演奏摇滚吉他，在练琴时不要先急着弹奏旋律，应养成一个良好的习惯，先从音阶练习弹起。音阶弹奏的快慢，直接影响到Solo演奏的速度。音阶弹奏分各种音型、正声音阶、蓝调音阶等。除了按顺序弹奏外，还要穿插结合，进行各种变化弹奏。要想在速度上突破，除了要做到全神贯注外，还要做到手指按把的正确运指姿势。先从左手四个手指按把开始，要把左手四个手指均匀地按在音品上相连的四个把位上。通常四个手指中，无名指与小指最不灵活的，弹奏时要用右手帮助掰开它，把无名指、小指移到准确的位置中间，直至四个手指都会垂直按弦并灵活地听从控制。把手撑开，四指学螃蟹爬步一样，慢慢地向相邻手指移动，越慢越好，要一直保持正确位置及直立状态。这样，刻苦练一段时间后，感到左手的各个指尖变得灵活了，才可在速度上慢慢突破。若有必要还可在左手腕上吊上或绑上一小袋沙包进行练习，这样对今后的快速弹奏大有帮助。
音阶练习掌握后，开始最重要是吉他推弦及额音练习。一个吉他手，推弦技巧掌握程度将决定弹奏水平。首先用拇指与食指把琴颈握住，靠着琴颈用力套着，通常用无名指推弦时，中指、食指一起按在相邻的把位上，注意不要让手指的根部之间分开，推弦时不要用手指的力气去推，要用手腕带动手指转动的力气，就好像左手张开虎口，然后套上右手小臂一样，靠着手腕的力气慢慢转动。要避免单纯靠手指头的力气去推。低音推弦恰恰相反，它的推弦是在食指和拇指上用劲，用一种挖指板似的感觉来向下扭腕。推弦时，也可用食指、中指、小指换着练习。开始学习推弦，最好找个专业的吉他手，让他（她）示范给你看。
推弦的音程有1／4音，半音，1度音，1度半音，2度音，2度半音。推弦掌握以后，便可以学习颤音，吸音可给演奏的音乐注入感情。电吉他的颤音，一般都是重复半音推弦。练习时，像练螃蟹爬步音阶一样，越慢越好，直到在短短的时间内能把半音的推弦重复连续地弹出来后才算掌握。记住！开始练习时千万不能加快速度，更不能把额音当作是手在用力，像痉挛似地动。只有把你的颤音练到从慢到快的重复又回到原来的样子，才算是真正掌握这种技巧。颤音一般用食指或无名指额音，它的道理和推弦一样，不是单用手指的力气来颤音，或用身体移动、琴颈移动，都是不正确的。靠的是食指的支点，手腕转动的力气。要把自己的感情融洽进去而发出声音才会产生共鸣。
摇滚吉他在弹奏热烈的华彩时，经常可听到一种嘶裂人心的尖叫声，其实这是一种投片弹奏泛音的特殊奏法，有以下几种奏法：一般的用拨片触弦后，迅速用持投片的拇指的外侧接触琴弦，并随即离开，就产生一种尖锐的泛音，就像刺耳的哨音一样。
另外卖法就是用匹克改变弹奏的位置。右手有点倾斜地拿着匹克往下砸着琴弦，就会产生一种尖叫声，于是带着摇滚味的旋律就出来了。在弹奏中做到万无一失的推弦泛音弹奏，必须要在不同把位的弦上多加练习与比较，才能达到随心所欲的效果。
注意！特殊弹奏是将弦推上去，然后弹奏（泛音）琴弦，后即接着额音，才能达到理想的效果。再则，摇滚电吉他有一种推弦，称之双推弦，它是先弹一个音，然后另一个同样的音在不同的弦上通过推弦弹奏出来，自然而然就产生摇滚味道，比如在崔健的（一无所有）中间Solo段就运用了这种效果。
也就是连续出现的音，要用不同的方法使之发出像书法一般，用不同的字体体现同一字的那种效果。开头两小节就是用双推弦的效果，食指按在2弦12品位，中指按3弦13品，无名指按3弦14品，通过无名指推弦，将3（高音）推出，然后再弹2弦12品的刍，或食指按l弦7品，中指按2弦9品，无名指按2弦10品进行同样的弹奏，一股感人的摇滚味就呈现出来了。
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大部分吉他爱好者，吉他入门时所练得吉他都是木吉他，然而很多爱好者，在吉他水平到达一定程度后都会对电吉他产生浓厚的兴趣。也有少数的爱好者一开始就学习电吉他。在这里就简单的讲讲摇滚吉他在演奏时的一些重要技法。
