E弦)；第2 弦(B弦)；第3 弦(G弦)；

第4弦(D弦)；第5 弦(A弦)；第6弦(E弦)。所以，当我们买弦时，可以看到包装袋上

印有“E—1”或“G—3”等字样，就表示这是第1 弦或第3弦。

在一套弦中，无论是尼龙弦还是钢弦，其①②③各弦(agudo)拥有较明亮、锐利的

性质；④⑤⑥各弦(grave)拥有浑厚、深沉的性质，所以前者常用来演奏流畅的旋律，后

者用来做为伴奏。

二、关于定音与调弦

学会调弦是学习吉他的第一步，只有把每根弦的音调准，才能进行正常的练习和演

奏，而音的准确与否主要是靠我们的耳朵来听辨的，所以每一位想弹好吉他的人都必须提

高自己对音准的听辨能力。我们将调弦分为两个步骤——粗调与细调。

第一步、粗调：

吉他上六根弦，自⑥至①其规定音高依次为：

序 号 ⑥ ⑤ ④ ③ ② ①
序 号 E A D G B E
唱 名 3 6 2 5 7 3
音程关系 纯四度 纯四度 纯四度 大三度 纯四度

三、调弦的方法

吉他的调弦并没有得到应有的重视，到目前为止还没有一个真正意义上，很详细的解释调弦方法的研究文章。实际吉他的调弦可以说，除了钢琴以外比任何其他的乐器还难，它不是很容易掌握和练到的。下面是我对吉他调弦方法的收集和整理，一帮助吉他初学者快速掌握吉他调弦的方法。相信这份是最全面的极具价值的一份调弦的资料。希望大家能够从中受益。

下面我门一起来学习吉他调弦的几中方法：

〈一〉利用电话的免提声音调弦

拿起电话听筒(或按下免提），听到忙音了吗？这就是一个国际标准的A音。这下会了吧？对了，先据此调准第五弦A，然后再据此调好其它弦！此方法不够精确，应该尽量不用此方法。

〈二〉借助有标准音的乐器（适合初学者）

此方法比较适合初学者：

(1)、先定准1弦空弦的标准音。可以对比钢琴、口琴或定音笛这些既定的标准音，使吉他1弦的空弦音“3”与乐器的“3”音相同。
(2)、将2弦第5品的音调至与第1弦空弦音相同。
(3)、将3弦第4品的音调至与第2弦空弦音相同。
(4)、将4弦第5品的音调至与第3弦空弦音相同。
(5)、将5弦第5品的音调至与第4弦空弦音相同。
(6)、将6弦第5品的音调至与第5弦空弦音相同。

记住他的规律，其中只有3弦是按在第4品，其余均按在第5品，且都是与前一弦空弦音相同。另外还要注意，初学者尽量不要用电子的调音器，在耳朵调琴的过程中其实是对耳朵的训练。一定要调到标准音，这是为了培养标准音的概念，提高乐感的基础，也便于跟着录音带练习。新上的尼龙弦不容易调准，通常会自己松，所以建议调到稍微高一点，然后推拉琴弦，把弦拉松，这时候声音会低下来，再调高，反复几次直到声音稳定以后再调回标准音。

〈三〉 共振调弦法

此方法不够精确，只可当初学调弦时的一支拐杖，不应常用和依赖。共振原理：两条不同的弦，如果它们的音高确实相同，当拨动其中一条弦时，另一条也会跟着振动。你可以按上述的做法对比一下，比如说，如果音调准的话，你按住6弦的第5品拨弦，5弦也会振动，且振动时音和幅度基本相同。如果不振动，就说明音没有调准。如果1弦看不清是否振动，可以用手触摸琴弦感觉是否振动。按照这个方法，毫无音感基础的人也可以把音调的很接近。

