对于吉他入门初学民谣的琴友们来说,一定会遇到这样的情况,那就是:虽然左右手配合的很不错了,但是真正进入弹唱当中却是顾了左手顾不了右手,顾了唱顾不了弹。这是啥原因呢?造成上述几种情况的主要原因是由于自己的心、口、手独立性不强所致,那么吉他入门该怎样去培养这种独立性呢?你可从以下几点入手:
(1)首先,你要把所学的曲目唱熟、唱准,特别是歌曲旋律中较难掌握的切分、连线、休止、附点等;
(2)单独把曲目中用到的和弦转换练熟,特别是那些难度较大的和弦转换更要反复多练;
(3)单独把曲目中用到的节奏音型练熟,特别是那些较复杂的节奏音型更要反复多练;
(4)把左手的和弦与右手的节奏音型结合起来进行完整的伴奏练习,直到熟练为止;
(5)轻声哼唱全曲旋律并加入吉他伴奏;
(6)待哼唱与伴奏完全一致后,正式加入歌词进行自弹自唱。记住:弹唱时要做到旋律、和声、节奏三位一体。
这样,一首成功的吉他弹唱曲就顺利完成了!最后需要告诫大家的是:不要小瞧这短小的六点建议。如果你能真正按我所说的方法去练习的话,你的弹唱水平一定会达到像克莱普顿大师那样游刃有余。
对于吉他入门初学民谣的琴友们来说,一定会遇到这样的情况,那就是:虽然左右手配合的很不错了,但是真正进入弹唱当中却是顾了左手顾不了右手,顾了唱顾不了弹。这是啥原因呢?造成上述几种情况的主要原因是由于自己的心、口、手独立性不强所致,那么吉他入门该怎样去培养这种独立性呢?你可从以下几点入手:
(1)首先,你要把所学的曲目唱熟、唱准,特别是歌曲旋律中较难掌握的切分、连线、休止、附点等;
(2)单独把曲目中用到的和弦转换练熟,特别是那些难度较大的和弦转换更要反复多练;
(3)单独把曲目中用到的节奏音型练熟,特别是那些较复杂的节奏音型更要反复多练;
(4)把左手的和弦与右手的节奏音型结合起来进行完整的伴奏练习,直到熟练为止;
(5)轻声哼唱全曲旋律并加入吉他伴奏;
(6)待哼唱与伴奏完全一致后,正式加入歌词进行自弹自唱。记住:弹唱时要做到旋律、和声、节奏三位一体。
这样,一首成功的吉他弹唱曲就顺利完成了!最后需要告诫大家的是:不要小瞧这短小的六点建议。如果你能真正按我所说的方法去练习的话,你的弹唱水平一定会达到像克莱普顿大师那样游刃有余。
对于吉他入门的初学者,登台献唱是件十分老火的事情。因为种种原因,初学者在献唱时往往紧张到不行,不仅影响演出效果,甚至严重打击才吉他入门的初学者的信心。放松是每个演奏者都企望具备的能力,如果能轻松自如的上台表现,便再也不必每次下台之后用抱歉的眼神,求取听众的同情了。
那么到底“放松”是什么呢?是否只是只能意会,不可言传的感觉?或者只是少数人得天独厚,天生的才赋?还是每个人都可藉由学习获得的能力?从字义中,我们很可能作这样的联想:大概放松就是松掉肌肉的力量,使整个人变得松软无力吧!但这并不是我们弹吉他所要的放松。或者有的认为藉由某种呼吸的方法,使肌肉的效能达到更高的层次,但这也不是练习放松的正确途径。那么到底弹吉他所指的放松是什么呢?