演奏摇滚吉他，在练琴时不要先急着弹奏旋律，应养成一个良好的习惯，先从音阶练习弹起。音阶弹奏的快慢，直接影响到Solo演奏的速度。音阶弹奏分各种音型、正声音阶、蓝调音阶等。除了按顺序弹奏外，还要穿插结合，进行各种变化弹奏。要想在速度上突破，除了要做到全神贯注外，还要做到手指按把的正确运指姿势。先从左手四个手指按把开始，要把左手四个手指均匀地按在音品上相连的四个把位上。通常四个手指中，无名指与小指最不灵活的，弹奏时要用右手帮助掰开它，把无名指、小指移到准确的位置中间，直至四个手指都会垂直按弦并灵活地听从控制。把手撑开，四指学螃蟹爬步一样，慢慢地向相邻手指移动，越慢越好，要一直保持正确位置及直立状态。这样，刻苦练一段时间后，感到左手的各个指尖变得灵活了，才可在速度上慢慢突破。若有必要还可在左手腕上吊上或绑上一小袋沙包进行练习，这样对今后的快速弹奏大有帮助。
音阶练习掌握后，开始最重要是吉他推弦及额音练习。一个吉他手，推弦技巧掌握程度将决定弹奏水平。首先用拇指与食指把琴颈握住，靠着琴颈用力套着，通常用无名指推弦时，中指、食指一起按在相邻的把位上，注意不要让手指的根部之间分开，推弦时不要用手指的力气去推，要用手腕带动手指转动的力气，就好像左手张开虎口，然后套上右手小臂一样，靠着手腕的力气慢慢转动。要避免单纯靠手指头的力气去推。低音推弦恰恰相反，它的推弦是在食指和拇指上用劲，用一种挖指板似的感觉来向下扭腕。推弦时，也可用食指、中指、小指换着练习。开始学习推弦，最好找个专业的吉他手，让他(她)示范给你看。推弦的音程有1/4音，半音，1度音，1度半音，2度音，2度半音。推弦掌握以后，便可以学习颤音，吸音可给演奏的音乐注入感情。电吉他的颤音，一般都是重复半音推弦。练习时，像练螃蟹爬步音阶一样，越慢越好，直到在短短的时间内能把半音的推弦重复连续地弹出来后才算掌握。记住!开始练习时千万不能加快速度，更不能把额音当作是手在用力，像痉挛似地动。只有把你的颤音练到从慢到快的重复又回到原来的样子，才算是真正掌握这种技巧。颤音一般用食指或无名指额音，它的道理和推弦一样，不是单用手指的力气来颤音，或用身体移动、琴颈移动，都是不正确的。靠的是食指的支点，手腕转动的力气。要把自己的感情融洽进去而发出声音才会产生共鸣。
摇滚吉他在弹奏热烈的华彩时，经常可听到一种嘶裂人心的尖叫声，其实这是一种投片弹奏泛音的特殊奏法，有以下几种奏法：一般的用拨片触弦后，迅速用持投片的拇指的外侧接触琴弦，并随即离开，就产生一种尖锐的泛音，就像刺耳的哨音一样。另外卖法就是用匹克改变弹奏的位置。右手有点倾斜地拿着匹克往下砸着琴弦，就会产生一种尖叫声，于是带着摇滚味的旋律就出来了。在弹奏中做到万无一失的推弦泛音弹奏，必须要在不同把位的弦上多加练习与比较，才能达到随心所欲的效果。注意!特殊弹奏是将弦推上去，然后弹奏(泛音)琴弦，后即接着额音，才能达到理想的效果。再则，摇滚电吉他有一种推弦，称之双推弦，它是先弹一个音，然后另一个同样的音在不同的弦上通过推弦弹奏出来，自然而然就产生摇滚味道，比如在崔健的(一无所有)中间Solo段就运用了这种效果。
也就是连续出现的音，要用不同的方法使之发出像书法一般，用不同的字体体现同一字的那种效果。开头两小节就是用双推弦的效果，食指按在2弦12品位，中指按3弦13品，无名指按3弦14品，通过无名指推弦，将3(高音)推出，然后再弹2弦12品的刍，或食指按l弦7品，中指按2弦9品，无名指按2弦10品进行同样的弹奏，一股感人的摇滚味就呈现出来了。
何谓正确的slapping奏法是没有定论的，看每一个人slap都会有些许的差别，真要解释起来恐怕要花一大篇。所以，我想先提出两个基本原则，你可以试着对照自己的演奏方式，看看是不是能有所改进。
1）转动手腕整只右手是放松的，slap的动作借着转动右手手腕来执行，而不是像民谣吉他初学时那样以手肘为轴的摆动。请注意：摆动跟转动是不一样的，用文字形容还不如实际观察来得直接，所以请你能有机会就多注意其它人是怎么做的。其实转动手腕的概念在刷吉他的节奏时也是一项重要的原则，请看LeeRitenour或PaulJacksonJr.便知.