方法如下：

⒈ 把第①弦空弦音确定为基准音。
⒉ 调整第②弦音高，使第②弦第五品音高与第①弦空弦音高相同。
⒊ 调整第③弦音高，使第③弦第九品音高与第①弦空弦音高相同。
⒋ 调整第④弦音高，使第④弦第十四品音高与第①弦空弦音高相同。
⒌ 调整第⑤弦音高，使第⑤弦第十九品音高与第①弦空弦音高相同。
⒍ 调整第⑥弦音高，使第⑥弦第五品音高与第⑤弦空弦音高相同。

这种误差层层传递，或用以下调弦的方法来减少误差的传递。

〈四〉 泛音调弦法（适合中级学琴者）

随着弹奏水平的提高，你还可以采用较前两种方法更科学更精确的“泛音调弦法”。因为泛音比实音要高且清澈透明，所以听得更清楚。

方法：先调准1弦。然后：

(1)、以一弦空弦五5弦7品泛音及六弦5品泛音；
(2)、以五弦5品泛音校四弦7品泛音；
(3)、以四弦5品泛音校三弦7品泛音；
(4)、以一弦7品泛音校二弦5品泛音。

下面的可做为上面调弦的补充和检查：

(1)、二弦12品的泛音与一弦7品的实音为同音；
(2)、三弦12品的泛音与一弦3品的实音为同音；
(3)、四弦12品的泛音与二弦3品的实音为同音；
(4)、五弦12品的泛音与三弦2品的实音为同音；
(5)、六弦12品的泛音与四弦2品的实音为同音。

〈五〉均衡性调弦方法（比较准确的一种调弦方法）

均衡性调弦方法的要决：

1、避免使用空弦调全部 6 根琴弦。
2、在第5把位使用空弦与按弦的 8度关系的音结合调弦， 要用律音来调弦。不要被多余的每个音上都存在的泛音所蒙住。
3、第1把位上，使用空弦与按弦的8度关系的音结合检查。听音不要被其他泛音蒙住，记住要用律音来调整。
4、在高把位上（第9把位以上），使用空弦与按弦的8度关系的音结合检查，并开始调整上下音高按弦后的音差进行互补调整。
5、在第7---10把位间，特别要对第2弦和第4弦的音进行调对。这是因为吉他的先天不足的原因。这和任何其他乐器存在的先天的问题一样，在吉他上也是存在，只是不同的乐器在存在的方式、类型上不同。
6、如果可以，在第12---15把位间使用8度关系检查高把位。这要看你需要演奏的音乐是否有这样更高把位的音域，如果有演奏前事先再另加做这部分的检查。

均衡性调弦方法和检查方法的程序：

A基本调试部分

1、使用调音器调准第1弦的A音（这是按弦的实音）。
2、然后以1弦的A音，调4弦的A音。
3、以1弦的A音，调6弦的A音。
4、以1弦的空弦E音，调2弦的E音。
5、以1弦的空弦E音，调5弦的E音。
6、以1弦的空弦E音，调3弦的E音。

B检查部分---第1种方式（低把位上）

1、以1弦的空弦E音对4弦的E音，检查 4弦。
2、以4弦的空弦D音对2弦的D音，检查2弦。
3、以2弦的空弦B音对5弦的B音，检查5弦。
4、以5弦的空弦A音对3弦的A音，检查3弦。
5、以3弦的空弦G音对6弦的G音，检查6弦。

检查部分---第2种方式（低把位上）

1、以1弦的E音对6弦的空弦E音，检查6弦。
2、以6弦的G音对3弦的空弦G音，检查3弦。
3、以3弦的A音对5弦的空弦A音，检查5弦。
4、以5弦的B音对2弦的空弦B音，检查2弦。
5、以2弦的D音对4弦的空弦D音，检查4弦。

C检查部分---互补照应（高把位上）

1、以1弦的空弦E音对3弦的E音。
2、以2弦的空弦B音对4弦的B音。
3、以3弦的空弦G音对5弦的G音。
4、以4弦的空弦D音对6弦的D音。
5、以1弦的空弦E音对2弦的E音。