演奏乐器的“放松”是指正确的选择动作和每个动作都是在有意识之下完成的,所以该用多少力量去按弦、弹弦,便用多少,绝不会浪费一分力气。以左手来说,大部份的人弹吉他用的是虎口和手指的力量,拇指为了对抗指板上其它四指的力量,虎口必须持续不断的用力。如此光靠手指和虎口少数的肌肉要完成整场一个小时的演奏会曲目,结果注定是要痛苦地失败。
因此左手正确地按弦时,虎口和左手拇指是完全不用力的(除了封闭按法需要用到一点虎口的力量之外),因为手指只是被动的角色,随时在休息状态中,左手真正按弦的主角是手腕和手臂;藉由调整手腕的弯曲程度及手臂外伸拉回的动作,把手指放在指板上的正确位置,因此各种手型的正确使用是获得左手放松技巧训练的开端。从基本的纵向手型、横向手型,到进阶的各种综合手型,介于纵向和横向的手型)是征服指板的重要课题。
移把位的技巧亦是由手腕和手臂将手指带离原来的位置,在瞬间使手指到达新的位置。移把位的方法共有三种,依学习的次序为:替换、移位、跳跃,也是需要每天集中注意力,去练习如何正确使用自己的手腕手臂。
记得刚开始学习改变按弦的方式时,一直很不适应且不得要领,一次和老师上课时,他看我努力了半天,表情十分苦恼,便跟我开开玩笑:我是你的老师,而你是你的手腕、手臂的老师,想想办法教他们变聪明吧!
目前常看到年轻的一辈,标榜着用140的速度在练音阶,这是个相当令人担心的事。音阶的真正练习价值不是速度,而是在熟悉指板上不同区间、不同弦,该如何正确地呈现手型及移把位之动作。
唯有从慢速度开始练习,让每个动作,每个声音都在头脑专注下,正确地完成,才能逐渐让左手在指板上自由运动;而速度的获得,不必刻意的追求,有一天它自然会像熟透的苹果般落下,所以正确才是练习放松的目的,速度只是练习下的附产品而已。
我的吉他老师曾说过这样的话:左手只是个工人,而右手是个艺术家!根据个人的经验,以正确的方法和目标专注练习的话,大约只要半年到一年的时间,应该可以完成左手的放松技巧。而右手随着音乐性的成长,却要终其一生不断地去探索它的可能性。
基本上右手的技巧只有两种:基本的勾弦法,和加入固定法之后各种千变万化的触弦法。而学习右手的技巧,必须要有一付好耳朵,否则这些细微的变化,很难用文字去解释。所谓的fijacíon是根据音乐不同表情的需要,而加入不同的肌肉和关节,使之结合为一个整体的弹奏群组;例如,须要弹奏fff强音的和弦齐奏时,只靠手指的力量去勾弦,是无法让吉他达到力度的要求,此时如果将ami三指合并成一个群组,运用手臂和手腕的力量带动整个群组来弹,便可以很轻松地作出强音的要求。
再者,当主弦律在低音部,如大提琴般歌唱,而上声部同时有和声伴奏的情况下;此时音乐上力度的层次应以低音为主,而上声部伴奏居于次要的地位。右手为了区分出不同的声部,可以转动手腕趋向自己,使伸直的大拇指得到最佳的触弦位置,而让其它手指的触弦深度变得较浅,如此改变手腕角度即可很轻松而且清楚地区分出不同声部,也是右手常使用的技巧之一。
看题目大家就知道,这是一篇关于怎样提高演奏质量的文章,这个事情说起来容易,好好弹、仔细弹就行了,但是做起来却是很难的。在实际的演奏中尤其是现场演奏中,很多朋友都会碰到高质量演奏的问题,解决不好的话不仅仅影响演奏者的心情,同时也会严重影响到演出质量。
要想高质量地演奏吉他,首先就要明白什么是真正意义上的高质量演奏。所谓高质量指的就是在演出过程中吉他的音色、音量、演奏者的技术发挥、对乐曲的把握,感情的投入程度几乎都要达到了完美的境界。注意,我所说的高质量吉他演奏并不仅仅局限于许多技巧性非常高的片断或者曲目。
一首很简单的歌曲也同样存在着演奏质量高低的问题,而且很多时候越是简单的歌曲越是考验吉他手的综合素质(主要是对音乐的处理和感觉)。好的吉他手无论曲目是简单还是复杂,都能够得心应手、从容不迫地演奏,让听众随着演奏者的感情起伏而起伏,从而陶醉在音乐当中。由此我们可见,一个好的吉他手不仅仅需要完美的技巧,还要良好的音乐素质、丰富的感情和敬业精神,这样才能真正地实现高质量的演奏。那么,许多朋友会问,我现在也想提高我的演奏质量,达到上面所说的程度,到底怎么样才能提高呢?或者说到什么程度才能高质量地演奏呢?下面我们就来分析一下。
能够高质量演奏的吉他手无非是在技巧运用、对音乐的感觉、演奏曲目的熟悉程度和舞台表现这几个方面做得非常出色。同样,如果我们想提高自己的演奏质量也需要从这几个方面来着手。现在我们就来具体地说说应该如何做吧!