2）下好离手一旦你的拇指击中弦后，务必要让弦能继续的震动（才会有声音嘛）；亦即.要将拇指移离敲击的那弦。在此，怎么移开大致分两个方向：
a.击弦后，大拇指继续向下移动，停在次弦上：假设你敲的是A弦，那么在敲完后，顺势将拇指停在D弦上。
b.击弦后，大拇指转回原位，准备下一次的敲击。这两种方式的声音略有不同，但是都应该试一试。
另外，你可以试试看不要只是敲击指版末端这个公认的位置，可以敲拾音器上，琴桥前，任何地方。你也可以试着用鼓棒、铅笔、苹果、萝卜、汤匙等不同材质的物品去击弦，试着抓出那种打了就跑的感觉。
如果这些有点奇怪的方法（请见鸣濑喜博的教学带及大事manband、黄韵玲的四手连弹、Soundgarden的Spoonman等演出）都能成功的发出击弦音，那么你应该已能正确的掌握击弦的概念了.
我个人非常看重一个乐手的即兴演奏能力，我认为即兴演奏直接反映了乐手本身的素质。
作为一个优秀的乐手仅仅拥有技术是远远不够的，我当初学琴的时候，听过这样一句话：“一个好的乐手，一般要经过三个阶段，一是速度，二是和声，三是旋律。”
也许这句话不够全面，但是它的确是有一定的道理的。
先说速度，速度其实就是你的基本功和各种技术在乐器上的一个体现，换句话说，速度其实是你作为一个合格乐手的基本条件。但是现在很多人舍本求末，反而把速度和技巧作为衡量乐手水平的唯一标准，这显然是很可悲的。
和声是音乐里的一个非常重要的表现手段，你对和声的掌握程度和熟练程度，直接影响你对音乐的理解，指导你演奏的每一个音符。一个真正的演奏家，对于音符的挑选是十分苛刻的。
旋律实际是说你的创作，一个优秀的乐手，是不可能总是拷贝别人的作品，而没有一点自我的创造性的。人类之所以发展到今天，就是因为人类的创造性，音乐也是如此。如果没有了自我的创造性，你拷贝别人的作品，拷贝的再怎么好，那也是别人的东西，不是属于你的东西，这样的乐手我们只能称之为琴匠，而永远不能成为音乐家和演奏家.
废话说了这么多，也打了半天字了，下面说说我对即兴演奏的一点经验和认识，希望大家跟帖说明自己的体会。
即兴演奏的方法一般有三种，一是根据和弦内音来演奏，二是根据和弦相关的各种调式音阶来演奏，三是把二者结合起来，灵活应用来演奏。
我们在做一段即兴演奏之前，首先要做的就是分析和弦，明确调性，为你的即兴演奏做个大概的准备。怎么样在有限的和声，节奏，小节里面，把你的想法说清楚，让听者明白你所要反映的情绪，并被你所感染，这是即兴演奏成功与否的一个标准。
一个优秀的演奏家是可以用他的演奏控制你的呼吸的。这就是心与心的交流，实际上，音乐是有这个功能的。
即兴的原则和技巧，有很多，但是也离不开这些基本的法则，音乐其实是一种高于语言的一种艺术形式，我们先把即兴演奏当作一种心灵的语言去理解。
写这个其实是想纠正一个观念，现在太多的年轻人对即兴演奏的理解有偏差，甚至就是错误的，很多人把即兴作为自己弹错的借口，似乎即兴就是乱弹，这是极其错误的。
一直想写个关与即兴演奏的东西，但是没考虑到篇幅的问题。写起来才发现，即兴演奏这个话题不好讲，牵扯的东西太多，不是一两句话可以说清楚的。我这里还无法上传谱例和音频，只能用文字来说明，希望大家都可以理解，从中间借鉴到一点东西，也希望大家把自己的理解写出来，我们做个交流。
即兴演奏其实就是一种即兴的创作，我个人认为现代音乐的灵魂其实也就是即兴演奏，我们听到的很多流行音乐里的器乐solo，有60%是乐手根据音乐来即兴演奏的，除非是编曲者事先写好一段solo，但是一般的编曲者是不会这样做的，因为这要求编曲者对每样乐器都要精通，这显然是很少见的。尤其在blues,jazz,fusion这些音乐形式里面，很多器乐的solo部分是只有和声，没有旋律的，或者是有旋律主题，但是没有发展的，甚至很多音乐直接就是无主题的，如果一个乐手没有即兴演奏的能力，我看他是不适合做这些音乐的。