D超高把位复查

1、以1弦的空弦E音对4弦的E音。
2、以2弦的空弦B音对5弦的B音。
3、以3弦的空弦G音对6弦的G音。

G特别单独调试部分---既吉他先天不足的互补照应
以2弦第10品位的A音，对4弦第7品位的A音。

这时会发现虽然上下高低把位都调试互补完，但在2和4弦的7把位以上的8度关系音不正，（这是吉他的先天的缺陷，也是我们的老先辈制作家都没有解决的问题。但对我来说在制作已经做了处理，所以在我亲手制作的琴上会2和4弦再互补后，音准比较融合平均。这个问题在吉他上完全根治是不可能的。实际在其他乐器上都有先天不足的问题。如钢琴，提琴等等）4弦的音会比2弦的音低一些。把4弦的音稍微向上调整到基本接近一直，但不要完全一样，如果这样在低把位上就会出现问题了。

H如果要使用泛音来调弦，一定要与8度的按弦的实音结合调弦，方法过程同上几点。

注意：在高把位的检查中，8度关系核对时不要对的完全一样，被调的弦要稍微低一点的感觉（*我所讲的不是很明显的低，是8度关系音相吻合的状态下的一点点而已，不要误会切记！），这样才能互补照应

吉他自学基本方法

吉他自学还包括了吉他弹唱的基本技巧等。下面是小编给大家整理的吉他自学基本方法，供大家参阅!

常见的几种唱法

我认为，唱歌需要一定的先天条件，同时也需要后天的努力。对于绝大部分音乐爱好者来说，只要经过正确地训练，都是可以逐步提高唱歌技巧的。许多著名的歌手，比如许巍、朴树、老狼，其实先天条件并不好，但是通过后天训练，他们都发挥了自己声线的特色，逐步找到了自己的歌路。因此，大家请一定对自己有信心,并且一定耐心的看完本教程，看过之后慢慢揣摩。

流行歌曲的演唱讲求个性，歌星们在声音上的差异之大，演唱风格之多样，使得我们无法像在美声唱法中那样将其划分为几个声部(男高音、女中音等)，即便是用声线这个时下非常流行，却又是莫名其妙的万能术语，也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的 唱法

-低吟唱法(Crooning)-

形成于30年代。那个时候，许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备，歌手们开始对着麦克风(话筒)唱歌。 低吟唱法就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用，歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼，也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊，他们只须用说话般的音量轻轻哼唱，众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式，如一声轻微的叹息、一个小小的停顿，都能被纤毫毕现地展示出来。

早先的低吟歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代低吟歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后，随着摇滚乐的兴起和民谣的复兴，流行乐坛不再是低吟歌手的一统天下了。但是低吟唱法并没有就此消亡，作为一种演唱方法，低吟对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用，声音的控制，旋律线条的连贯圆滑，歌词语气的表现，微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在低吟中已经发展得相当成熟了。

民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用本嗓演唱，与低吟相比，这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣，音色扁平、自然，强调吐字的清晰和口语化。鼻音在美声和低吟唱法中都是很忌讳一个毛病，然而许多民谣歌手(如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦)却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式，这种鼻音具有独特的抒情色彩，尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时，会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式，主旋律往往放在中低音声部，而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱，因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。民谣唱法不仅限于民谣歌手，也包括一些摇滚歌手。如著名的披头士的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面，而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。

美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子，此后又陆续出现了灵歌

(Spiritual)、福音歌(Gospel)、布鲁斯、索尔(Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式，领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧，常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句，产生出动人心魄的艺术效果。

富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手(尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手)的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面，而缺乏那种细腻的装饰技巧。

爵士乐出现后，美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中，他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型(称为 Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响(称为Vocalese)。80年代兴起的饶舌乐(Rap,以急速的节奏念出歌词)在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上，绝大部分的歌星并不固守某一种唱法，而往往是在这几种基本演唱风格的基础上，根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要，加以变化融和，从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。

-音区与音色-

人声音区的各个部分有着不同的色彩：高音区明亮，中音区柔美，低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性，发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊，但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮，就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。