一、技巧运用吉他手最重要的一个环节就是技巧,也就是技术水平,它是一切高质量演奏的基础,没有出色的演奏技巧就说谈不上高质量的演奏。谁能想象一个音阶也弹不好的人能够演奏出令人泪下的美妙旋律来?也许有人不相信,说:“Nirvana那几个人的技术也不好,但是演奏得也很好啊?”没错,他们的整体技术是谈不上出色,但是别忘了,他们的音乐虽很简单,但是这几个人天天在弹他们自己的东西,可以说作品已经演绎得炉火纯青了。也就是说他们在自己的音乐这一方面的技巧是很高的,别的人再演奏他们的作品是很难达到他们的高度的。况且,大多数吉他手面临的并不都是punk音乐这样相对简单的音乐,而是很多不同类型的东西都要演奏,这就需要每个吉他手至少有非常扎实的基本功,能够在最短时间内达到音乐的要求。
关于怎么练基本功我在这里就不多说了,每个人都有一套心得。但是至少应该能达到以下几个方面:一是要有足够的速度,能够轻松地弹奏拍速在180的四连音,这样基本上乐曲里面的快速片断就不会难住你了;二是对各种音阶要熟练的掌握,尤其是在不同把位不同弦上都能自如地弹各种调式的音阶;三是和弦一定要熟各种和弦的转位和替代和弦以及指法都要非常熟练;四是演奏的时候每个音符都要清晰饱满,除非乐曲有特殊需要,这是乐曲有没有感染力的一个重要部分;五是对吉他的各种技巧要熟练掌握,我并不是说非要把自己的吉他技巧练得很变态,像Michaelangelo那样,但是一些最常用的技巧像琶音、扫拨、点弦、击拉弦等等还是应该要熟练的掌握的。如果能做到上面的这几点,可以说在吉他技术上就过关了,在演奏世界上绝大部分乐曲时已经没有任何技术难度了,至于能否提高演奏质量的问题就是对音乐的感觉了。
二、对音乐的感觉高质量的演奏和想提高演奏质量,吉他手对音乐的感觉也是至关重要的,如果音乐感觉不好,那么演奏的东西听起来完全是“驴唇不对马嘴”。要是blues听起来像重金属、raggae听起来像民歌、爵士乐听起来像乡村,那还能谈得上欣赏音乐吗?也就更谈不上演奏的问题了。所以,如果想要弹什么像什么,那就要靠良好的音乐感觉来实现。也许又有人会说,对音乐的感觉是天生的,每个人都不一样,也许我就比较差呢?没错,对音乐的感觉是天生的,但是更重要的还是要靠后天的培养,怎么培养呢?那就是多听音乐!不仅仅要听自己喜欢听的音乐,还要广泛地听各种不同的音乐,并且要记住不同音乐的特点,最好能亲自去演奏一下每一种不同的音乐,然后去熟练它的每一个环节。
这样日积月累,对音乐的感觉就会越来越好。许多大师级的吉他手如Stevevai、Joesatriani、Yingwei等等都是会很多种风格的音乐,并且都很爱听很各种风格的音乐,不仅如此,他们还能够将不同的音乐元素糅合到一起,组成自己的特色。大量地、广泛地听音乐,对提高音乐感觉有很大的帮助。在听音乐的同时记住不同音乐的节奏特点、音阶特点、旋律特点等等,再出手时就能够演得像模像样了。还有许多时候,不同的音乐能够激发灵感,往往一首经典的曲目就是这样创作出来的。还有,有的时候好的音乐感觉还能够弥补你技术上的不足,让演奏更加丰满流畅。记住,想提高演奏质量必须提高自己的音乐感觉!