现代音乐之所以迷人，魅力就在与此，因为即兴演奏让乐手可以充分的表达自己的感情和想法，每一个乐手都是即兴创作的大师，而你在即兴演奏的同时，你自身也从音乐中得到了最大的回报，那就是心灵和音乐的一种融会。而古典音乐今天的没落，我想跟这个有很大的关系。即兴演奏实际上是人性化在音乐中的一个具体体现，关于这一点，我们以后可以专门说明，对此有兴趣的朋友，也欢迎大家到我的琴行，大家一起探讨。
即兴演奏的法则我大概归纳了一下，我从下面几个方面来一一说明。
一，听背景音乐，酝酿你即将开始的即兴演奏。
我们要做一段即兴演奏的时候，最好是先听音乐，对音乐的和声走向，节奏，韵律先有一个听觉上的印象，为你的即兴演奏做个准备工作，比如C,Am,F,G这个进行，我们可以先听4小节或者8小节，在这4---8小节之间，给你的即兴演奏打一个草稿。
二，划分乐段，确定乐句。
乐句是音乐的基本形式，一般两小节一句，或者一小节，三小节一句的都有，你要根据具体情况来确定自己的乐句，由乐句组成乐段，两句一段或者四句一段，有时候也会有三句一段或者五句一段的。这些工作基本上可以在你的准备工作中完成。我们一般听到的音乐有这样几种形式，A----B---,A----B------A-----,A----B------C------A----,A---B-----A-----C----,等等，大家平时多注意，应该可以发现更多，我在这不一一列举。
三，塑造音乐形象，确定你的音乐主题。
我们听音乐是需要有一个主题的，你主要在这8小节里反映什么内容，表达什么思想，这就是我们要做的事情。当然也有主题不明确的，但是音乐的整体形象是要有的，在这8小节或者16小节中完成一个基本的音乐形象，然后在下一个乐段深化发展你的音乐形象或者主题，一般要经过第一主题，第二主题，发展变奏，深化主题，主题再现等，这是个大的框架，但是具体运用要根据音乐的具体情况来分析，不能死套公式，因为即兴演奏给你的思考时间是很短的。
四，用你的音乐语言，抓住听者的耳朵。
一段精彩的即兴演奏是会让人激动不已，而且久久回味的。当然这些是需要一定的技巧的，首先，你要注意对比，音符的稠密，高低音的起伏，旋律线的清晰会直接影响你这段演奏的情绪，而你的情绪会感染到你的听众，我们经常说，要想感动别人先得感动自己。这是个长期的问题，你要对c,d,e,f,g,a,b这七个音符了如指掌，明白他们各自在调式中的主属作用及功能，熟悉他们每个音符的情绪和脾气，你得跟他们成为非常好的朋友，他们才会帮你说话：）
五，学会思考。
这里说学会思考的意思是说，我们在做即兴演奏的时候，必须要清楚你所演奏的每一个音符，所使用的每一个技巧，使你的演奏是经过大脑思考得来的，而不仅仅是你手上演奏的一个习惯，也就是所谓的“手癖”。作为一个真正的演奏家，他所使用的每一个音符都是经过筛选的，这个音符从哪里来，到哪里去，为什么要使用这个技巧，都是必须交代清楚的。高手和庸手的区别之一就在于你弹琴的时候，是你的手服从你的大脑？还是你的大脑盲目的跟着你的手走了？
我们知道，即兴演奏所给你思考音符，构思乐句的时间是不多的，往往就在一小节甚至一拍之间，你就要想清楚你要怎么表达自己，所以你必须提前一小节，或者几小节，就要把你下一个小节，或者下一个乐段要弹的东西考虑清楚，有个基本的框架。
六，不要说废话，学会适当的沉默。
这个意思是说，如果你实在不清楚你应该弹什么的时候，那么你可以选择少弹或者不弹。
这就好比说话，在你不知道说什么话比较好的时候，你最好是不说或者少说，这样做比你漫无目的的胡说要好的多。有些时候，沉默也是一种表达方式。
七，听觉表情。