流行歌曲的演唱追求的是本色自然，但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的本色，而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。

流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手，以至于引起这样的误解：只有沙嗓子才能当歌星。事实上，流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少，只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。

对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向，在各国的民间音乐，尤其是我国的戏曲中，沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上，而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时，常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系：粗犷强悍的阳刚美，饱经沧桑的成熟美，这些都理颇具偶像魅力的。此外，流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。

嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时，会对音色稍作调整，以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏破偏炸，唱《痴痴的等》时偏哑偏压，而《沉默的表示》就干净柔和了许多。

每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性，但嗓音的调整改变是有限度的，超出了限度，就会引起发声器官的疲劳。时间长了，还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。

-假声与气声-

所谓假声是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音，这种声音比由整个声带都振动的真声要高要弱，而且音色有一种晶亮透明的感觉。

大部分流行歌手(无论男女)是用真声演唱的，以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手(如齐豫、黄莺莺)在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声，如美国的西蒙与伽芬科尔重唱组中的伽芬科尔，和台湾优客李林重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像摩登谈话(Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。

发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置，在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅，不能有断裂。一般说来，假声比较缺乏力度，但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。

假声还可以作为一种修饰声音的方法，将真假声结合在一起的混合声能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》，前者是用纯粹的真声，而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。

童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换，朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段，都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱，然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮，及至歌曲的最高点，突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。

国内常有所谓的气声唱法。其实气声并不成其为一种唱法，而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分，关键是不能滥用。若能抓准时机，运用得当，可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》(Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈，最后用气声轻轻送出一声I love you，很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手，与气声类似的还有泣声和破音。运用时也必须非常的谨慎。

泣声就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中我的眼泪忍不住掉下来的掉字上就非常得当地加了一点泣声。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》(Love is not here any more)，从头至尾泣声不绝，但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣，然后从呜咽到放声痛哭，直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为催泪人 (Tearjerker)的歌手，如美国的埃迪.费谢(Eddie Fisher)、汤姆.琼斯(Tom Jones)，他们的声音中总是带着一些哭泣。张学友和潘越云也善于在演唱时运用哭腔。以强气流冲击声带所造成的破音也是一种很有表现力的声音装饰技巧，刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的我字上就用了一点。

-摇摆-

流行歌曲的伴奏部分一般都有一个打击乐器和低音乐器提供的基本节奏，这个基本节奏往往是比较稳定而鲜明的，而演唱者通常会在这个伴奏节奏之上对旋律的节奏作一些细微的伸缩变化，以打破其律动的方整性。这种处理称为摇摆感(Sense of Swing)。

在长音之前常往后拖一拖，如《故乡的云》;有时又往前赶一赶，如《痴痴的等》;各种大拍子的连音(如四分音符的三连音)也是形成这种节奏变化的常用手段，如《无尽的爱》(Endless Love)。经常使用切分节奏是流行歌曲的一个重要特征。欧美流行歌曲中经常会出现长时间的连续切分，使伴奏中的基本节奏与声乐主旋律之间形成错位，造成一种悬浮的效果。如比吉斯小组(Bee Gees)演唱的《你的爱有多深》(How Deep is Your Love);还有的歌曲中运用了许多细微的切分节奏，能产生一种独特的韵律。如美国歌星迈克尔.杰克逊演唱的《拯救这世界》(Heal the Worle)。

-华彩-

华彩是演唱者对歌曲的基本旋律进行即兴装饰变化的一种手段，在民间歌曲、古典美声歌曲的演唱中都很常见，在流行歌曲，尤其是爵士风格的歌曲中，更是一种十分重要的表现手法。电影《监狱枭雄》(Unchained)中有一段器乐演奏的配乐，其中的一段旋律便是这样的。

棒小伙(Righteous Brothers)演唱组唱的《锁不住的旋律(Unchained Melody)是将旋律填上歌词而成的。他们在演唱时用旋律华彩的技巧来加以润饰;电影《保镖》中的插曲《我将永远爱你》(I Will Always Love You)原先也是一首纯朴的乡村歌曲，惠特妮.休斯顿在演唱时加入了许多花腔，便使歌曲变得华丽奔放。