三、演奏曲目的熟悉程度我想这个就不用多说了,如果连演奏的曲目都不熟悉的话,还谈什么高质量的现场演奏。当然,如果对演出曲目的熟悉程度越高,那么就越能提高演奏的质量。当然了,还要分析曲目的走势、调性、情绪的起伏、音阶等等。注意一下难点,这个话题我们在以后专门好好谈一下,在这儿就先说到这里。
四、舞台表现其实无论你在台下的准备工作做得多么的出色,技巧运用再好、对音乐的感觉再高、对演奏曲目再熟悉,如果没有好的舞台表现,那还是等于无法进行高质量的演奏,还是等于提高不了自己的演奏质量。为什么这么说呢?因为舞台表现才是演奏者真正面对观众的环节,也是最能够表现演奏者的情感的地方,如果舞台表现不好,会直接影响到听众对演奏曲目的欣赏和理解,谁愿意去听一场死气沉沉的音乐会呢?可以说舞台表现是提高演奏质量的关键一步!
大家在看外国乐队或者吉他手的现场时,很多人都会注意到他们的感情非常地投入,不仅仅是摇头晃脑,让身体随着音乐起伏,更有的人甚至到了咬牙切齿或者龇牙咧嘴的地步,弹到动情之处往往身体会做出很夸张地动作,这就是一种非常好的舞台表现。当然我不是说大家都应该龇牙咧嘴或者咬牙切齿,而且外国乐手的动作里面也有表演的成分。但是我想让大家注意的是,那些大师级的吉他手或者非常优秀的乐队在现场演出的时候,几乎每一个人都会让身体随着音乐的起伏而起伏,这也就是说他们是用心在演奏!那些动作和表情是出自于内心的情感和对音乐的理解,而且在弹一些非常需要味道的地方,比如推弦、揉弦、滑弦等地方,往往我们能看到大师们的表情很丰富,其实这就是奥妙之处。
大家可以试试,推弦的时候让身体随着推弦的幅度而做出一个向上或向下的动作,会发现这时候的推弦要比固定站着不动听起来有张力,表现也丰富了许多!所以为了让演奏更出色,我们不仅仅要在舞台表现上做到用心演奏,平时练琴的时候也更要用心去演奏,让自己的感情融入到音乐当中去。到演出的时候才能自然而地把自己的感情流露出来,才能让自己的舞台表现更加出色!其实舞台表现不仅仅是每个吉他手自己的事儿,同时也是整个乐队的事儿,在演出时应该让乐手之间也形成交流。只有每个人的舞台表现都好了,整体的表现才会好,才能提高现场演出的演奏质量!在舞台表现方面我建议大家多看看国外乐队的现场演出,如Bonjovi、Guns’nroses、Arosimith、Metallica、软饼干、山羊皮等等不同风格的音乐,不同音乐之间可以互相借鉴。吉他手呢可以多看看Setvevai、Joesatriani、Nuno、Slash等等吉他大师的现场,学会怎么样用感情来控制吉他。
如果每一个吉他手都能够很好地在技巧运用、对音乐的感觉、演奏曲目的熟悉程度和舞台表现这几个方面做得非常出色,那么我相信,每一个人都将很快地提高了自己的演奏质量。到时候每一场演出的现场演奏质量将会有很大的提高,而高质量的演奏和演出不仅仅对于听众和观众,就是对演奏者本身来说演出也将成为一个愉悦的享受。最后我希望大家都能够高质量地现场演奏自己的音乐,让每一个人都深深地感受到音乐的魅力!