每一件乐器都有她独特的演奏技巧，每一个技巧其实都是人性化在乐器上的一种延伸。以电吉他演奏中最重要的技巧之一推弦来说，同样的音符，但是推弦的方法，时值不同，她所体现出来的情绪也是不同的。我们经常说，听到琴声就可以看到演奏者的表情，就是这个意思。推弦的表情是最丰富的，我们应该注意演奏技巧的运用，所带给听者的听觉表情。
八，呼吸。
呼吸是人类最重要也是人类最容易忽视的一个生理现象。我们大家谁也不会注意自己的呼吸，因为这实在是太平常了，可是如果呼吸出了问题，你的生命也就出了问题了。
音乐的呼吸也是如此。学会掌握音乐的呼吸，最终能够控制音乐的呼吸，从而感染听者，让听者跟着你的呼吸来呼吸。这是即兴演奏的最高境界。首先你要先学会去感受音乐的呼吸，注意休止，切分，顿音，延长音的使用，注意你的呼吸跟你所演奏音乐的关系，注意你所演奏音乐的呼吸跟你的呼吸是否融合，并试着把你所演奏的乐句唱出来并一起演奏出来，最终达到真正的“人琴合一”。
九，不要怕弹错。
不要怕弹错，即兴演奏就是即兴创作。即使大师们在做即兴演奏的时候也是会有可能弹错的。弹错了也没关系，也别慌，当你知道自己弹错了，反而是一个进步。有时候，这个错音反而会出现一种你意想不到的特殊效果。
暂时先写这些，基本上也就是这些法则了。其实说的再多也不如多做练习的好，理论必须联系实践，我们有了这些即兴演奏的理论依据，下面就要在实践中去体会，运用他们，把这些死板的理论依据灵活运用，让你的琴声跟你的呼吸同步，最终创造出属于你自己的，精彩的即兴演奏！
民谣吉他的演奏技巧都有哪些呢?下面我们一起来看看!
一、滑音
还记的圆滑音吗?圆滑音和装饰音的左手指击弦和钩弦使琴弦发出声音，在民谣吉他六线谱它们分别是用H和P来表示。
滑音是吉他上的一种弹奏技巧。滑音是左手指在同一根弦上由一个品位滑到另一个品位而使琴发出声音，不需要右手的参与。分为上行滑音和下行滑音。在吉他六线谱中用S表示。
弹奏方法：
滑音第一个音的左手指按好，右手拨出，然后不离开指板滑向下个音位，下行同样由第一个音滑向第二个音，也不离开指板。在弹奏时注意左手指要垂直按弦，滑行时手指不能松动，力度均匀适中，滑动平稳，同时还要注意左手拇指的放松。
二、止音
止音也叫着消音。在音乐表现上音可以分为圆滑的，和跳跃的。要出现跳跃的音符就需要将拨响的音止住。
有两种方法：
1.右手指拨完弦后再将拨弦的手指轻放在弦上，可以是同一拨弦的指也可以是其它手指。这样就将音止住。
2.右手拨完弦后将左手指微微抬起，注意左手指不可以离开弦，这样我们也可以把音止住。
三、拍弦
拍弦是右手食指、中指、无名指微微弯曲，力贯指尖拍打琴弦。注意食指、中指、无名指要并拢，这样手指就不会滑到琴弦下。
这是一段谱：
也可以右手握拳，用手指的第一指节去拍击琴弦。这是一种木吉他味道很浓的技巧。典型例子是田震的《干杯，朋友》。
四、制音
也叫闷音。分为右手制音和左手制音两种，用在Pick的演奏中。
左手制音是用左手指轻轻贴着琴弦，右手照常演奏。右手制音是用右手掌内侧轻压住靠近琴桥的弦，使弦不能完全振动发音。
这样可以发出沉重、郁闷的声音。注意不管是左手还是右手一定不可以将弦闷死，发不出音，也不能闷不住弦。
这是一段左手制音的谱，注意和切音不同：
五、推弦
左手拇指与食指轻轻夹住琴颈，按弦时装动手腕，琴弦因为弯曲后产生张力而音程增大。用在Pick吉他演奏中。分为半音推弦、1/4推弦;全音推弦;小三度推弦或小三度以上推弦。
六、揉弦
揉弦是为了改善音色用的。拨弦发音的同时，将左手指揉动，拇指放松依附于琴颈。四品和四品以下沿琴弦左右移动，振幅大。四品以上可以沿琴弦上下移动。在你需要的地方都加上，可以改善音色。注意左手指必须压紧，感到是指骨控制着揉弦。
希望对大家有用吧，不过一定要多多练习喔!