花腔还时常作为一种变奏手段，在乐句或乐段重复时使用，以使音乐获得更大的发展动力，就像台湾歌星杨庆煌演唱的《会有那么一天》中那样。

有时花腔还可作为伴唱，与未经装饰的旋律原型同时陈述。如英国歌星罗德.斯蒂沃特演唱的《航行》(Sailing)。

歌曲的结尾处也是展示花腔的好时机，如美国黑人歌星阿隆、奈维尔演唱的《无需知道太多》(Dont Know Much)的结尾。

华彩需要高超的演唱技能。歌手必须对于真假声转换、颤音、顿音和快速的旋律跑动等高难度技巧都能驾驭自如。华彩还需具备即兴创作旋律的才能。这种创作并不是毫无根据的凭空捏造，而是以歌曲的旋律走向、和声框架、情绪发展和艺术风格等因素为依据的。就其本质而言，华彩是歌手在处于高度激情状态中的一种下意识的表现，而这种表现的成败优劣则取决于歌手平时的艺术感觉、修养和积累。

摇滚唱法是喊与吼，是对这种音乐的误解。那种不正确的唱法对嗓子没有好处。国外有些摇滚明星也有被这种唱法害了的。现在的摇滚歌手除了某些HEAVY METAL，有不少不是用喊与吼的。而是用假声与膈肌力量。

-首先，你要展开声带-

大部分人音域都是差不多的。一般来说，女生声带比男生高1～2度。要想演绎好一首跨度稍大的歌，没有经过训练的人可能会觉得吃力，因为他的音域不足以覆盖那首歌的跨度。所以这个时候，你需要扩展你的音域，最简单的训练办法是每天早上起来从你能发出最低的音初步发声，一直到你能唱到的最高音，每天坚持，然后记录你的音域跨度，也就是看看你能唱几个8度。坚持一段时间，再对比从前，你就会发现你的音域已经拓展了。一般每天练习半小时为宜。

-其次，要用心-

唱歌的时候，用心和没有用心，唱出来的效果会差别很大。所以，一定要用心去体会歌曲的含义，用心去唱出你对那首歌的理解。假已时日，一定会进步卓越。

-不要模仿别人的声音-

唱歌的时候，有的朋友喜欢模仿原唱或者歌星的声音。这个并非全错，但是我认为这个并非一个好的习惯。因为没有放开自己的原声，模仿唱得都是别人的感觉，没有自己的切身体会，很难发出发自内心的声音，更无法展示自己声音线路的特色。如果成了习惯，改不掉了就麻烦了，毕竟模仿不可能超越原唱，更无法超越自己。

-最后，选择适合你的歌-

很多朋友有这样的体会，唱歌唱了很久，总是没有感觉，这可能是你没有选择适合你的歌曲。没有找到适合自己的歌曲，往往容易让你对唱歌很快失去了兴趣，容易有挫折感。很多人以为，我唱我喜欢的歌曲就是正确地。这仅仅对了一半，应为你喜欢的歌曲并非适合你的音域或者阅历，结果就是你长期在正确的道路之外徘徊。

正确地方法是：首先分析自己的声音特点，然后结合自己的阅历、喜好，选择自己喜欢的歌曲。开始的时候尽量不要选择跨度太大的歌曲，选择容易上口的;慢慢增加难度，注意保持兴趣，兴趣是最好的老师。

进步的最好方式是台阶式的，每一个阶段给自己一个成就感，并且看见实实在在的进步，然后继续向下一个目标攀登;因为人是需要成功的，光失败，会让你颓废不已。所以开始不要给自己订的目标太低，也不要太高，只要尽80%的力气就能达到就好。还有一定要坚持，失败的时候动脑筋分析一下原因，不要懒得动脑筋。

鲍勃迪伦民谣歌曲介绍

Blowinin the Wind是被称为美国民谣摇滚之父的他所有创作歌曲中最优秀、最出名的一首。下面是小编给大家整理的鲍勃迪伦民谣歌曲，供大家参阅!