吉他教学课程左手的练习往往是作为重点在剖析,左手的练习程度比右手要高很多。吉他爱好者在练习的过程中,也常被左手疼痛折磨的身心俱疲。左手如此重要,那我们在平时练习中应该怎样做呢?又有哪些地方是在练习时必须注意的?吉他入门者尤其要注意了,下面就为大家介绍两点,按弦时的基本要点。
立起来:是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后,手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时,按弦的力量才有可能最小,最省力。如果末关节不能垂直按弦,不但会用力较大,左手容易疲劳和紧张,还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来,1、4指不容易立得很好。而且1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来更加困难,但是也要尽量立起来按弦以高标准要求自己。久而久之会逐渐改善直至完全立起来,请大家勤加练习。人的生理机能的可塑性是很大的,几乎任何一个训练有素的吉他演奏家和吉他手都能各指立得很好。从这些小的细节上也常能看出一个人所受训练和教育的规范及严格程度。
到位:吉他是一件发音技术要求很高的乐器,同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱,音色单薄和大量杂音以外,左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音,使本来充满魅力,惹人喜爱的吉他变成令人生厌,噪杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱,但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上,这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形,①手指按到品格正中或更靠上,手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭品的杂音;②手指按弦离品柱太近,或按到品柱上,这时即使右手拨弦技术再好,声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免,在初学阶段就应提高要求,养成严格和精确的按弦习惯。
记得吉他入门前上过一堂吉他教学课,课上老师告诉我们:右手的重要性一定不能忽视,其实右手是非常重要的,而且控制上要非常注意。那具体的方法有哪些呢?
一种手背手指部分都比较放松,弹奏所发的力经放松的手腕部传递给手指拨玄发音.这种"控制"由于手指触玄点距离控制中心点[小臂和右手的连接处]较长,不容易控制振幅幅度大小.[现在流行的古典吉他弹法]
另一种手指部分放松,手背相对紧张,进入飙速弹奏的"一级戒备".控制振幅的中心点在手背与手指的连接处[即指根发力的说法].这种"控制"因手指触玄点距离控制中心点较短.因而容易控制弹奏振幅的大小.[类似于拂拉门哥吉他的弹法]
二者相同点:指根以下手指部分都要相对静止.否则弹奏的角速度过大不容易恢复原态.至于能否以小振幅奏出刚亮有力度的音[力度强弱的控制能力问题],这就是手腕手指强度等手指机能功底的问题了.非花大工夫不可.手指机能好了,速度就快了,爆发力强了,小振幅就能弹出大力度的音了.
推弦在吉他弹奏中也实属常见,但不包括吉他入门以下水平的人,推弦在吉他高手和职业吉他手中经常可以看到,这样的演奏方式想要做好也并非易事,在吉他教学中也很少有老师会针对这个问题进行详细的分析讲解。看到网上有推弦的方法及需注意的问题,就想分享给网友们,希望对大家有所帮助,相互学习,共同进步。
关于推弦的几个问题:
1、杂音:推弦时的杂音怎么解决?
可以用右手消音、可以用食指貼住其他線來推弦、右手锁定,用右手手掌护住,还有左手也要注意垂直点。
2、应用范围:木吉他推弦一般在哪几跟弦上进行?调到标准音,最多能推多少度?
一般来说1、2、3弦往上推;4、5、6弦往下拉、民谣如要使用推弦,在标准音律上只能推小2度。 如果实在急需用推弦,则可把所有弦下调至bB调,便可以最多推小3度。 如果急需用大3度推弦,则可把所有弦下调至A调。