说句心里话，我对于指型也曾有过段不短的时间去死记硬背，但是效果不是很好，弹的时候总会有慢半拍的感觉，而且只是音阶模进与上下行的弹奏话，很容易忽视了消化和理解而把一个指型变成一个单纯的机械去运动，这也是为什么总是在正常练习中容易出问题了。但是经过一段时间的思考和与网友不断的交流和沟通，我也逐渐有了自己的一些自我的学习经验，想和大家分享一下关于指型，指板音阶记忆的一点心得，如有不妥之处，还请各位指正。
1、关于标准音下吉他空弦的音程
我们知道，如果没有采用特殊调弦法，那么吉他从六弦到一弦的空弦音，音名分别是E，A，D，G，B，E（3，6，2，5，7，3），关键的3－6－2－5－7的重要来源之一。这几个空弦音有什么意义呢？
从音程角度出发，从低音到高音，即六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，分别为：3－6，6－2，2－5，7－3，这几个都是纯四度音程，这说明在这几根弦之间的指板音阶上是有着一定规律与联系的。唯一特殊的是从三弦到二弦（5－7），是一个大三度音程，也就是说，如果某些在低中音弦上的进行的有规律的指法，一旦到了三弦与二弦之间上，就会发生变化，其直观反映应该是二弦的品位向后移一品（一个半音），才和三弦构成一个纯四度音程。那么，接下来以强力五和弦与四度和弦为例说明这点。
2、关于五度双音和弦（强力五和弦）与四度双音和弦的推导与构成
很多初学者都知道五度双音和弦的构成与指法相对来说比较简单，通常两根手指头搞定。相邻的两根弦，一个手指头按根音，另一个手指头按五度音。基本上在六，五，
四，三弦上只需要保持这个手型来回移动就能推导出其他的五和弦了。
为什么是这个手型呢？
前面我们讨论到：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，之间都是纯四度音程，而五度双音和弦两个音之间的音程是纯五度，也就是比纯四度要多一个全音，反映在指板上，正好是两品。举个例子：六弦三品是G，五弦三品是C，这两个音之间是纯四度音程，如果想构成一个强力五和弦，那么需要把按在五弦三品的手指往后移两品，挪到五弦五品上，即为D。G－D是为纯五度音程，也就构成了一个G5的五度双音和弦。
那么，四度双音和弦的推导便如此：G－D是五度音程，通过音程转位我们就知道，D－G就是四度音程。这个D-G怎么按呢？五弦五品是D，四弦五品就是G，也就是说，你只需要用一根手指头，同时按住这相邻的两根弦的同一品，一个四度音程的G5和弦的就出现了。
3、关于三弦与二弦之间音程导致的指型变化
好，六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，音程一样，双音和弦的指法也是一样的。但是三弦到二弦时，音程发生了变化，由之前的纯四度变成了大三度，少了一个半音，我们再想用之前的指法来做双音和弦，就会出现错误。这时候的指法也跟着变化了，要再向后移动一个品位（一个半音）才满足上下纯五度或者纯四度的音程。比如想在三弦和二弦上，做一个A5和弦，那么，食指按住三弦二品，那么你的无名指或者小指，按的就不应该是二弦四品了，而应该是二弦五品，与之前的手型相比，正好又往后移了一个半音。至于在三弦和二弦上，做四度双音和弦，道理也差不多，指型和之前比发生了变化。
4、关于指板音阶记忆的一点想法
前边说了那么多，其实有价值的就在于：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦之间都是纯四度音程，而三弦到二弦之间是大三度音程。这个有什么意义呢？
也就是说：在六弦到三弦这几根弦上，你随便按上某弦的某品出来的音，与它下边相邻弦的同一品的音，必然是纯四度关系。直观点说，只要在这几根弦上，某一品是个1，那么它下边的那根弦的同一品一定是4；如果某品是7，那么下边那根弦的同一品一定是3；同理，如果某品是6，那么下边那根弦的同一品是2；某品是5，下边那根弦的同一品是1——总之，即符合纯四度音程音阶的规律。
值得注意的是：如果某品是4，那么它下边那根弦的同一品，并不是7，而是#6。因为4－7是一个增四度音程，4－#6才是纯四度音程。
胡思乱想了很多，写了大半天，不知道对于各位朋友有没有帮助。不知道以前有没有人总结过，本篇文字是我一个字一个字打出来的。如果对您有帮助，那么我本人十分高兴；如果您觉得有问题，欢迎指正~
我下面列出的许多技巧、方法和理论是建立在我从一些非常慷慨的，愿意分享他们心得的朋友那里学来的东西的基础上的，与吉他教学教材没有任何关系。我描述的技巧只是实现目的的方法之一;正确的方法并不存在，只是有些方法比其他的简便、快捷。学会技巧背后的理论比学习技巧本身更重要。了解理论可以使你明白吉他安装的方方面面的基础，使他们不再那么神秘。一旦你学会了你正试着学习的(理论)，你可以直接或者灵活的运用相应的各种技巧来完成每个工作。