这首歌的作者鲍勃.迪伦(Bob Dylan)，1941年出生于美国明尼苏达州的一个有犹太血统的家庭。他自幼喜爱音乐，60年代初，他从明尼苏达大学辍学来到纽约开始了他的歌唱生涯。

1964年，他以一曲《Blowing in the Wind》走红流行歌坛(尽管 Bob Dylan的创作内涵受到了肯定，他的歌喉却实在不讨喜，因此他早期的好些作品都是藉由其他艺人的歌声才成名的，如：Peter, Paul Mary)，渐渐成为民谣乐坛上的重要人物。

How many roads must a man walk down

一个男人要走多少路

Beforethey call him a man?

才能称得上男子汉?

How many seas must a white dove sail

一只白鸽要飞越多少片海

Before she sleeps in the sand?

才能安歇在沙滩上?

How many times must the cannon balls fly

炮弹要飞多少次

Before they\re forever banned?

才能将其永远禁止?

The answer, my friend, is blowin\ in the wind,

朋友，答案在风中飘荡

The answer is blowin\ in the wind.

答案在风中飘荡

How many years can a mountain exist

一座山峰要屹立多久

Before it\s washed to the sea?

才能回归到大海?

How many years can some people exist

那些人还要生存多少年

Before they\re allowed to be free?

才能最终获得自由?

And how many times can a man turn his head,

一个人可以回首多少次

pretending he just doesn\t see?

只是假装他没有看到

The answer, my friend, is blowin\ in the wind,

朋友，答案在风中飘荡

The answer is blowin\ in the wind.

答案在风中飘荡

How many times must a man look up

一个人要仰望多少次

Before he can see the sky?

才能看见蓝天?

How many ears must one person have

一个人要倾听多少次

Before he can hear people cry?

才能听到人们的呼喊?

And how many deaths will it take till he knows

要牺牲多少条生命他才知道

That too many people have died?

太多的人已经死亡?

The answer, my friend, is blowin\ in the wind,

朋友，答案在风中飘荡

The answer is blowin\ in the wind.

答案在风中飘荡

OH,the answer, my friend, is blowin\ in the wind,

朋友，答案在风中飘荡

The answer is blowin\ in the wind.

答案在风中飘荡

民谣吉他的演奏方法介绍

吉他教学课程中讲到，民谣吉他音色圆润亮透，音质深淳厚，演奏姿势比较自由，主要用于给歌唱者伴奏，适用于乡村、民谣及现代音乐，演奏形式较为轻松、随意。那么民谣吉他的又有哪些演奏方法呢?下面为你详细的讲解。

滑音

还记的圆滑音吗?圆滑音和装饰音的左手指击弦和钩弦使琴弦发出声音，在民谣吉他六线谱它们分别是用H和P来表示。滑音是吉他上的一种弹奏技巧。滑音是左手指在同一根弦上由一个品位滑到另一个品位而使琴发出声音，不需要右手的参与。分为上行滑音和下行滑音。在吉他六线谱中用S表示。

弹奏方法：

滑音第一个音的左手指按好，右手拨出，然后不离开指板滑向下个音位，下行同样由第一个音滑向第二个音，也不离开指板。在弹奏时注意左手指要垂直按弦，滑行时手指不能松动，力度均匀适中，滑动平稳，同时还要注意左手拇指的放松。

止音

止音也叫着消音。在音乐表现上音可以分为圆滑的，和跳跃的。要出现跳跃的音符就需要将拨响的音止住。有两种方法：右手指拨完弦后再将拨弦的手指轻放在弦上，可以是同一拨弦的指也可以是其它手指。这样就将音止住。右手拨完弦后将左手指微微抬起，注意左手指不可以离开弦，这样我们也可以把音止住。