3、适用手指:早期的很多吉他手用小指推弦,但90年代的大部分吉他手用3指代替。用3指推弦更容易上手,可以减轻小指的负担。遇到双音推弦,应该用2指和3指,而不用3、4指。要彻底放弃小指推弦。
如何推弦?推弦的时候应该是手腕发力的,如果用手指发力肯定不对,最起码的后果是严重磨品。书上面的图解比较详细,按它的说明练,应该没有问题的。平时没事的时候可以用左手搭在自己的右手腕上找找感觉。
手腕基本上是向右转动,注意是平行而不是垂直,手指与手腕垂直,这样在手腕转动时,手指就自然将弦推过去了,千万不能手指发力,否则很容易钻到下一跟弦的下面去,这样的结果很容易把品磨坏不说,出来的音色就特别容易“脏”,不好制音,还是按照标准的工作来吧。推弦这东西和吉它其他的技巧差不多,就是找感觉,练着练着只要找到感觉了,以后就觉得越来越顺。
美国的重金属之都洛杉机有几百支金属乐队,能涌现出来的都是佼佼者。学习美国的流行金属,可以从中学到很多布鲁斯的音阶和技巧的运用,他们的编曲方式不像欧洲的乐队那么工整,那么受古典的和声影响,所以很好听,比较难学。推荐给喜欢美国流行金属的朋友10个乐队,如下:
1、穷街乐队(SkidRow)
18岁等solo太经典了,吉他和主唱的交互辉映很棒。
2、毒药乐队(Poison)
主音吉他C.C.的技巧真的很完美,要学习他的优美狂暴的solo。
3、Kiss乐队
把老摇滚推向流行摇滚的先驱,很多产的乐队。
4、BonJovi
R.S.的吉他编曲技巧不难、但是很有味道。流行金属的典范。
5、Dokken乐队
乔治林奇的左手快速连勾滑音技巧是必需要学的。
6、Ratt乐队
流行金属的典范之一,主音吉他手怀特迪马迪尼也是一位高手。
7、大白鲨乐队(GreatWhite)
把南部摇滚和流行金属结合的很好,编曲很有布鲁斯金属的味道。
8、白蛇乐队(WhiteSnake)
前后几名大师都加入过,包括Vai。
9、大先生乐队(Mr.Big)
顾名思义,四个技巧性大腕儿的组合,Paul的吉他出神入画。
10、白狮乐队(whitelion)
创作了很多好听的流行金属的慢歌。
以上我推荐的是80-90年代的美国本土的流行金属乐队,欧洲的(如蝎子等金属乐队)改天再写。我感觉,流行金属的学习是很有意义的。首先,我们受大调音阶的影响太深,普遍没有布鲁斯的感觉,研究这些乐队的编曲方式,会给我们摇滚方面的作曲和编曲带来质的飞跃。
全曲的通弹、全面学习金属歌曲的曲式和solo的安排,结尾solo和开始前奏的安排,布鲁斯在大调歌曲的运用等等,包括主唱的和谐,bass和鼓的编排。希望喜欢流行金属的朋友,把时间花在研究和全曲的排练上,涌现出等多的黑豹和零点乐队。
不少琴友可能一直纠结于吉他弹奏时手掌是否靠不靠弦这个问题,其实一般来说演奏旋律音的时候尽可能用靠弦法弹奏,这样可以让音乐的旋律突出,因为靠弦法弹奏出来的音乐声量比较大,然而弹奏分解和弦的时候则要用不靠弦法来弹奏,所以在学习吉他的时候都是这样演奏的,要分清楚哪些是旋律,哪些是和声伴奏。
那么我先介绍一下靠弦和不靠弦的两种弹奏法的要点和技巧吧~
(一)靠弦
靠弦奏法是指拨弦后,手指靠在下一根弦上放松。放松后的手指应有弹性地回到原来位置,为下一次拨弦做好准备。
靠弦奏法的特点是增强了弦向面板方向的振动。根据前面讲到的吉他发声的原理,这就加强了琴的共鸣,这就是靠弦奏出来的音通常要比不靠弦的饱满的原因。
需要注意的是掌指关节(大关节),在靠弦奏法时,应该在所拨弦的临近的下一根弦的上方。如果要拨第一弦,大关节就应该放在第二弦的上方。(见上图)这样便于发力和靠弦。
(二)不靠弦
有说法把不靠弦叫做勾弦,其实这种说法不确切。因为不靠弦奏法并没有“勾”的动作。实质上,靠弦奏法应该被看作不被下一根弦打断的靠弦奏法,拨弦后手指继续拨向手掌根部。不靠弦的发力方式,运动方式跟靠弦是一样的,只是右手放置的位置稍有不同:掌指关节(大关节)应该放在正在拨的弦的正上方,这样可以保证离弦的后续动作不会触碰其他琴弦(大家特别注意大关节的位置哦)
最后还是觉得大家先学靠弦,再向不靠弦转化,最终达到不靠和靠的声音接近 二者动作还是有区别的,不靠弦奏法掌握了,也可发出和靠弦相接近的声音 不靠弦奏法我认为要先找好角度和发力点,才能正确发音。不靠弦奏法是一种新的演奏体系,并不是指具体的动作。为了丰富音色增强表现力,有时也会靠弦弹。但已经不同于传统奏法把靠弦做为必需的表现手段了。而且其勾弦出来的音色也不同于传统的勾弦音色了~。
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