下面的讨论严格适用于钢弦声学吉他，基础理论同样适用于古典吉他和电吉他，也同样可以用在各种有品的弦乐器。调整的四个步骤：
这里有且只有四条最基本的、广泛影响到吉他演奏能力的调整技巧。分列如下：调整琴颈钢筋力量;调整鞍部弦的高度;调整螺母处弦的高度;调整声调(音准)。这四条就是我所说的“吉他的基础调整”。与“修理”对比，修理是可能会用在某个特定的乐器上，使之发挥最大演奏能力的工作;调整则是每把吉他至少都要用到一次的工作。只有极少数的制造商会用足够的时间去做这些调整工作。就算制造商做了，那些调整仍然是十分平庸并且面向大众的，不是为你度身定制。
琴颈曲度：
单纯的就吉他的基本力学原理来说，吉他的琴身机械的放大弦的震动。弦的震动是由首先使之由静止状态的位置产生位移——假定它在拉力下保持静止——然后释放它产生的。弦的弹性和作用在其上的外力使它向与平衡位置相对的几乎等位移处运动。由于每次震动的能量损失，弦的振幅逐渐减小(“衰减”)。弦震动的基本形状是由弦根部起始，在弦中部振幅最大，并在弦的另一端停止，振幅随时间逐渐减小(衰减)的浅曲线。(空弦)弦的两端没有任何位移，而12品处位移最大。为了给弦的震动提供空间，有两个选择：或者提升弦的高度(也就是“action”)确保弦的震动不会碰到品，或者使品连成的表面适合弦震动的形状。弦的高度可以用后者达到最小，也就是减小弦与品的距离，使吉他容易弹奏。
事实上，使品丝顶端连成的平面有适合琴弦震动的曲度也就是让琴颈有一个小曲度。琴颈曲度的大小由几个因素共同决定，包括琴弦高度，琴弦振幅。如果琴弦高度足够，那么不需要琴颈曲度;当然那样会影响手感。琴弦的振幅由张力，琴弦材料和初始位移(拨弦的力度)决定。琴弦降音会比标准音振幅大，同是标准音张力小的会比张力大的振幅大，拨弦力度越大振幅越大。所以，琴颈曲度的大小并没有固定的标准，因为不同的演奏者、琴弦需要不同的曲度。(请参考IBANEZ的调整 中的介绍)
对于琴颈装有钢筋的吉他，调整琴颈曲度是很容易的。装有钢筋的琴颈基本原理都是一样的。(转述)由指板正面观察，钢筋两端拉紧琴颈，则琴颈中间向观察点突起，反之内凹(如果去掉钢筋，琴颈自然曲度会是琴颈中部向观察点内凹)。(装有两根钢筋的是什么作用：以super wizard为例，由于这种琴颈由三片木头粘合，并且很薄，琴颈自然曲度的力量不足以应付钢筋的控制，增加的一跟钢筋用于增强木材的力量，另外琴颈自然曲度对木材有严格的要求，这种设计可以降低这种要求，同时由于是两根钢筋相互作用，可调性、稳定性更好，受气候影响比较小。 一跟钢筋的琴颈是钢筋与木材作用，两根钢筋则是钢筋相互作用，然后他们的形变作用于木材) (看着头疼?呵呵，我也是)
调整钢筋的地方在琴头或者木吉他音孔内的都有。在琴头一般是被一个小塑料片盖住，在音孔内则大多裸露在腔体内琴身与琴颈结合处的加强筋上。调整的工具一般是标准六棱扳子或者其他专用的工具(随琴赠送)。需要补充的是，品丝顶端有时候并不在一个平滑变化的面上。从琴枕向音孔观察，可能会发现有些品安装不到位。常见的毛病是木吉他琴颈与琴身结合处的品隆起一点。这种情况打品没办法用调整琴颈曲度避免。没有调整钢筋的吉他咋办?拆掉品丝，用外力强制改变琴颈曲度，这可能需要很牛叉的技术，这里不作讨论……
必须弄明白琴颈曲度跟琴弦高度的关系。琴颈曲度越大，高把位琴弦距离指板距离越大，所以琴颈曲度并不是越大越好，适度即可，否则会很影响演奏。(还要深究?琴颈只是琴弦震动区域的一部分，当然琴身那部分不需要有曲度，但是必须保证琴颈与琴身接合在一个平面上，也就是说假定指板是平的，那么通过调整琴桥必须有一个位置让琴弦跟指板平行。换个说法，以琴身表面为基准，第23个品丝不能高于前面任何一个品丝，从琴正面观察，假设指板是水平的，琴颈宁可有一点点前倾，但是绝对不能后仰)
从吉他入门开始，每位学习吉他的朋友都曾憧憬着，某一天能够站上舞台为观众弹唱自己的音乐！愿望总是美好的，大多数擅长吉他弹唱的朋友都存在很多问题和不良习惯，不过问题知晓后是可以及时修正的，不良习惯可无法及时改过来。
所谓不良习惯，就是一些毛病，这类毛病可以说是多种多样的，比如有的人专爱加些下滑音，无论什么歌，也不管是歌的什么部位，凡是来得及加的地方一律加一个下滑音，这是非常糟的，听的人会感到很“痛苦”。再如有的人不是加滑音，而是专门喜欢在一些音前面加一个二度跳音。
如乐句的第二个音是“ 3 ”，她便在前面加上一个短促的装饰音“ 2 ”，唱的时候不是从“ 2 ”，滑到“ 3 ”，而是从“ 2 ”跳到“ 3 ”上去的。 这样，就是歌词中“ 3 ”下面的一个字断成了两个字。以歌曲“三月三”为例，有好几处都把一个字唱出了两个字，如：“又是一年三月三”唱成了“今年后是一年三月三”;“不觉亮了天”唱成了“不户觉亮了天”;“人人笑开颜”唱成了“人人笑开颜汉”“如今每逢春风暖”唱成了“如互今每逢春风暖”……