拍弦

拍弦是右手食指、中指、无名指微微弯曲，力贯指尖拍打琴弦。注意食指、中指、无名指要并拢，这样手指就不会滑到琴弦下。也可以右手握拳，用手指的第一指节去拍击琴弦。这是一种木吉他味道很浓的技巧。典型例子是田震的《干杯，朋友》。

制音

也叫闷音。分为右手制音和左手制音两种，用在Pick的演奏中。左手制音是用左手指轻轻贴着琴弦，右手照常演奏。右手制音是用右手掌内侧轻压住靠近琴桥的弦，使弦不能完全振动发音。这样可以发出沉重、郁闷的声音。注意不管是左手还是右手一定不可以将弦闷死，发不出音，也不能闷不住弦。

推弦

左手拇指与食指轻轻夹住琴颈，按弦时装动手腕，琴弦因为弯曲后产生张力而音程增大。用在Pick吉他演奏中。分为半音推弦、1/4推弦;全音推弦;小三度推弦或小三度以上推弦(民谣吉他高音弦较硬一些，建议使用电吉他练习推弦和揉弦)。

揉弦

揉弦是为了改善音色用的。拨弦发音的同时，将左手指揉动，拇指放松依附于琴颈。四品和四品以下沿琴弦左右移动，振幅大。四品以上可以沿琴弦上下移动。在你需要的地方都加上，可以改善音色。注意左手指必须压紧，感到是指骨控制着揉弦。

和弦的进行基本原则

我也曾上过几堂吉他课程，对于吉他教学有关和弦的讲解，是吉他入门必讲的重点之一。和弦的进行又是构成歌曲的基础，若一首歌从头到尾只有一个和弦，那岂不很单调乏味。所以，透过和弦与和弦之间的连接与进行，除可丰富歌曲的整体结构外，还可以制造出段落及视听上效果。和弦的进行也有一定的原则，那和弦的进行基本原则是什么呢?下面就为你一一道来：

● 自然順序的连接

在大调里面，举凡1.4.5 级和弦的连接方式都是属于自然順序连接，我們举 C 大调为例：
Ex1. Cmaj7 - Fmaj7 - G7 - Cmaj7 (此例为1-4-5-1的和弦进行)。
Ex2. Cmaj7-Fmaj7-Cmaj7-Cmaj7 (此例为1-4-1-1的和弦进行)。
Ex3. Cmaj7- G7-Fmaj7-Cmaj7 (此例为1-5-4-1的和弦进行)。
在上面的三个例子中，都是以调中的1.4.5 级和弦为主，不同的是和弦连接上的变化罢了。

● 根音进行的原则 D---C--B--A--G--E--F

在图中我们以C大调和弦的根音为例，凡顺时针(如箭头)3、5、7进行是属于良好的;逆时 针则进行不好，我们以下列几个范例做说明：
Ex1. Cmaj7 - Dm7 - G7 - Cmaj7
说明：Cmaj7 到 Dm7 是 7、Dm7 到 G7 是 5、G7 回到 Cmaj7 则是5。
Ex2. Cmaj7 - Am7 - Dm7 - G7
说明：Cmaj7 到 Am7 是 3、Am7 到 Dm7 是 5、Dm7 到 G7 则是5 。

● 终止式

终止式就像说话中的句号一样，会给人段落及结束的感觉，常用的终止式有下列：
1.教会终止- 教会终止是使用 4-1 的进行方式，范例如下：
Ex1. Cmaj7 - Am7 - Fmaj7 - Cmaj7
说明：Fmaj7 回到 Cmaj7 是使用教会终止。
2.正规终止- 正规终止是使用 5-1 的和现进行，范列如下 ：
Ex1. Cmaj7 - Dm7 - G7 - Cmaj7
说明：G7 回到 Cmaj7 就是使用正规终止。

以上是基本的和弦进行方式，了解基本和弦的进行结构，再透过和弦的转位、和弦的替代及修饰等等，丰富歌曲的和声美感。

有关古典吉他的一些基本知识的介绍

吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。

古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。

从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。

从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。