这种跳音如果用上一次半次，也可能不要紧，但是用得太多了，同样会使听的人难过。下面再谈一个例子，有一次我听到一个学生弹唱，很有意思，他每唱到拖长音的地方，全部用一个固定的办法来处理：即“弱起渐强”，绝无例外。如果一个不了解情况的人来听，说不定会以为他是朝鲜人呢。因为朝鲜的民歌，全部是这种唱法。而他并不是朝鲜人，他只不过是在歌唱方面养成的这样一种“弱起渐强”的习惯。
如果以上所提出的各种问题都解决了，那么不管同学们的声音条件如何，唱出的歌一定会是优美、动听的。 下面，有两点需要补充的。
其一，通过以上的论述，不要给大家造成一种错觉，即误认为我们是反对歌唱中的滑音和装饰音的。我们反对的只是滑音和装饰音的滥用。必要的滑音和装饰音还是要有的，只是要应用得适当、恰到好处。有些特定的滑音或装饰音为歌曲增添了不少风彩，是十分宝贵的。
其二，有些同学的嗓子有点沙哑，有点粗糙，便认为自己声音不好，不去练唱了，这是不对的。用现在的观点去看，嗓子如略有沙哑和粗糙，不但不能算缺点，相反应该认为是难得的优点，有的人把这样的嗓子叫“金不换”,我看是有道理的。至于沙哑的嗓子为什么比圆润的嗓子更具有魅力，更富表现力，我也不知道，因为没有去分析、研究过。 有的同学在弹唱时，常模仿一点沙哑的气声，我看这是值得提倡的。
关于吉他弹唱中的歌声问题，我们已谈了不少，希望问学们做一些思考，根据自己的具体情况，做出适合于自己的选择。“学生腔”这种唱法，较容易掌握，适合于大多数同学，绝大部分具有普遍嗓音的同学都可以考虑采用这种唱法。
吉他教学里，有很多种练习的方法，而音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法，而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。任何联系方法的关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己，要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
1、如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
2、每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
3、弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
4、交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
5、使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
6、试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看!)。
7、试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
8、倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
9、运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
大部分吉他初学者，即便是刚刚吉他入门的一部分人，在吉他教学课上经常会遇到一个很棘手的问题，左手按和弦总是出错，要不就是按起来特别困难，那左手按弦究竟有没有什么特殊的技巧呢?请大家接着往下看。
横按其实并不难，反复练习抓要点。
拇指中指对准按，左臂放松立手腕。
食指横按当弦枕，平直用力能按紧。
指侧按弦用力少，弹响琴弦才算好。
其余各指垂直按，练好一把是关键。
F和弦能横按， 其它横按全过关。
开动脑筋加勤练，横按和弦不再难。
还有就是你说你在和弦弹奏时连贯不起来，这主要是你在换和弦时不能将时值弹准的原因，要解决这个问题，只要你在进行和弦转换时采用“保留指”的方法就能轻松得到解决，即在从一个和弦向另一个和弦转换时，如果它们有一个共同的手指是在同一根琴弦上的，那这个手指就不要离开琴弦，然后以这个手指作为支点，这样转换和弦就会既快又准了，而且弹奏也不会连不起来了。如果，在转换和弦时没有“保留指”，那就应该先弹哪根弦就先按哪根弦，好了，就先给你说到这儿，希望对你有帮助。
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